Historienfilm

Marie Antoinette (2006)

Regie: Sofia Coppola
Original-Titel: Marie Antoinette
Erscheinungsjahr: 2006
Genre: Historienfilm, Biopic
IMDB-Link: Marie Antoinette

Led Zeppelin sangen 1971 die ikonischen ersten Textzeilen zu ihrem Opus magnum: „There’s a lady who’s sure / All that glitters is gold.“ Ob sie dabei auch an Marie Antoinette gedacht haben, ist nicht überliefert und wohl eher unwahrscheinlich. Dennoch lässt sich von dort leicht die Brücke zu Sofia Coppolas Biopic schlagen, denn dieser Song hätte durchaus auf dem offiziellen Soundtrack zu finden sein können. Immerhin sind New Order, Siouxsie and the Banshees, The Strokes und The Cure neben vielen Anderen dort vertreten. Wie passt nun Rockmusik mit dem Rokoko zusammen (außer, dass sie die erste Silbe miteinander teilen)? Grundsätzlich einmal erstaunlich gut. Auch wenn bei den Kostümen und der Ausstattung Wert auf Authentizität, oder sagen wir: Historizismus gelegt wurde, macht es gar nichts, wenn Bow Wow Wow diese historische Anmutung durchbrechen mit dem Ausruf „I want candy!“. In den besten Momenten akzentuiert die eingängige Pop- und Rockmusik die im Film unterstellte Oberflächlichkeit von Marie Antoinette (Kirsten Dunst). Dennoch hat man Mitleid mit dem Mädel. Denn ein einfaches Leben hat sie trotz allen Glitters nicht. Blutjung verheiratet von Wien nach Paris mit König Ludwig XVI. (Jason Schwartzman mit einer wundervoll lächerlichen Darstellung des überforderten Königs) soll sie einen Thronerben zeugen – was sich als recht schwierig herausstellt, wenn der männliche Part vor jeder Berührung zurückschreckt und die Königin morgens allein im Bett aufwacht. Heute würde man den Herrn vermutlich mit edler Reizwäsche und, wenn’s sein muss, pornographischem Bewegtbildmaterial nach persönlichem Gusto animieren, aber damals waren die Möglichkeiten halt begrenzt. Es erscheint unfair, dieses Dilemma allein der Königin anzulasten; nichtsdestotrotz geschieht das. Und so ist das Leben von Marie Antoinette am Hofe zwar ein luxuriöses, gleichzeitig aber auch sinnentleert und lieblos. Man hat Verständnis dafür, dass der Königin die Nöte der wahren Welt, die vor den Toren des Hofes kochen, verborgen bleiben. Ihr einziges Ziel ist die Einhaltung der höfischen Etikette und das Finden von ein klein bisschen Glück. Aber: Repräsentativ muss man sein und zeugungsfähig. Damit wäre das Jobprofil „Königin am französischen Hof“ ausreichend umrissen. Wie das Drama ausgeht, kennt man aus den Geschichtsbüchern, denn irgendwann hat das Volk halt genug von der Schere zwischen königlichem Luxus und bürgerlichem Elend. Nur schade, dass genau dieser Aspekt in Sofia Coppolas Film über weite Strecken gar nicht vorkommt und auch gegen Ende hin nur angedeutet wird. Stattdessen bleibt Coppola ganz in der glitzernden Scheinwelt der Königin; diese wird niemals durchbrochen. „And as we wind on down the road / Our shadows taller than our soul / There walks a lady we all know / Who shines white light and wants to show / How everything still turns to gold.“ Marie Antoinette wird damit in gewisser Weise ihre Unschuld zurückgegeben, sie ist ein Opfer ihrer eigenen Lebensumstände. Besonders interessant ist diese Ausrichtung auf das Zeremoniell, auf dieses Nicht-Leben für den Zuseher allerdings nicht. So weist der Film dann auch seine Längen auf. Trotz eines gut gelaunten Casts und eines Soundtracks, der gut ins Ohr geht. (Auch wenn Led Zeppelin fehlt.)

5,5
von 10 Kürbissen

https://www.youtube.com/watch?v=BuByY-DnGYo

Selma (2014)

Regie: Ava DuVernay
Original-Titel: Selma
Erscheinungsjahr: 2014
Genre: Biopic, Drama, Historienfilm, Politfilm
IMDB-Link: Selma

Dass „Selma“ von Ava DuVernay bei der Oscar-Verleihung 2015 „nur“ als bester Film und für den besten Song nominiert war (für Letzteres bekam er dann auch die Auszeichnung), gehörte zu den großen Aufregern des damaligen Jahrganges. Was ist mit einer Nominierung für Ava DuVernay? Was ist mit David Oyelowo als Martin Luther King? Beides berechtigte Fragen, wenn man den Film sieht. Denn „Selma“ ist ein sehr ambitionierter Historienfilm mit großartigen Darstellern, allen voran eben Oyelowo, über einen wichtigen Moment in der Geschichte der amerikanischen Bürgerrechtsbewegung. Es geht um die von Martin Luther King angeführten Selma-Montgomery-Märsche aus dem Jahr 1965, die auf das Unrecht hinwiesen, dass schwarzen Bürgerinnen und Bürgern trotz neuer Gesetze immer noch der Zugang zu den Wahlen erschwert wurden. Bürokratische Willkür, jede Menge Fallstricke in den Gesetzestexten und eine völlige Ignoranz des Problems seitens der US-Regierung sorgten dafür, dass Zehntausende Amerikanerinnen und Amerikaner jeglicher Couleurs gegen alle Widerstände von Selma nach Montgomery, der Hauptstadt von Alabama, zogen und friedlich protestierten. „Selma“ zeichnet sowohl die Vorgeschichte als auch die Märsche selbst (erst der dritte konnte erfolgreich durchgeführt werden, während die ersten beiden noch von der Exekutive behindert wurden) nach. Martin Luther King wird dabei als Familienvater und Mensch mit Stärken und Schwächen gleichermaßen gezeigt. Der ausgewogene Blick tut dem Film und seiner starken Botschaft durch. Gleichzeitig wird der Stoff dadurch teilweise auch etwas trocken abgehandelt. Über die gesamte Laufzeit von über zwei Stunden hat der Film dann doch den einen oder anderen Leerlauf. In den besten Momenten aber ist er auf eine sehr positive, unpathetische Weise ergreifend. Auch in einem exzeptionell guten Jahrgang 2014/2015 (u.a. „Grand Budapest Hotel“, „Birdman or The Unexpected Virtue of Innocence“, „Boyhood“ oder „Whiplash“) konnte sich dieser Film durchaus behaupten und gehört, so behaupte ich mal, zu jenen Filmen, die auch in einigen Jahren noch relevant sein werden.

(Dieser Film ist als Reiseetappe # 52 Teil meiner Filmreisechallenge 2018. Mehr darüber hier.)

7,0
von 10 Kürbissen

Alles Geld der Welt (2017)

Regie: Ridley Scott
Original-Titel: All the Money in the World
Erscheinungsjahr: 2017
Genre: Biopic, Krimi, Historienfilm, Thriller
IMDB-Link: All the Money in the World

Ridley Scott ist einer meiner persönlichen Säulenheiligen des Filmschaffens. Mit „Blade Runner“ hat er meinen absoluten Lieblingsfilm gedreht. Mit „Thelma & Louise“, „Gladiator“ und „Alien“ drei weitere absolute Meisterwerke, die ganze Genres begründet oder neu definiert haben. Dazu kommen Filme wie „Königreich der Himmel“, „White Squall“, „Ein gutes Jahr“ oder „Der Marsianer“ – Filme, die ich ebenfalls sehr mag und unheimlich gerne sehe, auch wenn sie vielleicht geringfügige Schwächen aufweisen. Um es kurz zu machen: Der Mann kann wirklich etwas und zählt wohl zu den einflussreichsten Regisseuren der letzten fünfzig Jahre. Sein neuestes Werk „All the Money in the World“ beschäftigt sich nun mit der Entführung von Paul Getty III (Charlie Plummer), dem Enkelsohn des damals reichsten Mannes der Welt (bzw. sogar der Geschichte, da er der erste Milliardär überhaupt war), J. P. Getty (Christopher Plummer). 1973 wird Paul Getty in Rom entführt. Die Lösegeldforderung: 17 Millionen Dollar. Peanuts für einen Getty. Dieser allerdings hockt so sehr auf seinem Geld, dass Dagobert Duck daneben wie der freigiebigste Philanthrop aller Zeiten wirkt. „Ich habe vierzehn Enkelkinder. Würde ich nur einen Penny bezahlen, hätte ich bald vierzehn entführte Enkelkinder.“ So sein Statement vor der Presse, obwohl Paul zu seinen Lieblingen zählt. Pauls Mutter Gail (Michelle Williams), geschieden von ihrem im Drogensumpf versunkenen Getty, hat selbst kein Geld. Und das Verhältnis zum Alten ist – gelinde gesagt – kühl. Dieser engagiert zumindest den ehemaligen Geheimagenten Fletcher Chase (Mark Wahlberg), einem Meister der Verhandlungen. Dieser soll Gail zur Seite stehen und den Jungen raushauen. Eine fatale Fehleinschätzung führt aber dazu, dass sich die Lage dramatisch zuspitzt. Der Stoff von „All the Money in the World“ verspricht Spannung und große Emotionen. Was der Film allerdings nicht bietet, sind Spannung und große Emotionen. Es ist fast schon erschütternd in Anbetracht von Scotts Œuvre, wie belanglos der Film vor sich hin plätschert und dabei auch noch massive Schwierigkeiten offenbart, einen eigenen Rhythmus zu entwickeln. Die kalte, aalglatte Welt der Superreichen wirkt sich negativ auf den Film aus, an dem die an sich dramatische Geschichte abperlt wie von Teflon. Christopher Plummer mit einigen wenigen guten Szenen kann auch nicht mehr viel retten. Vor allem nicht, wenn er neben einem Mark Wahlberg spielen muss, der sich mit einem einzigen Gesichtsausdruck, nämlich gelangweilt, durch die über zwei Stunden schummelt. Wahlberg war großartig in „The Departed“, aber die dortige Rolle darf wohl als einmalige Sternstunde zu den Akten gelegt werden. Michelle Williams bemüht sich nach Kräften, aber auch ihr wird nicht viel Raum gelassen für Emotionen. Und so ist „All the Money in the World“ leider als ein Tiefpunkt in Ridley Scotts Schaffen zu bezeichnen: Unrhythmisch, dramaturgisch schwach und schlicht langweilig. Ein paar gute Szenen, in denen Scott zeigt, dass er es eigentlich doch könnte (Stichwort: Ohr), retten dem Film noch magere vier Pünktchen in der Bewertung.

4,0
von 10 Kürbissen

Die Verlegerin (2017)

Regie: Steven Spielberg
Original-Titel: The Post
Erscheinungsjahr: 2017
Genre: Biopic, Drama, Historienfilm
IMDB-Link: The Post

Katharine Graham (Meryl Streep), genannt „Kay“, war eine coole Socke. 35 Jahre lang war sie Geschäftsführerin der Washington Post und als solche die erste Frau in dieser Position in ihrer Branche, und sie machte aus der Post durch die Aufdeckung der Pentagon-Papers 1971 und der darauf folgenden Watergate-Affäre ein international renommiertes Blatt. Man sollte an dieser Stelle nun den Hut ziehen, sofern man einen trägt. Steven Spielberg hat dieser einflussreichen Frau nun mit „The Post“ ein Denkmal gesetzt. Daran ist gleich einmal positiv zu vermerken, dass der Film keine überzeichnete Heldenverehrung betreibt, sondern Kay Graham als verletzliche, unsichere und durch die Konventionen ihrer Zeit (Stichwort: „Mansplaining“) in ihren Möglichkeiten eingeschränkte Frau zeigt. Gleichzeitig ist sie unglaublich tough, da sie sich einem fast ausschließlich männlichen und ihr durchaus feindlich gesinnten Umfeld behaupten muss und folgenschwere Entscheidungen zu treffen hat. Die Veröffentlichung der streng geheimen Pentagon-Papers, und das ist das zentrale Thema des Films, könnte nämlich bereits der viel größeren und wichtigeren New York Times Kopf und Kragen kosten, denn US-Präsident Nixon hat naturgemäß keine Freude mit der Veröffentlichung der Dokumente, die belegen, dass der Vietnam-Krieg von Anfang an als verloren galt, was der Bevölkerung aber natürlich von der Regierung verschwiegen wurde. Einen Großteil seiner Zeit widmet der Film der Jagd nach den Quellen der Pentagon-Papers und dem Konflikt, in dem sich Chefredakteur Ben Bradlee (Tom Hanks mal wieder in einer Tom Hanks-Rolle) und damit auch Kay Graham befinden. Denn wenn die Quelle und damit die Papers aufgefunden werden, ist die Frage zu beantworten: Veröffentlichen – ja oder nein? Im schlimmsten Fall wird Bradlee seinen Job los, und Kay wandert hinter schwedische Gardinen. Wie gesagt, die Regierung reagiert auf die öffentliche Zurschaustellung ihrer Inkompetenz in der Regel eh leicht säuerlich, und Nixon ist da noch mal ein weitaus gefährlicherer Gegner als die Administrationen vor ihm. Hier geht es schließlich um Regierungsgeheimnisse, die dem Volk unter die Nase gerieben werden. Was also tun? Der Film fokussiert dabei hauptsächlich auf die unterschiedlichen Herangehensweisen von Bradlee und Graham. Beide haben hier eigene Standpunkte und natürlich auch auseinandergehende Interessen. Für Graham geht es auch um den Fortbestand des Lebenswerkes ihrer Familie, für Bradlee um die Pressefreiheit per se, was natürlich für Graham auch ein gewichtiges Argument ist, aber sie hat eben auch noch andere Konsequenzen zu berücksichtigen. Den Konflikt, in dem sich die Verlegerin befindet, stellt Meryl Streep wie immer überragend dar. Sie ist einfach die Beste ihrer Zunft. Und auch der ganz große Pluspunkt des Films. Denn dieser ist zwar durchaus als gelungen zu betrachten, allerdings in seiner Inszenierung durch Spielberg fast schon zu routiniert für meinen Geschmack. Das zeigt sich zum Beispiel daran, dass eine Szene aus dem Vietnamkrieg selbstverständlich musikalisch mit Creedence Clearwater Revival unterlegt sein muss. Ich liebe CCR, aber seit „Forrest Gump“ scheint Hollywood der Meinung zu sein, dass das die einzige Musik ist, die man zu Vietnamkriegsszenen einspielen kann. Und auch dramaturgisch ist in „The Post“ nicht viel Überraschendes dabei. Wie gesagt: Alles sehr gut gelungen, aber auch alles sehr routiniert abgearbeitet. Mit Ausnahme von Meryl Streep, die einmal mehr eine denkwürdige und facettenreiche Figur auf die Leinwand zaubert.

6,5
von 10 Kürbissen

The Portrait of a Lady (1996)

Regie: Jane Campion
Original-Titel: The Portrait of a Lady
Erscheinungsjahr: 1996
Genre: Drama, Historienfilm
IMDB-Link: The Portrait of a Lady

„The Portrait of a Lady“, Jane Campions opulente Verfilmung des Romans von Henry James, erhielt nur gemischte Kritiken. Und ja, es ist immer ein schwieriges Unterfangen, wenn man ein 600 Seiten starkes Buch auf Filmlänge zusammendampfen muss, zumal Henry James für das präzise Herausarbeiten sehr feiner psychologischer Nuancen bekannt war, die sich filmisch halt auch nur schwer darstellen lassen. So schreibt das Lexikon des internationalen Films zum Beispiel: „Gediegene Adaption eines Romans von Henry James, der es jedoch nicht ganz gelingt, die Beweggründe ihrer Protagonisten zu verdeutlichen […].“ Doch gerade darin liegt für mich der ganz große Reiz des Films, der seine Figuren eben nicht erklärt. Sie bleiben rätselhaft und in ihren Handlungen zuweilen auch unverständlich. Aber sind wir Menschen nicht so? Die Figuren in James‘ Roman sind ja auch extrem ambivalent angelegt, und dem wird Jane Campions Umsetzung gerecht. Isabel Archer (eine hinreißende Nicole Kidman) versteht ihre eigenen Entscheidungen oft nicht, sie folgt einem Gefühl, einem Impuls, immer aus ihren eigenen Vorstellungen von Freiheit und Unabhängigkeit heraus. Doch genau diese Vorstellungen und Ideen können sie aber auch in die Irre führen. So schlägt sie die Heiratsanträge der noblen Verehrer Lord Warburton (Richard E. Grant) und Caspar Goodwood (Viggo Mortensen) aus, nur um sich in die Arme des egozentrischen Gilbert Osmond (John Malkovich, undurchschaubar bis dämonisch wie immer) zu werfen, mit dem sie fortan eine unglückselige Ehe führt. Macht das Sinn? Nein. Aber manchmal trifft man eben mit vollem Bewusstsein und aus eigenem Antrieb heraus depperte Entscheidungen. Wenn das noch dazu so herausragend gespielt ist wie in „The Portrait of a Lady“, dann besteht die große Chance, dass man gefesselt am Bildschirm kleben bleibt. Zu nennen sind da neben dem Hauptcast noch die oscarnominierte Barbara Hershey sowie Martin Donovan, die extrem facettenreiche und interessante Nebenfiguren spielen.  Und zu nennen ist natürlich Mr. Henry James himself, der mit seinem Roman die Vorlage für die scharfzüngigen und hintersinnigen Dialoge geschaffen hat, die hier so geschliffen vorgetragen werden. Ein Film, der mehr wie ein Theaterstück wirkt, und genau das muss man eben nicht mögen, aber man kann, wenn man eine Antenne für diese Art von Geschichten hat.

8,0
von 10 Kürbissen

Licht (2017)

Regie: Barbara Albert
Original-Titel: Licht
Erscheinungsjahr: 2017
Genre: Drama, Historienfilm
IMDB-Link: Licht

Daran, dass es um die österreichische Filmlandschaft derzeit so gut bestellt ist, hat Barbara Albert einen wesentlichen Anteil, wird doch ihr Film „Nordrand“ aus dem Jahr 1999 gerne als Initialzündung für die neue Ära des österreichischen Films gesehen. Was sich seither als Konsens etabliert hat: Wir sind als Filmnation irrsinnig gut darin, bittere Sozialdramen und schwarzhumorige bis zynische Komödien zu drehen, die der Gesellschaft einen Spiegel vorhalten. Was erstaunlich selten vorkommt (angesichts der üppigen Historie, aus der man sich bedienen könnte), sind Kostümfilme. „Amour Fou“ von Jessica Hausner fällt mir da spontan ein, aber dann ist auch schon so ziemlich aufgeräumt. „Licht“ von Barbara Albert stößt nun in diese Lücke – und wie! Denn zum Einen ist die Geschichte der blinden Pianistin Maria Theresia von Paradis und ihrer Begegnung mit dem „Wunderheiler“ Franz Anton Mesmer ein exzellent recherchiertes und in Tonfall und Ausstattung sehr authentisch wirkendes Historiendrama par excellence, zum Anderen aber hat der Film einen sehr eigenen, individuellen Rhythmus, der ihn von vergleichbaren Filmen deutlich abhebt. Auch bietet der Film selbst keine Antworten auf die Fragen, die er aufwirft – nach Selbstbestimmung, Bestimmung, Talent vs. Lebensglück – das heißt, dass der Zuseher gefordert ist, sich seine eigenen Antworten zu basteln. Vor allem lebt „Licht“ aber von seiner herausragenden Hauptdarstellerin. Maria Dragus als blindes Musik-Genie, die hin- und hergerissen ist zwischen ihren dominanten Eltern, die große Pläne für sie haben, und der freundschaftlichen Zuneigung Mesmers, der ihr ein besseres Leben verspricht, ist grandios. Wenn sie ihre Augen aufreißt und diese wie große Murmeln in den Augäpfeln kullern auf der Suche nach der Lichtquelle, die sie vage wahrnehmen, dann ist das eine physische Art des Schauspiels, wie ich sie bisher kaum, vielleicht noch nie, gesehen habe. Auch der Rest des Casts weiß zu überzeugen, v.a. Maresi Riegner als Kammerzofe Agnes, aber es ist Maria Dragus, die diesen Film bestimmt, die Herz und Seele und Körper von „Licht“ in sich vereint, und die die steife aristokratische Etikette immer wieder mit Wärme und Emotionen durchbricht. Was mir ebenfalls aufgefallen ist: In kaum einem anderen Film wird der Gehörsinn so sehr bedient wie in „Licht“. Die Geräuschkulisse ist sehr spärlich, aber extrem gut akzentuiert eingesetzt, und das Publikum nimmt, gleich der sehbehinderten Hauptfigur, die Geräusche fast überdeutlich wahr. Das als Beispiel für die vielen kleinen Details, die der Film auf besondere Weise berücksichtigt, und die diesen herausheben aus der Menge. Fazit: Ab ins Kino, solange der noch läuft!

8,0
von 10 Kürbissen

Cleopatra (1963)

Regie: Joseph L. Mankiewicz
Original-Titel: Cleopatra
Erscheinungsjahr: 1963
Genre: Historienfilm
IMDB-Link: Cleopatra

Vier Stunden. Darauf muss man sich einstellen, wenn man die DVD oder Blu-Ray von „Cleopatra“ einwirft oder auf sonstigen dubiosen Kanälen diesen Historienschinken startet. Man hat wahrlich nicht gekleckert – weder bei den farbenprächtigen Kostümen noch bei den imposanten Bauten noch eben bei der Laufzeit. Als cineastische Zwischenjause ist das Werk von Joseph L. Mankiewicz, zum Zeitpunkt des Entstehens der teuerste Film aller Zeiten, nicht geeignet. Die Geschichte sollte bekannt sein, wenn nicht in der Schule jede Geschichtsstunde den schülerautonom freien Tagen zum Opfer gefallen ist. Für alle, die eine Auffrischung brauchen: Cäsar (der Julius, wie man aus den Asterix-Comics weiß) bandelt mit Cleopatra an (die mit der schönen Nase, ebendort), Julius wird gemeuchelt, Cleopatra bandelt mit Marcus Antonius an, der sucht Zoff mit Cäsars Nachfolger Octavian, doch seine Schiffe werden im Meer versenkt, er stürzt sich ins Schwert, Cleopatra spielt mit ihrem Haustier, Ende gut, alle tot. Gleich mal ein erster Hinweis auf die Filmabendtauglichkeit des Historienschinkens: Ich habe keine vier Stunden gebraucht, um diese Geschichte zu erzählen. Sprich: Was „Cleopatra“ vor allen Dingen ist, das ist lang. Um historische Genauigkeit bemüht, erzählt der Film die Handlungen seiner Figuren wirklich sehr exakt nach, bis zur Ermüdung teilweise. Das Problem bei der ganzen Sache ist, dass die handelnden Figuren eben nur handeln, aber sie lassen Tiefe, innere Motivation und wahre Konflikte vermissen. So ist „Cleopatra“ bei allen Bemühungen um monumentale Unterhaltung im Grunde nur eine Nacherzählung der historischen Ereignisse. Allein Rex Harrison als Cäsar kann hin und wieder so etwas wie Tiefe erkennen lassen. Liz Taylor ist zwar eine Augenweide, aber ihre Cleopatra ist (charakterlich) so flach wie ein Papyrus, und was Richard Burton dazu befähigen soll, einen interessanten Marcus Antonius darzustellen, darüber wird wohl heute noch in Fachkreisen gerätselt. Und habe ich schon einmal erwähnt, dass der Film lang ist? Also so richtig, richtig lang? Unterm Strich ist „Cleopatra“ zwar ein beachtlicher Versuch, etwas Großes auf die Beine zu stellen, und man merkt dem Film in vielen Aspekten wie eben der Ausstattung an, dass da richtig viel Kohle hineingesteckt wurde, und diese Aspekte unterhalten auch, aber man darf halt nicht auf das Wichtigste vergessen – interessante Charaktere. Und so wird sich wohl kaum jemand diese vier Stunden noch einmal gönnen, wenn er erst einmal durch ist. Dann also doch lieber Asterix.

5,5
von 10 Kürbissen

Tulpenfieber (2017)

Regie: Justin Chadwick
Original-Titel: Tulip Fever
Erscheinungsjahr: 2017
Genre: Drama, Historienfilm
IMDB-Link: Tulip Fever

Das Goldene Zeitalter. Goldene Nasen, wohin man schaut – jedenfalls, wenn man mit den richtigen Dingen handelt. Zum Beispiel mit Tulpen. Für einzelne Zwiebeln werden Preise gezahlt, für die man sich im beschaulichen (und sehr dreckigen) Amsterdam des 17. Jahrhunderts stattdessen auch ein hübsches Häuschen mit Grachtenblick leisten könnte. An Tulpen ist der reiche Kaufmann Cornelis Sandvoort (Christoph Waltz) allerdings nicht interessiert. Er hat ein anderes Blümchen zuhause, das er zum Erblühen bringen möchte: Seine junge, einst aus dem Waisenhaus herausgekaufte Frau Sophia (Alicia Vikander). So schön sie auch anzusehen ist, aber etwas fehlt – nämlich der heiß ersehnte männliche Nachkomme. Der Jüngste ist Cornelis ja nicht, und mit seiner ersten Frau ging es schon mal schief – Frau und Kind starben im Kindbett. Blöd nur, dass die holde Gattin Nummer 2 nicht schwanger werden will – trotz aller angestrengten Bemühungen. Na ja, lässt man sich in der Zwischenzeit halt auf einem schönen Doppelporträt verewigen. Nur blöd, dass der Künstler, der dieses anfertigen soll, ein junger, gut aussehender Heißsporn ist (Dane DeHaan). Es entspinnt sich eine kleine Intrige, in die auch die Hausmagd (Holliday Grainger) eine (wortwörtlich) tragende Rolle spielt.

„Tulpenfieber“ von Justin Chadwick nach einem Drehbuch von Tom Stoppard („Shakespeare in Love“) ist im Grunde ein klassisches Hollywood-Historien-Drama. Der Film scheut größere Risiken und erzählt stattdessen routiniert, aber durchaus fesselnd, seine Geschichte rund um Liebes- und Tulpenwahn. Die historische Anekdote des ersten massiven Börsencrashs der Neuzeit ist hierbei Hintergrundkulisse für eine recht klassische und weitgehend überraschungsfreie Dreiecks- bzw. Liebesgeschichte. Dass der Film dennoch gut unterhält, liegt am großartigen Schauspieler-Ensemble (wobei mir Alicia Vikander diesmal ein bisschen zu oft mit aufgerissenen Augen herumläuft – ihre Rolle könnte man auch subtiler spielen), das von einer sinnlichen Holliday Grainger, einem überraschend verletzlichen Christoph Waltz und einem charismatischen Dane DeHaan (diesmal – denn bei „Valerian“ hatte ich ja so meine Probleme mit ihm) getragen wird, unterstützt von hochkarätigen Nebendarstellern wie zB Judi Dench oder Zach Galifianakis. Auch die großartige, detailreiche Kulisse ist hervorzuheben. Man riecht förmlich den Gestank der Gassen und des schmutzigen Wassers – bzw. könnte es hierfür ein wenig nach Oscar-Nominierung riechen. In Summe kein Meisterwerk, dafür ist die Geschichte zu eindimensional aufgebaut und manche Dialogzeilen sind doch recht banal, aber, wie gesagt, für Unterhaltung ist dennoch gesorgt.

6,5
von 10 Kürbissen

(Foto: Thimfilm)

Dunkirk (2017)

Regie: Christopher Nolan
Original-Titel: Dunkirk
Erscheinungsjahr: 2017
Genre: Drama, Historienfilm, Kriegsfilm
IMDB-Link: Dunkirk

1940. Der Kessel von Dünkirchen. 400.000 britische (fast die gesamte Berufsarmee Großbritanniens) und französische Soldaten sind abgeschnitten von der Heimat und warten am Strand auf Rettung. Mitten drin der einfache Soldat Tommy (Fionn Whitehead), der den Zuseher die nächsten 1,5 Stunden lang durch die spektakulärste militärische Rettungsaktion der Geschichte führt. Es sind einfache Fischer und Segler (darunter der von Mark Rylance gespielte Dawson), die zu Hilfe eilen und über den Ärmelkanal setzen. Über ihnen versuchen britische Kampfflieger wie zB Farrier (Tom Hardy) die Schiffe gegen deutsche Flugzeuge zu beschützen. Es geht hier nicht mehr um den Kampf gegen den Feind, um Heldenmut oder waghalsige Manöver. Es geht um das schiere Überleben. Und das zeigt „Dunkirk“, der neue Film von Christopher Nolan, ohne Kitsch und Pathos (ganz anders als das unsägliche „Hacksaw Ridge“ von Mel Gibson), aber mit nervenzerfetzender Spannung auf. „Dunkirk“ ist ein unkonventioneller Kriegsfilm, da er den Krieg und seine Protagonisten nicht überhöht. Die Luftgefechte zwischen den Kampffliegern sehen unspektakulär aus, ohne dabei an Spannung einzubüßen. Man spürt: Jeder Fehler kann sofort schwerwiegende Konsequenzen haben. Und doch versucht jeder einfach nur, seinen Job zu machen. Die Männer, die hier um ihr Überleben und das der Evakuierten auf den Schiffen kämpfen, sind keine wagemutigen Draufgänger. Sie sind einfach nur Menschen, die schon Vieles erlebt haben und durchleiden mussten, die traumatisiert sind, schweigsam, aber sie tun, was getan werden muss. Was zur Spannung beiträgt, ist der grandiose Soundtrack von Hans Zimmer, in den immer wieder das Ticken einer Uhr eingebaut ist, sowie die nicht chronologische Erzählform. Immer wieder werden Szenen aus verschiedenen Blickwinkeln neu gezeigt – was ich durchaus als Verweis auf die improvisierte und auch chaotische Rettungsaktion verstehe sowie als Metapher für den Verlust des Zeitgefühls der Soldaten, für die sich in ihrer schier aussichtslosen Lage Minuten wie Stunden und Stunden wie Ewigkeiten hinziehen. All das erzählt der Film ziemlich matter of fact. Er überhöht nichts. Gerade deshalb wirkt der Schrecken des Krieges lange nach. Und auch der Film wird lange überdauern und auch künftig in Christopher Nolans ohnehin schon eindrucksvoller Filmografie als eines seiner Meisterwerke herausragen.

8,5
von 10 Kürbissen

Der Löwe im Winter (1968)

Regie: Anthony Harvey
 Original-Titel: The Lion in Winter
Erscheinungsjahr: 1968
Genre: Drama, Historienfilm, Politfilm, Satire
IMDB-Link: The Lion in Winter

Einer der 8 Nicht-Oscars von Peter O’Toole. Einer von 4 Oscars von Katherine Hepburn. Ein junger Anthony Hopkins, ein blutjunger Timothy Dalton. „The Lion in Winter“ ist ganz klar großes Schauspielkino. König Henry II. von England (O’Toole) sorgt sich um seine Nachfolge. Sein Favorit wäre der etwas dümmliche John (Nigel Terry), seine Frau Eleonore (Hepburn) nutzt die Gelegenheit des Weihnachtsfestes, an dem sie von ihrem Gemahl ausnahmsweise mal aus ihrem Gefängnis geholt wird, um ihren Lieblingssohn Richard (Hopkins), der später den Beinamen Löwenherz bekommen wird, in Stellung zu bringen. Der dritte Sohn, Geoffrey (John Castle), sieht sich das Ganze mal an, hat aber seine eigenen Pläne. Dazu kommt noch die wunderschöne Geliebte des Königs, Alais (zum Verlieben: Jane Merrow), und der junge König von Frankreich (Timothy Dalton) mischt auch noch fröhlich mit. Alles, was Anthony Harvey für seinen Klassiker benötigte, war eine Burgkulisse, diese Ansammlung großartiger Schauspieler und ein brillantes Drehbuch. Es ist zauberhaft, wie durchtrieben und spitzzüngig hier in alle Richtung konspiriert und intrigiert wird. Das alles gelegentlich begleitet von charmanten Komplimenten, die das Messer im Rücken noch etwas tiefer ins Fleisch treiben. Und so ist das ein großer, anspruchsvoller Spaß. Der Film hat zwar seine Längen und er ist natürlich auch gealtert (die Kampfszenen sind heute eher lustig als episch anzusehen), aber die Dialoge funktionieren noch immer. Eleonore, mit einem Becher in der Hand: „I have a confession.“ Henry, lehnt gelangweilt im Stuhl: „Yeah?“ Eleonore: „I don’t much like our children.“

7,5
von 10 Kürbissen