2018

Suspiria (2018)

Regie: Luca Guadagnino
Original-Titel: Suspiria
Erscheinungsjahr: 2018
Genre: Horror
IMDB-Link: Suspiria

Dario Argento und Luca Guadagnino haben eines gemeinsam: Das Land, in dem sie geboren wurden. Was sie allerdings nicht unbedingt eint, ist ihr Zugang zu Filmen und die Verarbeitung der Stoffe. Während es Dario Argento so richtig krachen lassen wollte, setzt Guadagnino in der Regel auf leisere Töne. Allein daher konnte man schon sehr gespannt sein auf das Ergebnis von Guadagninos Neuinterpretation von Argentos „Suspiria„. Ein klassisches Remake ist der Film jedenfalls nicht, sondern ein gänzlich eigenständiges Werk – wie es auch zu erwarten war. Da man davon ausging, dass ein Großteil der Kinobesucher das Original von Argento bereits kennt, spart man sich also gleich mal den Aufbau des großen Mysteriums, sondern sagt gleich zu Beginn, was Sache ist. Sofort hat das Unheil ein Gesicht, während Argento seine Zuseher bis zum Finale im Dunkeln ließ. Allerdings ist gerade diese Offenlegung zu Beginn ein schlauer Schachzug, denn dadurch wird einem bewusst, dass man sich nicht in der Sicherheit des Originals wiegen darf. Denn dessen Story wird im Grunde gleich mal mit einem groben Wisch zur Seite geschoben. Nur das Knochengerüst bleibt, und darauf baut Guadagnino nun seine eigene Version der Hölle auf. Diese ist grauer und trister als das Original und spielt im geteilten Berlin. In den Nachrichten dominiert die RAF, über allem liegt ein Gefühl der Unsicherheit und Zukunftsangst. Die von Dakota Johnson famos gespielte Susie Bannion, die neu in diesen Wahnsinn hineinkommt, findet sich aber überraschend schnell zurecht. Ihr Charakter ist ganz anders als die Suzie, die im Original von Jessica Harper gespielt wurde. Hier tritt eine selbstbewusste junge Frau auf, von der man durchaus vermuten kann, dass sie dem Bösen am Ende noch zeigt, was eine Harke ist. Und schon sind die Erwartungen auf einen fulminanten Showdown geweckt. Dass die Neuinterpretation von Guadagnino für mich dennoch hinter dem Original von Argento zurückbleibt, liegt daran, dass sich vieles wie Stückwerk anfühlt. Eben die Einbindung der politischen Hintergründe, die Figur des Psychiaters Dr. Klemperer (übrigens, wer ohne zu googeln errät, wer den spielt, kriegt einen goldenen Ehrenkürbis von mir verliehen), das alles lässt den Film eher ausfransen, als dass es ihn zusammenhält. Und auch über das Ende lässt sich streiten. Immerhin regt der Film damit zu Diskussionen an, und die meiste Zeit seiner 2,5 Stunden Spielzeit ist er auch spannend anzusehen. Er fühlt sich kürzer an, was meist ein gutes Zeichen ist. Auch fährt Guadagnino mit einigen wirklich drastischen Szenen auf, die den Zuseher so richtig leiden lassen. Darauf muss man sich einstellen – denn anders als im gefeierten „Call Me By Your Name„, in dem Guadagnino sein Publikum in einen Traum aus seidigem Pastell gewickelt hat, kommt er hier nun mit der Knochensäge und einem finsteren Blick ums Eck.

6,5
von 10 Kürbissen

(Foto: Polyfilm Verleih)

The Ballad of Buster Scruggs (2018)

Regie: Joel und Ethan Coen
Original-Titel: The Ballad of Buster Scruggs
Erscheinungsjahr: 2018
Genre: Western, Episodenfilm, Drama
IMDB-Link: The Ballad of Buster Scruggs

Im Grunde haben die Coen-Brüder ja schon immer Western gedreht. „True Grit“ fällt einem als Paradebeispiel dazu ein. Aber auch „No Country for Old Men“ ist ein moderner Western, „O Brother, Where Art Thou?“ ist ein Mississippi-Western, „Inside Llewelyn Davis“ ein Folk-Western, „Fargo“ ist ein Western im Schnee, selbst den Dude aus „The Big Lebowski“ kann man sich eigentlich ganz gut auf einem Pferd feststellen – er trägt halt nur eine Sonnenbrille, ist mächtig verkatert, hat einen White Russian in der Hand und keinen Tau, wie er auf dieses beschissene Pferd gekommen ist. Sagen wir es so: Die Coen-Brüder sind meisterhaft darin, amerikanische Mythen zu inszenieren – und diese im Anschluss daran zu entzaubern. Und nirgendwo haben sie das bislang konsequenter und radikaler gemacht als in „The Ballad of Buster Scruggs“, eine Western-Anthologie mit sechs archetypischen Kurz-Episoden (der Revolverheld, der Bankraub, das karge Leben, der Goldrausch, der Oregon-Trail, die Kutschenfahrt). Mit jedem einzelnen Szenario assoziieren wir sofort ganz prägnante Bilder und Geschichten, wie wir sie aus Hunderten von Western kennen. Genau das wissen die Coen-Brüder natürlich, und spielen sich in weiterer Folge mit dieser Erwartungshaltung. Immer wird sie im Grunde bestätigt, aber es findet sich trotzdem ein Twist drinnen, der uns die alten Geschichten mit neuen Augen erblicken lassen. Und immer sind sie lakonisch bis melancholisch vorgetragen – gewürzt nur mit einer gelegentlichen Prise schwarzem Humor, wie man ihn von den Coens kennt. Realismus ist nicht die Sache der beiden Brüder in diesem Film, aber gerade durch die sarkastische Überhöhung der Helden und Antihelden und deren Geschichten wird sichtbar, worauf der Film tatsächlich abzielt: Die Demaskierung der Western-Mythen. Es war eine verflucht anstrengende, tödliche und bittere Zeit, die die Menschen im Wilden Westen erlebt haben. Auf gelegentliche Lichtschimmer folgte immer wieder die Dunkelheit. Wenn der Dude das gesehen hätte, er hätte wohl nur kurz den Kopf schief gelegt, sich das ganze Drama mit einem schnellen Blick über den Rand der Sonnenbrille angesehen und wäre dann White Russian schlürfend in die entgegengesetzte Richtung davongeritten, dem Sonnenuntergang entgegen und „Fortunate Son“ von Creedence Clearwater Revival im Ohr.

7,5
von 10 Kürbissen

Bohemian Rhapsody (2018)

Regie: Bryan Singer
Original-Titel: Bohemian Rhapsody
Erscheinungsjahr: 2018
Genre: Biopic, Musikfilm
IMDB-Link: Bohemian Rhapsody

Eine ganz einfache Frage zu Beginn an den Leser: Wie viel kannst du mit der Musik von Queen anfangen? Wenn die Antwort darauf ist: „Viel!“, dann kannst du an dieser Stelle zu lesen aufhören. Stattdessen marschiere einfach schnurstracks in das nächste Kino und setze dich in „Bohemian Rhapsody“. As simple as that. Denn Bryan Singers Biopic ist Queen pur und Heldenverehrung in ihrer lautesten Form. Spätestens wenn beim ersten Auftritt der jungen Band (damals noch unter dem Bühnennamen Smile) Brian May auf seiner Red Special zum Riff von „Keep Yourself Alive“ ansetzt, möchte man aus dem Kinosessel springen und kräftig mithüpfen. (Kommt aber leider nicht so gut, wenn man das macht.) Rami Malek ist ein fantastischer Freddie Mercury, Ben Hardy ein überzeugender (und sexy) Roger Taylor, Joseph Mazzello ein authentischer, staubtrockener John Deacon – und Brian May wird von Brian May gespielt. Ehrlich – die haben doch eine Zeitmaschine erfunden, sind ins Jahr 1973 gedüst, haben dort Brian May aufgegabelt und ihn ins Jahr 2018 verfrachtet, wo er nun an der Seite von Schauspielern die eigene Bandgeschichte nachspielt. Muss ein seltsames Gefühl für ihn gewesen sein. Aber dass sich hinter der Figur der Schauspieler Gwilym Lee verbergen soll, nein, das kaufe ich euch nicht ab! Jedenfalls ist das Casting allein schon meisterhaft. Und dann die Energie, die während der Konzertaufnahmen eingefangen wird, vor allem im großen Finale und Herzstück, dem legendären Live Aid-Auftritt von 1985, sucht auch ihresgleichen. In dieser Hinsicht ist der Film ganz groß. Und wenn man die Musik von Queen mag, reicht das völlig aus, um diesen Film zu feiern und vielleicht sogar abgöttisch zu lieben. Wenn man das alles ein bisschen differenzierter betrachten möchte, so stehen als Wermutstropfen eine nicht ganz schlüssige und dramaturgisch arg verdichtete Chronologie (der Pferdefuß der meisten Biopics), auch – als Queen-Kenner wird einem das auffallen – was die Reihenfolge der Songs betrifft („Fat Bottomed Girls“ zB kommt viel zu früh, „Another One Bites the Dust“ hingegen zu spät), das Ausblenden der Jahre nach 1985 (und auch da ist noch verdammt viel Relevantes passiert in der Geschichte der Band sowie in Freddie Mercurys Leben) sowie die Tatsache, dass das Biopic an sich recht klassisch und routiniert erzählt wird. Sprich: Brav. Die großen Exzesse und Dramen werden nur angedeutet, und man hat nicht wirklich das Gefühl, die Menschen hinter den öffentlichen Legenden näher kennenzulernen. Aber, wie gesagt, man wird dafür entschädigt mit wirklich grandioser Musik und dem Gefühl, etwas ganz Großem beizuwohnen. Was ich täte, wenn ich eine Zeitmaschine hätte? Klar – ins Jahr 1985 reisen, zum Wembleystadion pilgern, und Augen- und Ohrenzeuge eines der großartigsten Konzertauftritte der Musikgeschichte werden.

8,0
von 10 Kürbissen

Aufbruch zum Mond (2018)

Regie: Damien Chazelle
Original-Titel: First Man
Erscheinungsjahr: 2018
Genre: Drama, Historienfilm, Biopic
IMDB-Link: First Man

Nächstes Jahr jährt sich die erste Mondlandung zum 50. Mal. Ihr wisst schon – Neil Armstrong (der Astronaut, nicht der Radfahrer und auch nicht der Trompeter) mit seinem kleinen Hüpfer, den geschätzt fünfhundertfünfzig Fantastilliarden Menschen live vor den Fernsehgeräten verfolgt haben. Wie es dazu gekommen ist, erzählt Damien Chazelle in seinem Biopic „First Man“. Und zwar nicht so, wie es die EAV besungen haben: „Liebste mein, komm steig in mein Flugzeug ein. Dann flieg ich dich zum Mond, wo die Liebe wohnt, und dort wirst du belohnt.“ Nein, das Ganze ist hochgradig seriöser. Chazelle zeigt Armstrong, gespielt von Ryan Gosling, als schweigsamen, introvertierten Mann, der heftig am frühen Verlust seiner Tochter zu nagen hat. Mag sein, dass er zu den Sternen will, weil er dort seiner Tochter näher ist. Mit seiner Frau (Claire Foy) ist er jedenfalls nicht mehr ganz so eng. Klar, jedes Familienleben hat seine Höhen und Tiefen, und immerhin schaffen die beiden es mit ihren verbliebenen Kindern noch, eine Familie zu sein, aber wie will man schon den gemeinsam erlebten Schmerz verarbeiten, wenn sich der eine Part lieber mit einem Fernglas in den Garten stellt und zum Mond hinaufstarrt anstatt über die Probleme zu reden? Irgendwie ist es dann auch gut, dass sich Neil nach einigen halsbrecherischen Versuchsreihen und tragischen Verlusten dann doch 1969 auf den Weg macht. Ein wenig Distanz (in diesem Fall knapp 400.000 Kilometer) hat schon mancher Beziehung gut getan. Das alles ist durchaus solide und handwerklich gekonnt erzählt. Diesbezüglich kann man Chazelle und seinem Team keinen Vorwurf machen. Dennoch zieht sich der Film ein wenig, denn der (bewusst gewählte) Fokus liegt eindeutig auf Neil Armstrong und der Beziehung zu seiner Familie. Kann man machen, keine Frage, aber dadurch bleibt zwangsweise der technische Part der ganzen Mondlandungsvorbereitung zurück. Zwar wird immer wieder ersichtlich, mit welchem Wahnsinnsoptimismus dieses Projekt angegangen wurde und an wie vielen „Sofern alles klappt“ die ganze Operation hing, aber recht viel Neues erfährt man nicht. Mich hätte vor allem eben der technische Kram interessiert (ohne ihn zu verstehen), denn so wird die Leistung des Teams ein wenig in den Schatten gestellt zu Gunsten von Neil Armstrong – sicherlich eine faszinierende Persönlichkeit, aber eben nur ein Rad im Getriebe dieses bahnbrechenden Projekts. So kann „First Man“ meinen hohen Erwartungen, die ich in den Film hatte, nicht ganz gerecht werden, bietet aber dennoch gute Unterhaltung.

6,0
von 10 Kürbissen

Climax (2018)

Regie: Gaspar Noé
Original-Titel: Climax
Erscheinungsjahr: 2018
Genre: Horror, Thriller, Musikfilm
IMDB-Link: Climax

Will man Gaspar Noés neuesten Film „Climax“ so knapp wie möglich zusammenfassen, kann man das auf diese Weise tun: Party hard! Nach einer Probe feiern die jungen Tänzerinnen und Tänzer, die für einige Tage in einem alten Schulgebäude untergebracht wurden, um sich auf eine Tournee durch Frankreich und die USA vorzubereiten. Es gibt Sangria, spektakuläre Tanzeinlagen (meist von oben gefilmt, Gaspar Noé lässt gerne mal die Kamera irgendwo herunterhängen – ist ja auch praktisch, wenn man sie an der Decke aufhängt, da ist sie nicht im Weg und man weiß immer, wo sie ist), Drogen, Alkohol, geschmeidige Bewegungen, Eifersucht, Machogehabe – was man halt so erwartet, wenn Noé eine Party inszeniert. Doch irgendwann fällt auf, dass in die Sangria offenbar noch ein paar Geheimzutaten gemischt sind. Was folgt, ist ein Horrortrip auf Drogen. Sämtliche Hemmungen fallen, die Nerven werden blank nach außen gekehrt, Ängste auf die Tanzfläche gekotzt. Die fiebrige Kamera ist stets nah dran, und wenn sich nach einem Stromausfall die völlig durchgeknallten Tänzer teils in Ekstase, teils in purer Panik auf dem durch die Notbeleuchtung rot schimmernden Boden wälzen und sich die Kamera auf den Kopf stellt, haben die Bilder etwas furchteinflößend Dämonisches an sich – als würden die durchgeknallten Berauschten von der Decke hängen. Das ist schon eine verdammt starke Einstellung und sorgt für Bilder, die man nicht oft sieht und vor allem auch nicht so schnell vergisst. Aber das ist generell eine Stärke von Noé – die sich aber auch in eine Schwäche wandeln kann, wenn diese Effekte nämlich zu repetitiv und uninspiriert eingesetzt werden. Und das ist hier zuweilen der Fall. Noé hat schon so oft versucht, das Publikum zu schocken, dass es genau das von ihm erwartet – und ihm fällt dazu nichts Neues mehr ein. So ist „Climax“ ein bildgewaltiger Albtraum, aber er ist unterm Strich auch zu berechnend, um die verstörende Meisterschaft von „Irreversibel“, Noés bislang bestem Werk, zu erreichen.

6,0
von 10 Kürbissen

(Foto: Viennale)

Wild Relatives (2018)

Regie: Jumana Manna
Original-Titel: Wild Relatives
Erscheinungsjahr: 2018
Genre: Dokumentation
IMDB-Link: Wild Relatives

Als „Wild Relatives“ bezeichnet man a) bei Weihnachtsfeiern über die Stränge schlagende Tanten und b) wild wachsende Verwandte von gezüchteten Pflanzensorten. In Jumana Mannas Dokumentarfilm des gleichen Namens geht es um Letzteres. Bzw. um Saatgut generell. Und um den Krieg in Syrien. Denn vor dem Krieg befand sich in Aleppo eine wichtige Gen-Bank für Saatgut. Zum ersten Mal in der Geschichte musste 2012 aus dem weltweit wichtigsten Samen-Lager im norwegischen Spitzbergen, wo auch Samen aus Aleppo gelagert wurden, Saatgut entnommen werden, um im Libanon die Pflanzen aus Syrien neu anpflanzen zu können. Das norwegische Lager ist eine interessante Einrichtung. Von den 21 weltweit wichtigsten Pflanzenarten werden dort Samen aufbewahrt, tief in den Bergen und atombombensicher. Bezeichnend wird das Lager auch als „Doomsday Vault“ bezeichnet. Wenn wir es also aus Dummheit schaffen sollten, eine oder mehrere dieser Nutzpflanzen in der Natur auszurotten (und ich halte es in dieser Beziehung mit Albert Einstein, der schon gesagt hat, dass zwei Dinge grenzenlos seien, das Universum und die menschliche Dummheit, nur beim Universum sei er sich noch nicht ganz sicher), gibt es also auf dieser entlegenen Insel noch ein Backup. Und da die ICARDA (Internationales Zentrum für Landwirtschaftsforschung in Trockengebieten) im Zuge des Bürgerkrieges ihre Gen-Bank in Syrien aufgeben musste, mussten zum ersten Mal überhaupt eben Samen aus dem Doomsday Vault angefordert werden, um die Forschungen im Libanon weiterbetreiben zu können. Was in diesem Film natürlich unterschwellig mitschwingt, ist die Frage der Nachhaltigkeit. Es ist erstaunlich, dass so ein Saatgutlager wie in Norwegen überhaupt erst notwendig ist. Schlicht, weil wir zu deppert sind im Umgang mit der Natur, und immer wieder Gefahr laufen, ganze Pflanzenarten auszurotten. Der Inhalt des Films ist also hochgradig interessant. Der Film selbst ist es jedoch nicht. Zusammenhänge werden nur unzureichend behandelt und erklärt – das Meiste von dieser inhaltlichen Einleitung musste ich tatsächlich nachrecherchieren. Auch finden sich Szenen in dem Film, die völlig entbehrlich für den Inhalt sind – wie beispielsweise Gespräch eines Priesters auf Spitzbergen mit einem Wissenschaftler. Da gäbe es ja durchaus Potential, die Rolle des Menschen in der Natur zu verhandeln. Stattdessen verlieren sie sich in Betrachtungen über die schöne Landschaft und über Eisbären. Hier wurde leider ein spannendes Thema auf eine recht belanglose und langweilige Weise umgesetzt. Ein Film über besoffene Tanten wäre kurzweiliger gewesen.

 

4,0
von 10 Kürbissen

(Foto: Viennale)

Vox Lux (2018)

Regie: Brady Corbet
Original-Titel: Vox Lux
Erscheinungsjahr: 2018
Genre: Drama, Musikfilm
IMDB-Link: Vox Lux

Grenzerfahrungen im Rahmen der Viennale: Um Viertel nach 4 in der Früh aufstehen, damit man sich „Vox Lux“ von Brady Corbet als Frühstücksfilm vor der Arbeit hineinziehen kann. Das Team des Gartenbaukinos wappnete sich gut für den Ansturm der Kinozombies und stellte neben Süßgebäck, Müsli und Kakao gleich drei Ausgabestellen für einen richtig starken Espresso zur Verfügung. Doch spätestens nach der heftigen Eröffnungsszene waren ohnehin alle munter im Kinosaal. Diese heftige Szene führt in weiterer Folge zum Aufstieg der 14jährigen Celeste in den Pop-Himmel. Begleitet wird sie dabei von ihrer älteren Schwester und dem von Jude Law gespielten Manager. Man muss nur zur richtigen Zeit am richtigen Ort sein und die Chance ergreifen, auch wenn die richtige Zeit und der richtige Ort die Gedenkfeier für die Toten eines Massakers ist. Und selbst wenn die Gefühle echt sind, so geht man doch gewissermaßen über Leichen. Wenn man bereits in so jungen Jahren hofiert wird und eigentlich gar keine Zeit hat zur Trauerbewältigung, weil man plötzlich der neue Superstar am Firmament ist, ist es kaum verwunderlich, wenn man in späteren Jahren ein wenig exzentrisch und entrückt von der Welt wirkt. So geht es Celeste 17 Jahre später, herausragend und Oscar-verdächtig gespielt von Natalie Portman. Sie hat nun selbst eine Tochter im Teenager-Alter (und man wundert sich nicht wirklich darüber, dass es dazu gekommen ist), und ist vollends gefangen in der PR-Maschinerie, die einen fast unweigerlich schnetzelt, wenn man jung und beeinflussbar zu großem Ruhm kommt. Dass darunter die Beziehung zur Tochter, zur Schwester, zu allen Menschen, die ihr eigentlich nahestehen sollten, leidet, überrascht ebenso wenig. Ein großes Comeback-Konzert soll der Karriere des einstigen Teenager-Stars zu neuem Schub verleihen. Doch dieses wird im Vorfeld überschattet von einer neuerlichen Gewalttat, die Celeste in ihre eigene Vergangenheit zurückschleudert und mit alten Ängsten konfrontiert. In dieser Beziehung ist „Vox Lux“ klug konzipiert. Der Film kreist um mehrere Spielarten von Massenhysterie – sei es um die Angst vor Anschlägen in unserer heutigen Zeit oder aber auch die Hysterie, die man Popstars entgegenbringt. Das vermischt sich zu einem gefährlichen Cocktail. Im Mittelpunkt steht dabei immer Celeste – und was diese Ängste und Erwartungen mit ihr machen.  Das alles wird ironisch distanziert von Willem Dafoe als Erzähler aus dem Off. Allerdings hat der Film auch trotz aller Stärken unübersehbare Schwächen, darunter vor allem das Ende, das aus einer überlangen Konzertszene besteht, die zwar Celeste noch einmal in ihrem Element zeigt, aber die Geschichte nicht zu einem runden Abschluss bringen kann. Auch werden die Beziehungen der Figuren untereinander im Grunde nur am Rande und sehr oberflächlich betrachtet – trotz vieler Dialogzeilen. Vielleicht ist das auch ein von Brady Corbet gewünschter Effekt – die Protagonisten bleiben isoliert voneinander. Aber es fördert nicht unbedingt das Interesse an den Figuren, jedenfalls nicht bei mir. Und so ist „Vox Lux“ ein zwar durchaus aktueller und zeitgemäßer Film mit einer überragend aufspielenden Natalie Portman, lässt den Zuseher dann aber doch auch etwas ratlos zurück.

(Dieser Film ist als Reiseetappe # 50 Teil meiner Filmreisechallenge 2018. Mehr darüber hier.)

6,0
von 10 Kürbissen

(Foto: Viennale)

Leave No Trace (2018)

Regie: Debra Granik
Original-Titel: Leave No Trace
Erscheinungsjahr: 2018
Genre: Drama, Abenteuerfilm
IMDB-Link: Leave No Trace

Als „Fifty Shades of Green“ bezeichnete Regisseurin Debra Granik im Publikumsgespräch augenzwinkernd ihre Kulisse für das stille Drama „Leave No Trace“. Und ja, erst einmal findet sich der Zuseher in einem dichten, unzugänglichen Wald wieder, wo der traumatisierte Kriegsveteran Will (Ben Foster mit einer großartigen Leistung) und seine Tochter Tom (Newcomerin Thomasin McKenzie, von der man nach dieser grandiosen Darstellung wohl noch viel erwarten darf in Zukunft) in einem selbst errichteten Camp mit einfachsten Mitteln überleben. Sie sind Aussteiger, die dieses Einsiedlerleben bewusst gewählt haben. Doch dann werden sie entdeckt und in die Zivilisation zurückgebracht, eine Zivilisation, die es prinzipiell gut mit ihnen meint, mit der aber vor allem Will nicht wirklich zurechtkommt, so sehr er auch versucht, den Anschein zu wahren. Ohne romantisierendem Blick, aber auch ohne erhobenem Zeigefinger in Richtung der bösen Zivilisation, erzählt Debra Granik herrlich unaufgeregt und mitfühlend die Geschichte dieses Vater-Tochter-Gespanns, das aus der isolierten Idylle herausgerissen wird. Die Menschen, auf die sie in weiterer Folge treffen, wollen ihnen nichts Böses – im Gegenteil. Es gibt in diesem Film keinen Antagonisten außer dem inneren Dämon, der einen fortdrängt von den Mitmenschen und vom einfachen, Sicherheit versprechenden Weg – und hinein in die Wälder. Dass Granik diese innere Zerrissenheit nur im Kleinen sichtbar macht, ohne sich allzu sehr mit den Fragen nach dem Woher und dem Warum aufzuhalten, macht den Film umso sympathischer. Man muss nicht immer alles durchanalysieren. Es ist schlimm genug, dass diese Dämonen da sind und man mit ihnen leben muss, und dass sie einen irgendwann vor unliebsame  Entscheidungen und deren Konsequenzen stellen. So verändert sich auch merklich die Dynamik zwischen dem eingespielten Team. Tom emanzipiert sich, beginnt zu hinterfragen, zu träumen, zu sehnen, ohne aber etwas von der Verbundenheit zu ihrem Vater und der Liebe, die sie für ihn empfindet, zu verlieren. „Leave No Trace“ ist unspektakulär, aber psychologisch sehr feinfühlig erzählt. Ein Highlight des Filmjahres, ein Aussteiger-Film, der die Schattenseiten eines solchen Lebens nicht verschweigt, aber auch nicht dramatisiert, und durch seinen Realismus noch lange im Gedächtnis bleibt.

8,5
von 10 Kürbissen

(Foto: Viennale)

Kino Wien Film (2018)

Regie: Paul Rosdy
Original-Titel: Kino Wien Film
Erscheinungsjahr: 2018
Genre: Dokumentation
IMDB-Link: –

Wenn man im Rahmen eines Filmfestivals in einem altehrwürdigen Wiener Kino sitzt und eine Dokumentation über altehrwürdige Wiener Kinos ansieht, in der auch das Festival, an dem man gerade teilnimmt, erwähnt wird, dann ist das wohl die höchste Stufe der Metaebene, die man jemals im Kino erreichen kann. So ging es dem Publikum bei der Premieren-Vorführung von Paul Rosdys Dokumentation „Kino Wien Film“ im Rahmen der Viennale. Und Rosdy förderte mit seiner Spurensuche nach den alten, größtenteils schon abgerissenen Wiener Kinos und ihren Anfängen durchaus Interessantes zutage. So weiß ich nun, was ein „Kinopendler“ war. Oder wie die Kiba (Kino-Betriebsanstalt) zu ihrer übermächtigen Stellung unter den Wiener Kinobetreibern kam. Oder aber auch, wo sich das Forum-Kino, der einst größte Kinosaal Österreichs, befand. Das alles erfährt man durch Archiv-Aufnahmen und Gesprächen mit Zeitzeugen. Diese Gespräche fallen im Übrigen gar nicht mal so negativ und pessimistisch aus, wie man das vielleicht befürchten könnte. Vom großen Kinosterben ist hier eher nicht die Rede – jene, die noch da sind, blicken durchaus hoffnungsfroh in die Zukunft, allerdings auch mit einer gewissen Skepsis und einem Bedauern über das Ende der goldenen Zeiten. Ein bisschen geraunzt werden muss natürlich schon, wir sind immer noch in Wien. Aber dafür, dass das Kino seit Jahrzehnten totgeschrieben wird, hat es doch einen recht langen Atem. Auch wenn manche Kinobesucher nur wegen der Nachos mit Käsesauce kommen. Und dabei auch mal auf den eigentlichen Kinogenuss verzichten, Hauptsache Nachos. Jedem das Seine. Dass Paul Rosdys Dokumentation dennoch nicht wirklich überzeugen kann, liegt an der oft zu didaktischen Herangehensweise. Nicht nur einmal fühlte ich mich in die Schulzeit zurückversetzt, wo in der Geografiestunde lehrreiche Unterrichtsvideos gezeigt wurden, zu denen man  Papierflieger gebastelt hat, um nicht einzuschlafen. Ganz so schlimm steht es um Rosdys Film nicht, aber vom Hocker gerissen hat er mich trotz des (gerade für mich als Wiener Kinosüchtigen) interessanten Stoffes nicht.

5,5
von 10 Kürbissen

(Foto: Viennale)

Carmine Street Guitars (2018)

Regie: Ron Mann
Original-Titel: Carmine Street Guitars
Erscheinungsjahr: 2018
Genre: Dokumentation, Musikfilm
IMDB-Link: Carmine Street Guitars

Rick Kelly und seine Mitarbeiterin Cindy bauen Gitarren. Das tun sie in einem kleinen, vollgestopften Lokal mitten im Village in New York. Und weil sie gut sind in dem, was sie tun, und originellerweise diese Gitarren aus dem Holz von abgerissenen, alten New Yorker Häusern fertigen (eine Idee, die auf Jim Jarmusch zurückgeht, der im Film auch einen kleinen Auftritt hat), geben sich bei Carmine Street Guitars die Musikvirtuosen die Klinke in die Hand. Wenn sie im Laden sind, quatschen sie ein bisschen mit Rick über alte Zeiten und über die Gitarren, sie schauen Cindy dabei zu, wie sie unglaublich detailreiche und lebensnahe Motive in das Holz brennt, lauschen der alten Mutter von Rick, die immer noch jeden Tag in den Shop kommt, um am Telefon auszuhelfen („It’s good to be here. At my age it’s good to be anywhere“, kommentiert sie staubtrocken), und probieren vor allen Dingen Ricks neueste Gitarren aus. Sie zupfen, sie jammen, sie interpretieren – das Publikum besteht dabei nur aus Rick Kelly selbst und der Kamera von Ron Mann. Und dadurch aus dem ganzen Kinosaal, der einfach nur fröhlich mit den Füßen wippt und sich diese tiefenentspannte Doku ansieht über einen wortkargen Handwerksmeister, der lieber seine Werke als Worte sprechen lässt. Sowohl der Shop Carmine Street Guitars als auch der Film, der darüber entstanden ist, sind fast schon als Anachronismus in unserer schnelllebigen Zeit zu betrachten. Es geht hier um nichts Anderes als den Klang von Gitarren. Und das Bewahren von einem Stück New York, wie es früher war, und wie es in Rick Kellys Gitarren weiterlebt. Ist der Film bedeutend, gibt er eine Message mit, über die man lange nachdenken kann? Nein, das nicht. Aber er würdigt auf eine unspektakuläre (und vielleicht manchmal etwas repetitive Weise) etwas Wahres und Echtes. Und das reicht jedenfalls aus, um ihn in guter Erinnerung zu behalten.

6,5
von 10 Kürbissen

(Foto: Viennale)