Fantasy

Sirenengesang (2015)

Regie: Agnieszka Smoczyńska
Original-Titel: Córki dancingu
Erscheinungsjahr: 2015
Genre: Musical, Komödie, Horror, Fantasy
IMDB-Link: Córki dancingu

Um den ersten polnischen Musical-Film der Geschichte, „Sirenengesang“, beschreiben zu können, muss man erst einmal tief durchatmen und dann ein paar Schluck Hochprozentiges zu sich nehmen (oder besser ein paar Gläser). So wird das was. Man liegt auf einer Wellenlänge mit dem Film. Und die Wellenlänge bietet auch gleich eine schöne Überleitung zum Inhalt dieses 80er Jahre-Horror-Komödien-Musicals: denn es geht um die zwei blutjungen Meerjungfrauen Silver und Golden, die, wenn sie nicht gerade Menschen die Kehle aufbeißen, ihr Herz herausreißen und aufessen, als Sängerinnen/Stripperinnen in einem Nachtclub engagiert werden, wo sie zur Sensation avancieren. Blöd nur, dass sich eine der beiden, die blonde Silver, in den Bassisten verknallt. Denn Liebe ist für Meerjungfrauen nicht nur ein seltsames, sondern auch ein gefährliches Spiel: Wenn der Auserkorene nämlich dann doch eine Andere ehelichen sollte, löst sich die verschmähte Meerjungfrau in Schaum auf. Das weiß natürlich Golden, die dunkelhaarige Schwester, die Silver davon abhalten möchte, dieses Risiko einzugehen. Überhaupt ist Golden durchaus pragmatischer veranlagt als ihre Schwester, und wenn sie Hunger hat, verspeist sie auch schon mal einen ostdeutschen Trabifahrer am See. Und doch geht die Liebe ihrer Schwester nicht ganz spurlos an ihr vorbei, und sie lernt ein Gefühl kennen, das sie bisher nicht kannte: Einsamkeit. „Sirenengesang“ ist schrill und absurd. Die Story ist sprunghaft, die Nebenfiguren bleiben eindimensional im Hintergrund (und haben nicht einmal Namen), die Musik klingt so, als hätte sich Stephen King an Europop versucht, und die Hälfte der Zeit rennen die beiden (durchaus ansehnlichen) Hauptdarstellerinnen barbusig durch die Gegend. Das sind aber überraschenderweise keine Schwächen des Films, sondern der Wahnsinn hat hier Methode. Konventionen des Filmschaffens und Genregrenzen werden hier mit Leichtigkeit hinweggefegt. Das Ergebnis mag durchaus anstrengend sein für viele Zuseher, die sich eben lieber an Altbewährtem orientieren möchten, aber ist durchaus erfrischend für jene, die es gerne bunter, schriller und trashiger haben.

7,0
von 10 Kürbissen

The Darkest Minds – Die Überlebenden (2018)

Regie: Jennifer Yuh Nelson
Original-Titel: The Darkest Minds
Erscheinungsjahr: 2018
Genre: Drama
IMDB-Link: The Darkest Minds

Irgendwie blöd für die Welt, wenn plötzlich 90% der Kinder von einer seltsamen Epidemie hinweggerafft werden und die restlichen 10% ungute Fähigkeiten entwickeln, die den Erwachsenen höchst suspekt sind (wie beispielsweise Intelligenz – wie man an den letzten Wahlergebnissen weltweit sieht, wohl der schlimmste Feind der Menschheit). Ruby (Amandla Stenberg) ist eines von den übrigen Kindern. Und ihre Fähigkeit ist besonders gefürchtet – sie kann nämlich in die Köpfe der Menschen schauen und Gedanken manipulieren. Versehentlich löscht sie sich aus den Erinnerungen ihrer Eltern und wird von denen prompt den Behörden übergeben, die alle Kinder mit speziellen Fähigkeiten in eine Art KZ einsperren. So weit, so dystopisch. Aber weil wir hier im beliebten Genre der Jugend-Dystopie sind, muss man um die Protagonistin nicht groß fürchten, die auch wieder frei kommt dank der Hilfe einer Ärztin (Mandy Moore, sichtlich erwachsen geworden), als wäre das Ganze nur ein etwas nerviges Sommercamp gewesen. Auf der Flucht schließt sie sich drei weiteren Jugendlichen an, die auf der Suche nach einem sagenumwobenen Camp der Kinder sind. Und damit nimmt die Geschichte ihren routinierten Lauf. Gleich vorweg: Ich kenne die Buchvorlage zu „The Darkest Minds“ nicht und kann daher keinerlei Angaben zur Werktreue geben. Aber ein Meilenstein an Innovation und Originalität dürfte auch die Vorlage nicht gewesen sein. Denn so gut die Ausgangsidee auch ist, erst mal alle Kinder aus dem Leben rauszufegen und die wenigen Überlebenden zu kasernieren, in weiterer Folge ist genau das relativ bedeutungslos für den Fortgang der Geschichte, die sich lieber in einer platten Romanze zweier Darsteller/innen verzettelt, die keinerlei Chemie miteinander aufweisen, und dem üblichen Wir-gegen-die-Bösen-Schmarren, wobei die Ziele aller Beteiligten höchst diffus bleiben. Ein paar nette Momente hat der Film, und Stenberg als tragende Figur macht ihre Sache gut. Aber trotzdem ist alles so banal und vorhersehbar und unoriginell, dass das Ding einfach keinen Spaß macht. Ob es trotz des offenen Endes Fortsetzungen geben wird? Wenn ja, werde ich mir sie wohl nicht ansehen.

4,0
von 10 Kürbissen

Tarantula (1955)

Regie: Jack Arnold
Original-Titel: Tarantula
Erscheinungsjahr: 1955
Genre: Horror, Fantasy
IMDB-Link: Tarantula

Dank der Filmreisechallenge, an der ich dieses Jahr teilnehme, stoße ich auf Filme, die ich mir sonst wohl kaum angesehen hätte. „Tarantula“, das kultige Horror-B-Movie von Jack Arnold aus dem Jahr 1955, ist so ein Film. Ja, ich wusste, dass es den gibt, aber ihn anzusehen wäre mir wohl eher nicht in den Sinn gekommen. Da allerdings die Sichtung eines B-Movies der 1950er ein Teil der Challenge ist, habe ich also gespannt die DVD in den Player geschoben in Erwartung eines Trash-Vergnügens – und wurde nicht enttäuscht. Eines vorweg: Spinnenphobiker sollten einen großen Bogen um diesen Film machen. Aber gut, wer sich als Spinnenphobiker einen Film namens „Tarantula“ reinzieht, wendet entweder todesmutig die Schocktherapie zur Bekämpfung der Phobie an, oder hat schlicht nicht alle Murmeln beisammen. Denn das Viech ist scheußlich. Dank eines schief gelaufenen Experiments wächst sie auf eine Größe an, die man nur noch schwer satt bekommen kann, und macht die Wüste rund um das idyllische Städtchen Desert Rock unsicher. Dort lebt der Arzt Dr. Hastings (John Agar), dem das verfrühte und ziemlich hässliche Ableben eines Wissenschaftlers, der draußen in der Wüste Experimente durchführt, zu schaffen macht. Verstärkung erhält er von seinem Freund, dem Sheriff (Nestor Paiva) und der schönen Biologie-Studentin (Mara Corday), die das Team der Wissenschaftler unterstützen soll. Das wird allerdings mehr und mehr dezimiert, und bald schon stellt sich heraus, dass sie alle ein großes (und hungriges) Problem an der Backe haben. Man sieht dem Film an, dass das Budget nicht sonderlich üppig war. Dennoch gelingt es Jack Arnold, eine Stimmung von Suspense zu erzeugen, auch wenn es schnell ins Lächerliche geht, wenn das Monster dann tatsächlich zur Tat schreitet (zu blöd stellen sich die Menschen dabei an). Alle Rollen sind aber durchwegs gut gespielt. Natürlich ist das alles aus heutiger Sicht recht amüsanter Horror-Klamauk, der weit davon entfernt ist, irgendwelche Ansprüche bedienen zu wollen außer zu unterhalten. Aber das gelingt dem Film ziemlich gut. Insofern ein B-Movie, das trotz unübersehbarer dramaturgischer und technischer Schwächen auch heute noch für einen unterhaltsamen Filmabend sorgen kann.

(Dieser Film ist als Reiseetappe # 18 Teil meiner Filmreisechallenge 2018. Mehr darüber hier.)

6,0
von 10 Kürbissen

Das Cabinet des Dr. Caligari (1920)

Regie: Robert Wiene
Original-Titel: Das Cabinet des Dr. Caligari
Erscheinungsjahr: 1920
Genre: Horror, Fantasy
IMDB-Link: Das Cabinet des Dr. Caligari

Wenn man an den deutschen Film und dabei an den Expressionismus denkt, ist „Das Cabinet des Dr. Caligari“ von Robert Wiene aus dem Jahr 1920 so etwas wie dessen Urknall. Vor windschiefen, verwinkelten Kulissen wird die dramatische Geschichte eines verrückten Gauklers, Dr. Caligari, auf dem Jahrmarkt erzählt, der einen Schlafwandler präsentiert, der angeblich, wenn er aufgeweckt wird, die Zukunft vorhersagen kann. Das wollen sich die beiden Bohemiens und Freunde Franzis und Alan nicht entgehen lassen. Blöd nur, dass der Somnambule Alan ein frühes Ableben, nämlich noch in der folgenden Nacht, prophezeit. Und noch blöder, dass sich der Mist bewahrheitet und Alan am nächsten Morgen ermordet in seiner Kammer aufgefunden wird. Franzis rückt aus, um dem Schurken Caligari, den er hinter dem Mord vermutet, den Garaus zu machen. So weit, so simpel die Story. Und natürlich, was das Storytelling selbst betrifft, war von Dr. Caligari aus noch ein Weg zu gehen bis zu Filmen wie „Inception“. Trotzdem kann der Klassiker auch heute noch überzeugen – durch die expressionistischen und liebevoll gestalteten Bühnenbilder, durch das charmante Overacting der Hauptfiguren, die interessante Farbgebung und natürlich auch durch die Geschichte selbst, die zwar simpel ist, aber doch spannend erzählt und gegen Ende hin auch einen unerwarteten Twist aufweist, über den sich trefflich grübeln lässt. So trefflich, dass sich Filmhistoriker bis heute mit dem Werk beschäftigen. „Das Cabinet des Dr. Caligari“ ist auch heute noch solide Unterhaltung und dank einer ökonomischen Laufzeit und vieler interessanter Details am Rande auch recht kurzweilig. Gleichzeitig weiß man beim Sichten natürlich um die filmhistorische Bedeutung. Diese Perle des Expressionismus wird, wenn man sie in ihren historischen Kontext setzt, zu einem tiefenpsychologischen Werk über den Zustand der deutschen Seele kurz nach dem verheerenden Weltkrieg. Das hier im Detail auszuführen, würde aber jeden Rahmen sprengen. Kann man woanders nachlesen – dazu einfach den eigenen Kürbis gebrauchen anstelle des Filmkürbis.

Übrigens ein kleiner Tipp für alle, die sich selbst ein Bild machen möchten: Auf Youtube ist der ganze Film verfügbar (mit englischen Texten).

(Dieser Film ist als Reiseetappe # 12 Teil meiner Filmreisechallenge 2018. Mehr darüber hier.)

7,5
von 10 Kürbissen

Der Wüstenplanet (1984)

Regie: David Lynch
Original-Titel: Dune
Erscheinungsjahr: 1984
Genre: Science Fiction, Fantasy
IMDB-Link: Dune

Hm … das ist jetzt schwierig. Ich mag David Lynch und seine seltsamen Filme (so weit ich sie bislang kenne). Ich mag visionäre Science Fiction. Und ich mag Sean Young, die Anfang der 80er einfach heiß war. Also beste Voraussetzungen für den Science Fiction-Klassiker „Dune“ von David Lynch. Das Paket hat aber dann doch nicht gezündet. Denn die bizarre Geschichte rund um den Krieg um eine bewusstseinserweiternde Droge und einen Messias, der den Bösen dann ordentlich was auf die Mütze geben kann (dabei hat er natürlich eine persönliche Agenda), ist inhaltlich dann doch etwas einfach gestrickt und visuell ist das 1984 erschienene Werk uneinheitlich. Geniale Sequenzen, die voller Fantasie und Originalität und auch drastischer Gewalt stecken, wechseln sich ab mit wirklich lachhaften Effekten. Wenn ich mir da die visionären Bilder des zwei Jahre älteren „Blade Runner“ ansehe, dann überkommt mich ein leises Bedauern. Gut, dieser Vergleich ist vielleicht ein bisschen unfair, denn „Blade Runner“ war seiner Zeit weit voraus, und doch haben andere Science Fiction-Klassiker wie die Star Wars-Reihe, „Alien“ oder „Die Klapperschlange“ schon durchaus Eindrucksvolleres gezeigt. Apropos eindrucksvoll: Das ist Kyle MacLachlan in der Hauptrolle leider nicht. Es ist durchaus nachvollziehbar, warum er mit dem Film nicht zum Star seiner Generation aufstieg, sondern sich fortan eher mit kleineren Brötchen (Nebenrollen und Fernsehen) begnügen musste – wo er es dann zu einer respektablen Karriere gebracht hat, keine Frage, aber als erste Rolle überhaupt die Hauptrolle in einem David Lynch’schen Sci-Fi-Spektakel abzustauben sollte eigentlich mehr Türen öffnen können. Ein einziger Gesichtsausdruck ist aber halt ein bisschen wenig, um einen ganzen Film zu tragen. Was bleibt also zu sagen als Fazit? „Dune“ ist leider nicht gut gealtert. Stellenweise ist der Film immer noch großartig (Kenneth McMillan als böser Baron spielt sich die Seele aus dem Leib) und visuell drastisch, auch Patrick Stewart wirkt in seinen jüngeren Jahren mit (das heißt, er sieht wie 60 aus), aber die Teile greifen für mich nicht so ganz ineinander, und die Story ist irgendwie belanglos. Ach ja, Sting ist auch dabei – wobei bis zum Schluss nicht klar wird, warum. (Vielleicht wurde er ja durch sein Mitwirken zu seinem späteren Song „Desert Rose“ inspiriert – dann war die Mühe ja nicht ganz umsonst.)

(Dieser Film ist als Reiseetappe # 24 Teil meiner Filmreisechallenge 2018. Mehr darüber hier.)

5,0
von 10 Kürbissen

Ant-Man and the Wasp (2018)

Regie: Peyton Reed
Original-Titel: Ant-Man and the Wasp
Erscheinungsjahr: 2018
Genre: Science Fiction, Action, Komödie, Fantasy
IMDB-Link: Ant-Man and the Wasp

Ant-Man (Paul Rudd) backt kleinere Brötchen. Nicht nur wortwörtlich, sondern auch im übertragenen Sinne, da er mit Fußfessel und Ausgehverbot nun erst einmal alle Zeit der Welt hat, sich seiner Tochter zu widmen. So weit, so gut. Lange hat er ja nicht mehr hin bis zum Ablauf seines Hausarrests – die letzten Tage wird er schon noch irgendwie hinbekommen. Wäre da nicht dieser seltsame, sich durchaus real anfühlende Traum von der Ehegattin seines Mentors aus dem ersten Film, Hank Pym (Michael Douglas), die vor Jahrzehnten im subatomaren Raum verschollen ist. (Klein zu sein und überall rein zu kommen hat eben nicht ausschließlich Vorteile.) Auftritt Dr. Pym samt Tochter (Evangeline Lilly), die nicht nur über eine Wespentaille verfügt, sondern auch als solche Schurken in die Knie zwingt – denn die beiden vermuten eine Verbindung von Scott zur Mini-Mum (Michelle Pfeiffer), und mit der neuesten Erfindung des genialen Dr. Pym sollte man die vielleicht wieder befreien können aus ihrer misslichen Lage. Dieses Gerät weckt aber die Begierde unterschiedlicher weiterer Figuren, darunter einer sehr gespensterhaft umherzuckenden jungen Frau sowie eines leicht debilen und sich grenzenlos selbst überschätzenden Waffendealers. Es kommt, was kommen muss: Ein Actionfeuerwerk, getragen von amüsanten Kontrasten zwischen Groß und Klein. Überhaupt ist Ant-Man ein Held, den man (glücklicherweise) nicht ganz ernst nehmen muss. Lieber mal ein lockerer Spruch als eine konkrete Problemlösung, Hauptsache, man hat die Lacher auf seiner Seite. Alle Beteiligten haben sichtlich Freude an dem Werkl, und das überträgt sich auch aufs Publikum. Nach dem zweiten Deadpool-Film ist „Ant-Man and the Wasp“ nun der zweite Marvel-Film im heurigen Jahr, der nicht mehr sein möchte, als er ist: Nämlich einfach eine Gaudi. Während Deadpool mit seinem derben, nicht jugendfreien Humor die Erwachsenenvariante ist, bietet Ant-Man nun Unterhaltung für die ganze Familie. Fazit: Kann man sich jedenfalls anschauen – zwei Stunden Unterhaltungskino, das wirklich Spaß macht. Logiklöcher und eine konfuse Story verzeiht man da gerne mal.

7,0
von 10 Kürbissen

Die Nacht der 1000 Stunden (2016)

Regie: Virgil Widrich
Original-Titel: Die Nacht der 1000 Stunden
Erscheinungsjahr: 2016
Genre: Drama, Fantasy, Satire
IMDB-Link: Die Nacht der 1000 Stunden

Man hat es oft nicht leicht mit der lieben Familie. Vor allem, wenn man als reicher Sack das Familienunternehmen führen soll, aber die Vorfahren eines Nachts allesamt mit lauter guten Ratschlägen, bösen Intrigen und manchmal auch recht planlos im herrschaftlichen Palais aufkreuzen, obwohl sie seit ein paar Jährchen schon mit den Engeln singen sollten. Aber gut, wenn man schon mal da ist, kann man ja auch gleich mal die ganze Familiengeschichte aufrollen. Das alles wäre ja noch einigermaßen stressfrei zu handhaben, wenn da nicht die schöne Großmutter wäre, die bereits in jungen Jahren eher unsanft entschlummert ist und sich nun als Geist als wirklich heißer Feger herausstellt. Wenn also dunkle Epochen der Familie und wie sie zu ihrem Besitz kam, nekrophiler Inzest und Sorge um das Erbe zusammentreffen, kann so eine gespenstische Nacht verflucht lang werden. Regisseur Virgil Widrich zelebriert die Absurdität seiner Filmprämisse genüsslich. Da behacken sich Familienmitglieder über Generationen hinweg und entlarven damit die feinen Mechanismen der Macht und ihrer Fäden, die solche Imperien zusammenhalten. Das Ganze wird tableauartig präsentiert – die Kulisse ist als solche erkennbar, und das Haus verändert sich auch mit seinen geisterhaften Bewohnern. Man kann sich diesen Film durchaus auf einer Theaterbühne vorstellen – auch dort würde er gut funktionieren. Allerdings ist der Film nicht frei von Schwächen – sei es manchmal das Spiel einiger Darsteller, die zum Outrieren neigen, sei es manche Länge, die durch Absurditäten verursacht wird, die nicht aufgelöst werden, sei es das manchmal doch sehr künstlich Überhöhte in der Umsetzung, die danach schreit: „Ich bin Kunst!“ Trotzdem ist der Film unorthodox und interessant und in seinen besten Momenten schön österreichisch hinterfotzig.

6,5
von 10 Kürbissen

Ein Sommernachtstraum (1999)

Regie: Michael Hoffman
Original-Titel: A Midsummer Night’s Dream
Erscheinungsjahr: 1999
Genre: Fantasy, Komödie
IMDB-Link: A Midsummer Night’s Dream

Wenn Kevin Kline, Michelle Pfeiffer, Rupert Everett, Christian Bale, Calista Flockhart, Sophie Marceau, Dominic West, Stanley Tucci, David Strathairn, Sam Rockwell und Anna Friel gemeinsam in einem Film mitwirken, dann muss das Drehbuch schon was hergeben. Dazu braucht es schon ein Kaliber wie William Shakespeare. Die Verfilmung von „Ein Sommernachtstraum“ aus dem Jahr 1999 wirkt zunächst wie beste 90er-Jahre-Fernseh-Unterhaltung. Fast meint man, Prinzessin Fantaghirò käme demnächst ums Eck. Die Kulissen sind billig, die Masken und Special Effects auch, aber irgendwie ist das bunte Treiben unglaublich charmant. Die Verwirrung um zwei Noch-Nicht-Liebespaare, nämlich Lysander und Hermia, die sich zwar lieben, aber nicht lieben dürfen, weil Hermia Demetrius versprochen ist, der sich in sie verliebt hat und wiederum selbst unerwidert von Helena geliebt wird, reichte Shakespeare noch nicht aus. Um alle beteiligten Charaktere vollends ins Tohuwabohu zu stürzen, brauchte es auch noch einen Zauberwald mit dem König der Elfen und der Königin der Elfen und eine geheimnisvolle Blume, deren magische Kraft darin liegt, dass man, nachdem man an ihr gerochen hat, sich in die erste Person verliebt, die man nach dem Aufwachen erblickt. Und wenn das zufälligerweise ein Möchtegern-Schauspieler ist, der im Wald mit seinen Kollegen ein Stück zur Hochzeit des Fürsten einproben möchte, der zufälligerweise von einem schalkhaften Kobold (der großartige Stanley Tucci) auch noch in einen Mensch-Esel-Hybrid verwandelt wurde, dann dauert es natürlich eine Weile, bis sich alles wieder in bestem Wohlgefallen aufgelöst, die Liebenden zueinander gefunden und die Schauspieler ihr Stück auf die Bühne gebracht haben. Diese Längen kann man dem Film durchaus ankreiden, aber gut, diesbezügliche Beschwerden wären wohl an den Verfasser der Zeilen zu richten, und den wird es 400 Jahre nach seinem Ableben kaum mehr jucken.

(Dieser Film ist als Reiseetappe # 61 Teil meiner Filmreisechallenge 2018. Mehr darüber hier.)

6,0
von 10 Kürbissen

Der Fischer und seine Frau (2005)

Regie: Doris Dörrie
Original-Titel: Der Fischer und seine Frau
Erscheinungsjahr: 2005
Genre: Liebesfilm, Drama, Fantasy
IMDB-Link: Der Fischer und seine Frau

Bei Christian Ulmen muss ich immer daran denken: „In Ulm, um Ulm, und um Ulm herum“. Woran ich künftig wohl eher nicht denken werden bei der Erwähnung dieses Namens: „Der Fischer und seine Frau“, eine Adaption eines Märchens der Gebrüder Grimm, in Szene gesetzt von Doris Dörrie. Ehrlich, der deutsche Film befand sich in den letzten Jahren spürbar im Aufwind – doch 2005 war davon noch nichts zu merken, jedenfalls nicht bei diesem Film. „Der Fischer und seine Frau“ ist eine deutsche Produktion der alten (schlechten) Schule. Das Schauspiel wirkt hölzern (gut, der Ulmen kann es vielleicht nicht besser, aber Alexandra Maria Lara hat zumindest in späteren Rollen bewiesen, dass sie mehr drauf hat), die Dialoge sind unecht und aufgesetzt, die Story wird holprig erzählt, und ein bisschen absurde Fantasy muss auch noch rein in Form von zwei verzauberten Fischen. Ja eh, die Vorlage ist ein Märchen, aber man kann auch Märchen seriös verfilmen. Dabei würde die Geschichte einiges hergeben: Ambitionierte Sie trifft auf idealistischen Er – sie scheffelt die Kohle, er bleibt zuhause beim Kind, die Beziehung driftet immer mehr auseinander, weil sie einfach Unterschiedliches erwarten vom Leben. Daraus hätte man etwas Feines stricken können, aber leider nimmt der Film sein Thema nicht ernst. Von Logiklöchern so groß wie Koi-Teiche und Unmengen von Kontinuitätsfehlern ganz zu schweigen. So wirkt „Der Fischer und seine Frau“ wie eine lieblose Routine-Arbeit, die man zwischen zwei Projekten mal im Auftrag eines potenten Geldgebers, der im Fernsehen Werbeplätze verkaufen will, runterspult. Und ich fürchte, genau das ist der Film wohl auch.

3,0
von 10 Kürbissen

Deadpool 2 (2018)

Regie: David Leitch
Original-Titel: Deadpool 2
Erscheinungsjahr: 2018
Genre: Action, Fantasy, Komödie, Satire
IMDB-Link: Deadpool 2

Deadpool ist wieder da. Ganz klar: Wenn der mal stirbt, muss man das Mundwerk extra erschlagen. Nur ist das mit dem Sterben nicht so einfach. Nicht, dass er es nicht versuchen würde, aber irgendetwas hält ihn bzw. die nach Explosionen herumfliegenden Teile von ihm am Leben. Vielleicht hat das Schandmaul ohne Skrupel, das auf Verbrecherjagd geht, weil es cool ist, die Schurken zur Strecke zu bringen, ja doch noch eine höhere Aufgabe zu bewältigen. Gegenspieler Cable (der omnipräsente Josh Brolin) jedenfalls erweist sich als harte Nuss, und die Mission, einen 14jährigen Jungen vor diesem schwer bewaffneten Zeitreisenden aus der Zukunft zu beschützen, kostet Blut, Schweiß, Tränen und Gliedmaßen. Das alles ist aber nicht umsonst vergossen, denn wie der geschwätzige Rächer aus der Nachbarschaft schon im Prolog angekündigt hat, ist „Deadpool 2“ ein Familienfilm, und so lernt der Held eben auch, was eine Familie ausmacht. Kino mit pädagogischem Wert also. Die Methoden, dieses Wissen zu vermitteln, mögen vielleicht etwas ungewöhnlich erscheinen, denn es wird gemetzelt, was die Schaschlik-Spieße, die der großmäulige Superheld dekorativ am Rücken trägt, hergeben, aber ungewöhnliche Schüler erfordern eben auch ungewöhnliche Erziehungsmaßnahmen. Kurz gesagt lebt der Film von zwei elementaren Dingen: Vom subversiven und anarchischen Humor seines Titelhelden (brillant verkörpert von Ryan Reynolds, der sich diese Rolle dermaßen angeeignet hat, dass er wohl nie wieder etwas Anderes spielen kann) sowie von der brutalen, schnell geschnittenen Action, die keine Rücksicht nimmt auf Befindlichkeiten oder schwache Mägen. So gesehen führt „Deadpool 2“ den Weg des Vorgängers nahtlos fort. Da der Humor noch absurder ist und noch viel mehr Anspielungen zu entdecken sind, die der Held, der sich bewusst ist, nur eine Filmfigur zu sein, immer wieder einstreut, funktioniert der Film für mich noch besser als der erste Teil. Als Komödie ist „Deadpool 2“ eine echte Perle. Die Story selbst ist ein bisschen dünn und vorhersehbar („That’s just lazy writing“, wie Deadpool alias Ryan Reynolds, der auch am Drehbuch mitgearbeitet hat, mal selbst zugibt), aber Spaß macht das Ding von der ersten bis zur letzten Minute.