Drama

Buffalo ’66 (1998)

Regie: Vincent Gallo
Original-Titel: Buffalo ’66
Erscheinungsjahr: 1998
Genre: Liebesfilm, Krimi, Roadmovie, Drama
IMDB-Link: Buffalo ’66

Einer der 1001 Filme, die man gesehen haben muss, ehe das Leben vorbei ist, ist „Buffalo ’66“ von Vincent Gallo. Das ist der Typ, der Chloë Sevignys Karriere in Bedrängnis brachte, weil er mit ihr zusammen in „The Brown Bunny“ allzu offenherzig die Freuden des Oralsex vor der Kamera zeigte, dem ein medienwirksamer Beef mit Kritikerpapst Roger Ebert folgte, aber das ist eine andere Geschichte. In seinem Regiedebüt „Buffalo ’66“ geht es gemäßigter zu. Billy Brown (Vincent Gallo) kommt gerade aus dem Knast und muss erst mal pissen. Man kennt das ja. Und natürlich: Keine Toilette weit und breit in Sicht. Dafür aber die junge Layla (Christina Ricci), die der Häfnbruder mit der vollen Blase kurzerhand entführt. Und das, weil er seinen Eltern (Anjelica Huston und Ben Gazzara) vorgegaukelt hat, er wäre ein erfolgreicher Staatsbediensteter und glücklich verheiratet. Ersteres ist angesichts seiner Jahre in Staatsgewahrsam vielleicht noch Interpretationssache, Zweiteres lässt sich aber ohne passender Frau an seiner Seite nicht so einfach hinbiegen. Daher die Entführung. Und nach anfänglicher Skepsis spielt das Mädel dann auch brav mit, woraufhin sich allmählich tatsächlich zarte Gefühle einstellen, was Billy Brown zusehends verunsichert. Denn bald zeigt sich: So hart, wie er tut, ist er eigentlich gar nicht. „Buffalo ’66“ könnte ein amüsanter Film für zwischendurch sein, ein leicht schräges Independent-Komödien-Drama mit richtig guter Besetzung und ein paar witzigen Einfällen. Könnte. Ist er aber nicht. Und das liegt vor allem an Vincent Gallo selbst. Meine Kollegin in der Arbeit würde sagen: Eine Fresse wie ein Briefkasten. Links und rechts zum Hineinhauen. Sage ich natürlich nicht, denn das ist ja ein seriöser Blog. Husthust. Aber das Grundproblem von „Buffalo ’66“ ist tatsächlich, dass mir die empathielose, selbstsüchtige und gewaltbereite Hauptfigur von Anfang bis Ende auf die Nerven gegangen ist und ich ihr die Katharsis nicht vergönnt habe. Auch Christina Riccis Charakter stellte mich vor Probleme. Zwar ist ihre Layla gut gespielt (die Ricci kann schon was, keine Frage), aber ich glaubte ihr die aufkeimenden Gefühle einfach nicht. Auf welcher Basis? Liebe macht blind, sagt man. Okay. Aber blind und deppert? So hat mich „Buffalo ’66“ eher ärgerlich gemacht als gut unterhalten. Und was „The Brown Bunny“ betrifft: Die berühmte Szene gibt es kostenlos auf einschlägigen Internetseiten zu bewundern. Den ganzen Film tue ich mir wohl eher nicht an.

3,0
von 10 Kürbissen

Beale Street (2018)

Regie: Barry Jenkins
Original-Titel: If Beale Street Could Talk
Erscheinungsjahr: 2018
Genre: Drama, Liebesfilm
IMDB-Link: If Beale Street Could Talk

Barry Jenkins hat schon mit Moonlight gezeigt, dass er ein gemäßigtes Erzähltempo bevorzugt und den Figuren Raum gibt, sich zu entfalten. Das ist etwas Wunderbares, was ich persönlich auch schätze. Wenn man allerdings um 23 Uhr vor den Oscars in seinem neuesten Werk sitzt, birgt das gemächliche Tempo das Risiko, tief in den Sessel zu versinken und die Geschichte in den eigenen Träumen weiterzuspinnen. Wenn man das nicht will, weil man der eigenen Fantasie misstraut, kann aus der Sichtung des Films dann schon mal ein knallharter Kampf gegen sich selbst werden. „Stirb langsam“ ist ein Kindergeburtstag dagegen. Aber wach zu bleiben, lohnt sich schon, denn die Geschichte rund um das junge Paar Tish (KiKi Layne) und Alonzo (Stephan James), das Opfer einer rassistischen Intrige wird, ist schon sehenswert. Die Bilder sind grandios, der Soundtrack ist eingängig, das Schauspiel überzeugend. Vor allem Regina King, die völlig zurecht den Oscar als beste Nebendarstellerin einheimsen konnte, ist ein Ereignis. Sie spielt Tishs Mutter mit Wärme und Stärke und wird so trotz weniger Szenen zum Herzstück des Films. Auch die Dialoge und Figurenentwicklungen können durch die Bank überzeugen, aber da hatte Barry Jenkins mit dem Roman von James Baldwin auch eine dankbare Vorlage. Dennoch ist „If Beale Street Could Talk“ ein Film, der nicht jeden mitreißen wird. Ich hatte ähnliche Probleme wie mit „Moonlight“: Beide Filme überzeugen mich handwerklich zu 100% und ich erkenne ihre hohe Qualität an, aber sie nehmen mich emotional nicht so wirklich mit. Barry Jenkins ist ein Könner, aber seine Kunst erreicht mich dann am Ende doch nicht so ganz. Trotzdem kann ich nur wärmstens empfehlen: Geht ins Kino, schaut euch diesen Film an. Er ist gut. Und vielleicht erreicht er euch mehr als mich. Aber geht sicherheitshalber nicht in die 23 Uhr-Vorstellung.

6,5
von 10 Kürbissen

(Foto: Filmladen)

The Mule (2018)

Regie: Clint Eastwood
Original-Titel: The Mule
Erscheinungsjahr: 2018
Genre: Krimi, Drama, Thriller
IMDB-Link: The Mule

Das Leben kann so vielfältig sein: Mal züchtet man bunte Blümchen, mal schmuggelt man Drogen im Wert von mehreren Millionen Dollar in seinem Pickup quer durch Amerika. Die Vielfalt macht’s, anders wäre es ja langweilig. Der von Clint Eastwood verkörperte Pensionist Earl Stone hat leider nicht genügend Knödel angespart, um sich auf die faule (und schon ziemlich faltige) Haut legen zu können. Seine Blumenzucht musste er wegen Insolvenz zumachen, seine Tochter spricht nicht mehr mit ihm, und dass er seiner heiß geliebten Enkeltochter, die demnächst heiraten wird, finanziell bei der Hochzeit nicht unter die Arme greifen kann, wurmt ihn schon. Eine Zufallsbekanntschaft bietet ihm aber einen lukrativen Nebenjob. Er soll eben Drogen kutschieren, also ein „Mule“ werden, ein Kurier. Hintergrund: Earl ist ja schon einige Jahre lang auf den Straßen Amerikas unterwegs, und er hat noch nie einen Strafzettel kassiert. Ein gesetzestreuer Bürger also, der zuverlässig bei Rot anhält und penibel das Tempolimit beachtet. Und eilig haben es die neuen mexikanischen Freunde ja nicht – nur sicher soll sie ankommen, die Ware. Während Earl Stone fröhlich singend über die Highways der USA zuckelt, braut sich im Hintergrund allerdings Ungemach zusammen – im Form eines eifrigen Drogenfahnders (Bradley Cooper) und eines Drogenbosses mit ungeregelter Nachfolge (Andy Garcia). „The Mule“, inszeniert von Dirty Harry himself, ist so etwas wie ein gemütliches Alterswerk. Man muss der Welt nichts mehr beweisen, es muss nicht mehr ständig krachen, sondern manchmal ist es ja auch fein, einfach nur im Auto zu sitzen und die Straße zu spüren. Soll doch im Saal nebenan der nächste Bombast-Film toben. Das ist zwar wohltuend anzusehen, reißt aber nicht mit. So tröpfelt der Film unaufgeregt vor sich her, vermeidet fast alles, was den Blutdruck hochschießen lässt (ein Clint Eastwood denkt eben mit und sagt sich: Das Publikum könnte ja mit mir gealtert sein, also muss man es ein wenig rücksichtsvoller angehen) und ist dann am Ende zwar eine runde Sache, aber irgendwie auch wurscht. Die Meisterwerke in Eastwoods Filmographie bleiben andere Filme.

5,5
von 10 Kürbissen

Vice – Der zweite Mann (2018)

Regie: Adam McKay
Original-Titel: Vice
Erscheinungsjahr: 2018
Genre: Biopic, Politfilm, Komödie, Drama
IMDB-Link: Vice

Seit „The Big Short“ ist Adam McKay wohl einer der interessantesten Regisseure Hollywoods. Die Fähigkeit, komplexe, trockene Stoffe auf eine schwarzhumorige bis zynische Weise allgemein verständlich und wahnsinnig unterhaltsam zu vermitteln, macht ihm wohl kaum jemand so schnell nach. Mit „Vice“ legt Adam McKay nun nach – und diesmal gilt sein Interesse der als eher farblos geltenden Figur des Dick Cheney, ehemaliger Vizepräsident unter George W. Bush. Hinter der spröden Fassade verbirgt sich allerdings einer der vielleicht am meisten unterschätzten Strippenzieher der jüngeren Politikvergangenheit. Rücksichtslos und nur auf den eigenen Vorteil bedacht weitete Dick Cheney mit jedem Karriereschritt seine Kompetenzen aus, bis er schließlich mit President Bush unter ihm (und genau zu diesem Schluss muss man am Ende des Films kommen) die Welt veränderte. Adam McKay impliziert, dass durch Cheneys Entscheidungen der Irak-Krieg angezettelt wurde, woraufhin der gesamte Nahe Osten destabilisiert und zu dem Fleckerlteppich aus terroristischen Vereinigungen, als den wir ihn heute kennen, wurde. Die Ölfirma, als deren CEO Cheney davor fungierte, profitierte jedenfalls nicht schlecht von dem Chaos, das auf den Krieg folgte. „Vice“ erzählt die Geschichte, wie aus dem Säufer und Taugenichts Dick Cheney der damals wohl mächtigste Mann der Welt werden konnte. Und er tut dies mit den Mitteln, die auch „The Big Short“ schon interessant gemacht haben: Mit überspitzten Szenen, mit dem gelegentlichen Einspielen von Archivmaterial, mit einem sarkastischen Erzähler aus dem Off, mit Verfremdungen (göttlich: die Szene, in der Dick Cheney und seine Frau Lynne abends im Bett in shakespeare’schen Versen zu reden beginnen, um die Dramatik der Entscheidung, die gefällt werden muss, theatralisch zu unterstreichen) und einem genialen Cast. Amy Adams als Lynne Cheney, Steve Carell als Donald Rumsfeld, Sam Rockwell als George W. Bush – sie alle sind großartig. Was aber Christian Bale macht, geht meiner Meinung nach über Schauspiel weit hinaus. Er spielt nicht Dick Cheney, er ist Dick Cheney. Und damit meine ich nicht nur die verblüffende optische Verwandlung. Vielmehr liegt die Faszination im Detail: Im kalten, berechnenden Blick, im Zucken seiner Mundwinkel, durch das sich seine Schachzüge ankündigen, in der leicht gebeugten, so unterwürfig wirkenden Körperhaltung, jede Faser seines Körpers schreit: Dick Cheney! Wenn es dafür keinen Oscar gibt, dann weiß ich auch nicht mehr weiter. Allerdings kommt „Vice“ als Film nicht ganz an das meisterhafte „The Big Short“ heran. Denn „Vice“ hat Längen, und auch das Tempo ist insgesamt eher gedrosselt. Dank der vielen guten Regieeinfälle und dem grandiosen Cast bleibt der Film über seine ganze Laufzeit interessant, aber mitreißen kann er dabei nicht immer.

7,0
von 10 Kürbissen

Die Frau des Nobelpreisträgers (2017)

Regie: Björn Runge
Original-Titel: The Wife
Erscheinungsjahr: 2017
Genre: Drama
IMDB-Link: The Wife

Das ältere Ehepaar Castleman (Glenn Close und Jonathan Pryce) hüpft an einem frühen Morgen auf dem Bett herum. Er singt wie ein kleines Kind: „I WON THE NOBEL PRIZE! I WON THE NOBEL PRIZE!“ Ihr Gesicht strahlt, sie ist stolz auf ihren Mann, der gerade den Anruf aus Schweden erhalten hat. Später in Stockholm im Zuge der Nobelpreisverleihung: Spannungen tun sich auf. Joe Castleman ist nervös und aufgeregt, er sucht nach Anerkennung und badet darin, was zum Einen seinen Sohn David (Max Irons) auf die Palme bringt, und zum Anderen für seine Frau Joan schwer zu schlucken ist. Immer steht sie im Hintergrund. Sie scheint zufrieden damit zu sein, doch irgendwann ist es auch für sie zu viel. Ihr Mann, dem unzählige Affären nachgesagt werden, wird als Genie gefeiert, während sie selbst ihre einst vielversprechende literarische Karriere auf Eis legen musste. Bücher von Frauen würden sich nicht verkaufen, das sagte eine publizierte Schriftstellerin damals zu ihr. Und sie, die Schüchterne, die gerade eine Affäre mit ihrem verheirateten Literaturprofessor begonnen hatte, eben jenem Joe Castleman, stellte jegliche Ambition zurück, um für ihren Lover da zu sein. Lebensentscheidungen, die man später vielleicht bereut oder die zumindest einen Prozess anregen können, der alles auf den Kopf stellt. Davon erzählt Björn Runge in der Verfilmung des Romans von Meg Wolitzer. „Die Frau des Nobelpreisträgers“ ist ein sehr solider, gut gemachter Film, der vielleicht in seinen Figurenkonstellationen und Konflikten etwas zu sehr simplifiziert, auch wenn die einzelnen Dialoge und Szenen dazu per se großartig sind. Das wiederum liegt an den überragenden Darstellungen sowohl von Glenn Close, die damit zurecht als Favoritin in die kommende Oscar-Verleihung geht, als auch Jonathan Pryce. Beide sind das zentrale Herzstück des Films, und ohne deren Leistungen könnte dieser gar nicht funktionieren. Denn beide statten ihre Figuren mit so viel Ambivalenz aus, dass damit auch gröbere Schwächen im Drehbuch ausgebügelt werden. Und auch wenn ich The Favourite und Olivia Colman darin sehr geliebt habe, aber liebe Academy, bitte gebt in der Nacht von Sonntag auf Montag Glenn Close den Goldmann. Das wäre angesichts dieser subtilen, nuancierten Darstellung, die völlig unprätentiös ohne Effekthascherei auskommt, einfach verdient.

6,5
von 10 Kürbissen

Capernaum – Stadt der Hoffnung (2018)

Regie: Nadine Labaki
Original-Titel: Capharnaüm
Erscheinungsjahr: 2018
Genre: Drama
IMDB-Link: Capharnaüm

Der Libanon hat cineastisch einen Lauf. Erst letztes Jahr wurde mit „The Insult“ von Ziad Doueiri der erste libanesische Film für einen Oscar nominiert, und dieses Jahr legt Nadine Labaki mit „Capernaum – Stadt der Hoffnung“ diesbezüglich nach. Auch wenn die Chancen gegen den großen Favoriten Roma von Alfonso Cuarón schlecht stehen, kann sich diese Serie durchaus blicken lassen. Um den ehemaligen Skifahrer Rudi Nierlich zu zitieren: Wonn’s laft, donn laft’s. „Capernaum – Stadt der Hoffnung“ ist ein aufwühlender und richtig guter Film, der sich zurecht in der Reihe der nominierten Filme befindet. Allerdings gehört er auch zu den Filmen, die man kaum mehr als ein einziges Mal sehen möchte. Und man sollte ihn nicht anschauen, wenn man gerade selbst mit Weltschmerz zu kämpfen hat. Die Geschichte ist nämlich harter Stoff. Erzählt wird vom 12jährigen Zain, der im Jugendgefängnis einsitzt, weil er einen Mann niedergestochen hat. Nun verklagt er seine Eltern dafür, dass sie ihn geboren haben. Soweit die Rahmenhandlung. Nadine Labaki rollt dann chronologisch auf, wie es dazu gekommen ist – beginnend bei der vielköpfigen syrischen Flüchtlingsfamilie, die unter ärmlichsten Verhältnissen lebt. Zains Lieblingsschwester Sahar wird nach Eintreten der Regelblutung an den Besitzer der Wohnung verhökert. Zain selbst haut im Streit mit seinen Eltern ab und wird von der äthiopischen Illegalen Rahil aufgenommen. Die hat ein kleines Kind, Yonas. Doch eines Tages wird Rahil festgenommen, und Zain versucht, sich mit Yonas allein durchzuschlagen. Er plant die Flucht nach Schweden, doch als er nach langer Zeit wieder in der Wohnung seiner Eltern vorbeikommt, um seine Papiere zu holen, kommt es zur Katastrophe. „Capernaum – Stadt der Hoffnung“ ist ein Film, der direkt auf die Magengrube zielt, ohne allerdings allzu sehr in den Verdacht zu geraten, aus der Armut der gezeigten Protagonisten Kapital schlagen zu wollen. Zu ehrlich, zu gut recherchiert fühlt sich der Film an. Und auch wenn der Film vor allem im ersten Drittel einige Längen aufweist, zieht einen die Geschichte unweigerlich in ihren Bann. Ich fühlte mich definitiv nicht gut, als ich den Kinosaal nach dem Abspann verließ. Aber ich war trotzdem froh, den Film gesehen zu haben.

7,5
von 10 Kürbissen

Der Boden unter den Füßen (2019)

Regie: Marie Kreutzer
Original-Titel: Der Boden unter den Füßen
Erscheinungsjahr: 2019
Genre: Drama
IMDB-Link: Der Boden unter den Füßen

Caroline, genannt Lola (Valerie Pachner), hat einiges um die Ohren. Der Job als Unternehmensberaterin in der Schlussphase eines wichtigen Projekts in Rostock fordert sie voll. Mit ihrer Chefin (Mavie Hörbiger) bahnt sich etwas an, was über das Berufliche weit hinaus geht, gleichzeitig aber kann sie ihrer Chefin nicht wirklich vertrauen. Und in Wien ist ihre Schwester (Pia Hierzegger) nach einem Suizidversuch in die psychiatrische Klinik eingewiesen worden und ruft nun ständig bei Lola an, um sie um Hilfe zu bitten. Ihr ginge es ganz schlecht, sie werde misshandelt – und Lola soll sie da bitte rausholen. Der Druck auf Lola nimmt zu. Versaut sie das Projekt, verbaut sie sich ihre beruflichen Chancen. Versaut sie es mit ihrer Chefin, dann ist es sowieso mit ihr vorbei. Und versaut sie es bei ihrer älteren Schwester, deren Vormund sie mittlerweile ist, werden die Schuldgefühle sie wohl nie wieder loslassen. Nun muss Lola abwägen, was ihr wirklich wichtig ist. Und dabei stellt sie fest, was für ein Mensch sie ist. Und wir, das Publikum, stellen das ebenfalls fest. Wir alle, Lola und wir im Kinosaal, werden vielleicht nicht mögen, was wir dabei herausfinden. „Der Boden unter den Füßen“ handelt, wie der Titel sagt, von eben jenem Boden, den wir verlieren können, wenn wir uns auf die falschen Dinge konzentrieren. Lolas Leben ist in einer sehr wackeligen Balance – und es genügt ein einziger Vorfall, um dieses Leben ins Kippen zu bringen. Wie eine Lawine prasseln dann die Probleme auf Lola ein, und sie, die immer auf sich allein gestellt war, weiß sich nicht zu helfen. Marie Kreutzer geht mit ihrer Heldin schonungslos um. Sie hat zwar unser Mitleid, aber nicht immer unser Verständnis. Dabei befindet sich der Film selbst in einer guten, stabilen Balance. Neu ist das alles zwar nicht, und vor allem der berufliche Part rutscht gelegentlich nah an die Abgründe der Klischee heran, aber dennoch ist „Der Boden unter den Füßen“ über seine gesamte Laufzeit interessant anzusehen und von Valerie Pachner stark gespielt. Ein erfreulicher Abschluss meines diesjährigen Berlinale-Besuchs.

7,0
von 10 Kürbissen

(Foto: Juhani Zebra / Novotnyfilm)

Fern von uns (2019)

Regie: Laura Bierbrauer und Verena Kuri
Original-Titel: Fern von uns
Erscheinungsjahr: 2019
Genre: Drama
IMDB-Link: –

Laura Bierbrauer. Welchem Österreicher geht bei diesem Namen nicht das Herz auf? Gemeinsam mit Verena Kuri hat Bierbrauer einen Film gedreht, der in der deutschsprachigen Community Argentiniens spielt. Das Deutsch ist manchmal schon ein bisschen eingerostet, und die Sprache eine Mischung aus Deutsch und Spanisch, aber familiäre Probleme sind ja universell und zeitlos. In diesem Fall geht es um die junge Ramira, die nach längerer Zeit wieder auf die heimatliche Farm zurückkehrt. Dort zieht ihre Mutter mittlerweile Ramiras dreijährigen Sohn auf, der auch glaubt, dass Ramira nur eine Tante ist. Dem Vater geht es indessen finanziell nicht so gut, die Kühe sind krank, und er überlegt, die Farm zu verkaufen. Das übergeordnete Thema des Films könnte „Wurzeln und Entwurzelung“ lauten. Jedenfalls scheint Ramira entwurzelt zu sein, sie passt auch nicht so recht auf die Farm und in die Gemeinschaft. Auch ein altes Thema, das cineastisch bearbeitet wird, seit die Bilder zu laufen gelernt haben. Allerdings fügt „Fern von uns“ diesem Thema abgesehen vom hierzulande eher unbekannten Setting der deutschsprachigen Farmer in Südamerika wenig Neues hinzu. Vieles wird nur angedeutet, vieles muss man in langen Einstellungen von Menschen, die auf Bäume starren, zu interpretieren versuchen. Ein langsames Drama, das ein wenig ziellos vor sich her mäandert. Und damit ein klassischer Festival-Film: ungewöhnliches Setting, fade G’schicht. Wenn man nach dem Abspann den Kinosaal verlässt, zuckt man mit den Schultern und hofft darauf, dass der nächste Film einen bleibenden Eindruck hinterlässt.

5,0
von 10 Kürbissen

Fukuoka (2019)

Regie: Lu Zhang
Original-Titel: Fukuoka
Erscheinungsjahr: 2019
Genre: Drama, Komödie
IMDB-Link: Fukuoka

Tja, die Liebe. Sie ist ein seltsames Spiel, sie kommt und geht von einem zum anderen. Das wusste schon die Schlagersängerin Connie Francis, und wer würde es wagen, ihr zu widersprechen? Im Fall des südkoreanischen Films „Fukuoka“ ist die Liebe von Soon-yi vor 28 Jahren von Hae-hyo zu Jea-moon gegangen und dann ganz, weshalb die beiden Jugendfreunde immer noch einen Wickel miteinander haben. Hae-hyo hat sich nach Japan in die Stadt Fukuoka abgesetzt, wo er nun eine Bar besitzt. Und Jea-moon hat neben seinem Second Hand-Buchladen in Korea noch eine nervige junge Nachbarin namens So-dam (nicht zu verwechseln mit einem ehemaligen irakischen Diktator), die ihn dazu nötigt, auf Urlaub nach Fukuoka zu fliegen, wo sie natürlich genau die Bar findet, in der Hae-hyo vor sich hin schmollt. Aber 28 Jahre sind eine lange Zeit, und irgendwann kann man es auch mal gut sein lassen. So finden die beiden Dickköpfe nach anfänglichen Schwierigkeiten dann doch nach und nach zu einer kultivierten Gesprächsbasis, So-dam sei Dank. Diese Annäherung ist zeitweise durchaus komisch anzusehen und gespickt mit allerlei surrealistischen Momenten rund um So-dam. Während die Geister der Erinnerung heraufbeschworen werden, stellt sich durchaus auch mal die Frage, ob das die einzigen Geister sind, die in diesem Film zu finden sind. Am Ende schlägt „Fukuoka“ vielleicht die eine Kapriole zu viel für meinen Geschmack, und auch nicht jede Szene ist per se wirklich zwingend, aber der Film ist im Gesamten dann doch eine positive Erfahrung. Kann man sich durchaus mal ansehen.

6,5
von 10 Kürbissen

(Foto: Lu Film)

Das Wunder im Meer von Sargasso (2019)

Regie: Syllas Tzoumerkas
Original-Titel: To thávma tis thállassas ton Sargassón
Erscheinungsjahr: 2019
Genre: Drama, Krimi
IMDB-Link: To thávma tis thállassas ton Sargassón

„Das Wunder im Meer von Sargasso“ – nein, das ist kein Mash-Up von „Fluch der Karibik“ und „Das Wunder von Manhattan“, auch wenn ich wirklich gerne mal Captain Jack Sparrow als Weihnachtsmann sehen würde. Darauf müssen wir aber alle noch etwas länger warten. (So schnell enttäuscht man die Leserschaft.) Vielmehr handelt es sich bei Syllas Tzoumerkas‘ Film um eine Art griechischer Film Noir-Krimi, nur mit etwas besserem Wetter als im Film Noir üblich. Die Heldin, die zwangsversetzte Polizeiinspektorin Elisabeth (die wunderbare Angeliki Papoulia, die ich schon in mehreren Filmen von Giorgos Lanthimos bewundern durfte), ist eine klassische Antiheldin. Unterwegs im Streifenwagen zieht sie sich neben dem strebsamen Jungpolizisten schon mal eine Line des frisch beschlagnahmten Kokains hinein, um fit für die Ermittlungen zu sein. Und ganz selbstverständlich schläft sie mit dem verheirateten Arzt der Kleinstadt, in die sie versetzt wurde – sehr zum Missfallen ihres Teenager-Sohnes. Nebenbei träumt sie davon, irgendwann aus diesem öden Nest an der Küste wieder zurück nach Athen zu kommen – nur wie? Der Mord an einem lokal berühmten Sänger, der eines Morgens aufgeknüpft neben dem Strand aufgefunden wird, scheint da plötzlich einen Ausweg zu bieten. Nur ist alles ein wenig undurchsichtig, und, wie in solchen Filmen üblich, tun sich schon bald Abgründe in der verschlafenen Kleinstadt auf. So weit, so gut. Wie gut Thriller in der südlichen Hitze funktionieren können, haben schon einige Filme unter Beweis gestellt. Der spanische Thriller „Marshland“ fällt mir hierzu ein, dessen Setting sehr stark an „Das Wunder im Meer von Sargasso“ erinnert. Der Unterschied zwischen den beiden Filmen ist der: „Marshland“ ist tatsächlich ein packender, düsterer Thriller. „Das Wunder im Meer von Sargasso“ ist ein symbolhaft aufgeladenes Ding (inklusive einer modernen Krippenszene am Strand mit Besuch der Heiligen Drei Könige samt Ghettoblaster – WTF?), das viel mehr sein möchte, als es ist, und das zudem das Problem hat, dass trotz einer engagiert spielenden Angeliki Papoulia, der man keinen Vorwurf machen kann, kaum eine Figur wirklich glaubhaft wirkt. Wenn jeder ständig Scheiß macht, nur damit die Figur widersprüchlich wirkt, ist das irgendwann nicht mehr authentisch, sondern nur noch lächerlich. So hat der Film zwar gute Anlagen, wurde aber inszenatorisch eiskalt versenkt. Ob im Meer von Sargasso oder anderswo – untergegangen ist er jedenfalls.

4,5
von 10 Kürbissen

(Foto: Kiki Papadopoulou)