Thriller

Have a Nice Day (2017)

Regie: Liu Jan
Original-Titel: Hao Ji Le
Erscheinungsjahr: 2017
Genre: Animation, Thriller, Komödie
IMDB-Link: Hao Ji Le

Man kennt das: Es ist spätabends, man ist schon müde (in diesem Fall von drei Filmen davor), aber da man schon beim Kino ist und das Ticket hat, setzt man sich halt doch noch in die 23-Uhr-Spätvorstellung, um das /slash-Festival zu einem würdigen Abschluss zu bringen. „Have a Nice Day“ heißt das Werk des chinesischen Animationsfilmers Liu Jian, und beginnt wie ein Coen Brothers-Plot: Indem der arme Bauarbeiter Xiao Zhang seinen Onkel um eine Tasche voller Geld erleichtert, was weder dem Onkel noch dem, für den das Geld bestimmt war, sonderlich schmeckt. Und da die Gestalten im Hintergrund kein einwandfreies Leumundszeugnis vorlegen können, beginnt die Jagd auf Zhang, der mit dem Geld seiner Freundin eine Schönheits-Operation bezahlen möchte. Das alles hätte sehr erbaulich und unterhaltsam werden können. Leider bleibt dieser Satz allerdings im Konjunktiv. Denn „Have a Nice Day“ ist zwar ambitioniert gemacht (so zeichnete Liu Jian im Alleingang drei Jahre lang an seinem Film), dem Resultat sieht man diese Ambition aber nicht mehr an. Der Film ist statisch, langsam, träge und eindimensional, was die Ausgestaltung der Figuren betrifft. Die Machart selbst, in der die Bewegungen von Figuren und Kulisse nur auf das Minimum beschränken (und ja, ich weiß, das wird in Animes generell gerne so gehandhabt), trägt dazu bei, dass sich keine Spannung aufbauen möchte. Auch der humoristische Aspekt des Films ist … nun ja, sehr subtil. Oder ist einfach meilenweit an meiner Art von Humor vorbeigeschossen. So tröpfelt der Film belanglos vor sich hin, und am Ende wundert man sich, wie lang sich 77 Minuten anfühlen können. Die internationale Filmkritik mochte den Film. Der österreichische Filmkürbis nicht.

3,0
von 10 Kürbissen

(Foto: /slash Filmfestival)

Border (2018)

Regie: Ali Abbasi
Original-Titel: Gräns
Erscheinungsjahr: 2018
Genre: Drama, Fantasy, Thriller
IMDB-Link: Gräns

Tina ist nicht unbedingt eine Schönheit, aber sie hat ein außergewöhnliches Talent: Sie kann Gefühle (oder Rückstände von Gefühlen) an Menschen riechen – und damit ist sie natürlich eine Wunderwaffe bei der Grenzkontrolle. Die Ängstlichen, die voller Scham, die haben meist etwas zu verbergen – wie etwa Drogen, nicht verzollter Alkohol oder USB-Sticks voller Kinderpornographie. Allerdings führt Tina kein glückliches Leben, sondern lebt als Außenseiterin mit dem Slacker Roland, mit dem sie eine platonische Beziehung führt, und dessen Kampfhunden in einer abgelegenen Waldhütte. Eines Tages lernt sie Vore kennen, der bei der göttlichen Verteilung von Schönheit und Anmut auch gerade am Klo war. Und etwas stimmt nicht mit diesem Vore – nur kann Tina ausnahmsweise mal nicht herausfinden, was genau. Als sie erfährt, dass er durch die Gegend streunt und kaum Geld hat, nimmt sie ihn bei sich in ihrem Gästehaus auf. Und allmählich nähern sich die beiden einander an und entdecken erstaunliche Gemeinsamkeiten. Doch wer ist dieser Vore, was will er von ihr? Und warum hat er seinen Kühlschrank mit Klebeband versiegelt? „Border“ von Ali Abbasi ist eine klassische  Außenseiter-Geschichte, die von großartigen Akteuren und einer sensiblen Erzählweise getragen wird. Die Auflösung des Films, der irgendwo zwischen Drama, Thriller, Fantasy und Liebesfilm mäandert, ist durchaus originell. Ich mag ja solche Filme, die zwischen den Stühlen sitzen und sich keinem Genre klar zuordnen lassen. So gibt es auch viel zu entdecken in „Border“. Es geht um die Frage, wer wir tatsächlich sind, wie wir von anderen wahrgenommen werden, vor allem auch dann, wenn wir von der gängigen Norm abweichen. Es geht um die Frage nach einem selbstbestimmten Leben. Am letzten Tag meiner /slash-Filmfestival-Besuche noch einmal ein kleines Highlight.

7,5
von 10 Kürbissen

(Foto: /slash Filmfestival)

Summer of ’84 (2018)

Regie: François Simard, Anouk Whissell und Yoann-Karl Whissell
Original-Titel: Summer of ’84
Erscheinungsjahr: 2018
Genre: Thriller
IMDB-Link: Summer of ’84

Hach, 1984! Ich erinnere mich, als wäre es gestern gewesen. Im Radio liefen „Fürstenfeld“ und „I Want to Break Free“, Michel Platini führte Frankreich zum Europameistertitel, Niki Lauda wurde zum dritten Mal Weltmeister, man beging das „Orwell-Jahr“ – und der Filmkürbis … ähm … ja … was machte ich damals? Ach so, in die Windeln. Egal. Was ich sagen will: Die 80er-Nostalgie nimmt derzeit kein Ende und erweist sich für kreative Köpfe als Goldgrube. In diese Kerbe schlägt auch „Summer of ’84“, eine Art Mash-Up aus „Stand by Me“, „Stranger Things“, „It“ und „Disturbia“. Der 15jährige Davey hat seinen Nachbarn Mr. Mackey, einen Polizisten, im Verdacht, als Serienkiller dreizehn Morde auf dem Gewissen zu haben. Mit seinen drei besten Freunden ergreift er nun die Initiative, um Beweismaterial zu finden, das Mr. Mackey als Täter überführen soll. Dass es der geistigen Gesundheit nicht zuträglich ist, wenn man glaubt, dass der unmittelbare Nachbar in der Kleinstadt, in der jeder jeden kennt, ein psychopathischer Killer ist, versteht sich irgendwie von selbst. Und so bezieht „Summer of ’84“ einen Großteil der Suspense aus dem Spiel zwischen Paranoia und ernsthafter Bedrohung. Unterlegt sind die Bilder mit einem 80er-Synthie-Sound, der zwar prinzipiell ganz nett klingt und den Film auch klar in seiner Zeit verankert (was durch die Bilder selbst nicht immer zu 100% gelingt), aber auf Dauer dann doch etwas eintönig wirkt. Auch die vier Freunde sind quasi dem Lehrbuch für Coming-of-Age-Buddy-Filmen entnommen: Davey ist der brave Schüchterne, Farraday der ängstliche Streber, Eats der coole Arme und Woody der dicke Schussel. Dazu gesellt sich noch Nikki, das ehemalige Kindermädchen von Davey, die als Zwanzigjährige nun für feuchte Träume herhalten muss. Das alles kommt einem beim Ansehen einfach wahnsinnig bekannt vor. Leider bleiben die Figuren zumeist auch auf diesem oberflächlichen Niveau. Was die Figurenentwicklung betrifft, kommt „Summer of ’84“ nie an das Niveau von beispielsweise It heran. Trotzdem ist „Summer of ’84“ sehenswert, da die Spannung von Anfang an hochgehalten wird, die Darsteller bzw. ihre Figuren recht sympathisch sind und der Film gegen Ende hin noch die eine oder andere fiese Überraschung bereit hält, die noch eine Weile präsent bleibt, auch wenn der Vorhang längst gefallen ist. Insgesamt also eine solide, unterhaltsame Sache, die man sich jedenfalls ansehen kann.

6,5
von 10 Kürbissen

(Foto: /slash Filmfestival)

The Friendly Beast (2017)

Regie: Gabriela Amaral Almeida
Original-Titel: O Animal Cordial
Erscheinungsjahr: 2017
Genre: Thriller
IMDB-Link: O Animal Cordial

Wenn man sich nach einem ganztägigen Meeting in Berlin um 10 Uhr abends zu Hause von der Couch noch einmal aufrafft, um ins Kino zu fahren in dem Bewusstsein, dass sich dann die Anzahl an Schlafstunden in der Nacht auf vier reduziert, dann muss die Erwartungshaltung eine relativ hohe sein. So ging es mir mit dem brasilianischen Thriller „The Friendly Beast“, meine dritte /slash-Filmfestival-Sichtung. Man möchte nicht glauben, wie viele Leute um 23 Uhr noch im Kinosaal hocken, um sich dieses makabre Schauspiel zu geben, das da auf der Leinwand gezeigt wurde. Leute, habt ihr nichts zu tun? Oder seid ihr alle so wahnsinnig wie ich? Zweiteres wäre echt beunruhigend. Jedenfalls wurde ein gut gefüllter Saal Zeuge davon, wie ein Überfall auf ein kleines Restaurant sehr schnell sehr schief gehen kann. Nämlich dann, wenn der Restaurantbesitzer selbst eine Puffen in der Schublade hat und schon bald Tendenzen zum paranoiden Verschwörungstheoretiker aufweist. Wenn die schüchterne Kellnerin dann auch noch einen Crush auf den selbst ernannten Westernsheriff hat, findet sich die Verbrecherbande schon bald entweder blutend auf dem Boden oder mit überraschender Gesellschaft in der Restaurantküche festgebunden wieder. Was wie eine Reminiszenz an Quentin Tarantinos „Pulp Fiction“ beginnt, wird schon bald zu einem blutigen Psycho-Kammerspiel. Inklusive der vielleicht seltsamsten und makabersten Sexszene der jüngeren Filmgeschichte. Hier ist der Zuseher ständig auf High Alert. Insgesamt sieht man dem Film aber immer wieder an, dass er etwas zu plakativ auf das Schockieren des Publikums abzielt, und das geht zu Lasten der Story. Etwas subtiler wäre der Film wirkungsvoller gewesen. Dennoch bietet er gute Unterhaltung, sofern man beim Anblick von Blut nicht grün im Gesicht wird. Denn in diesem Fall verlässt man spätestens nach 45 Minuten den Saal als Laubfrosch.

6,0
von 10 Kürbissen

(Foto: /slash Filmfestival)

Brothers‘ Nest (2018)

Regie: Clayton Jacobson
Original-Titel: Brothers‘ Nest
Erscheinungsjahr: 2018
Genre: Komödie, Thriller
IMDB-Link: Brothers‘ Nest

Mein erster Besuch des /slash-Festivals führte mich in ein entlegenes Haus in Victoria, Australien. Zwei etwas festere bärtige Herren im schicken Müllmann-Outfit haben offensichtlich sinistere Pläne, als sie in das Haus einsteigen, um auf den dort lebenden älteren Roger zu warten. Man erfährt, dass die beiden Zottelbären Brüder sind, dass ihre alte Mutter an Krebs erkrankt ist und bald sterben wird und Roger der neue Lebensgefährte der Mutter ist, der laut Testament das alte Familienhaus erben soll. Und das geht den beiden Brüdern gegen den Strich. „Brothers‘ Nest“ beginnt als sehr schwarze Komödie, die ihre Komik aus den beiden charakterlich sehr ungleichen und schrägen Brüdern zieht. Terry ist nicht die hellste Kerze auf der Torte, und er ist es auch, der Bedenken äußert, dem Stiefvater eben alle Kerzen auszublasen. Jeff ist der Mann mit dem Plan. Und wenn man sich in schwarzen Komödien auf etwas verlassen kann: Dass eher selten alles nach Plan funktioniert. Auch Pinky und der Brain mussten das ein ums andere Mal feststellen – warum also soll es diesem australischen Brüderpaar anders gehen? Als dann tatsächlich Roger auftaucht und die Wartezeit, die man sich mit Putzen, Saugen und Wortgefechten vertrieben hat, endlich ein Ende findet, wird es turbulent. Am Ende blickt man als Zuseher fassungslos auf das Geschehen, die Gefühlslage ist irgendwo zwischen hysterischer Freude angesichts des Adrenalins, das noch einmal eingefahren ist, und blankem Entsetzen in Anbetracht der Wendungen, die die Handlung genommen hat. Und in der hintersten Reihe hört man die Coen-Brüder kichern, die ihr filmisches Vermächtnis in guten Händen wissen. Clayton Jacobson hat mit „Brothers‘ Nest“ einen sehr einfachen, aber wirkungsvollen Film gedreht, der von der ersten bis zur letzten Minute an diebisch Freude macht. Ein großartiger erster /slash-Film!

8,0
von 10 Kürbissen

(Foto: /slash Filmfestival)

K-19: Showdown in der Tiefe (2002)

Regie: Kathryn Bigelow
Original-Titel: K-19: The Widowmaker
Erscheinungsjahr: 2002
Genre: Thriller, Historienfilm, Drama
IMDB-Link: K-19: The Widowmaker

Wenn man sich die Filmographie von Kathryn Bigelow ansieht, dann stellt man fest, dass sie ein Faible für Genres hat, die man in einer ersten spontanen Eingebung eher männlichen Filmschaffenden zuordnen würde: Ob Kriegsfilm („The Hurt Locker – Tödliches Kommando“), Polizeithriller ohne politischer Dimension („Blue Steel“) oder mit (Detroit) oder im Surfer-Milieu („Gefährliche Brandung“) oder Polit-Thriller („Zero Dark Thirty“) – die Dame fühlt sich wohl im Kreise ihrer männlichen Kollegen. In „K-19: Showdown in der Tiefe“ von 2002 taucht sie nun mit ihrer ausschließlich männlichen Besatzung (angeführt von Harrison Ford und Liam Neeson) in einem russischen U-Boot ab. Das soll Anfang der 60er mitten im Kalten Krieg der ganze Stolz der Sowjetarmee werden, aber da man die tauchende Zigarre ein wenig zu früh ihre Raketen abschießen lässt (quasi ein militärischer ejaculatio praecox), darf man sich schon bald mit ein paar Problemchen herumplagen, die man auf einem U-Boot nicht so gerne hat: zum Beispiel mit einem Leck im Kühlkreis des Kernreaktors, der das Boot antreibt und der in Folge dessen in die Luft zu gehen droht. Und weil man gerade recht nahe an einer NATO-Basis herumschippert und somit weit weg ist von russischer Erde, ist man erst mal auf sich allein gestellt. Weil: Die Amis anrufen und denen die Malaise zu schildern, käme politisch gesehen nicht so toll, da verliert man doch ein bisschen das Gesicht. Ein U-Boot als Atombombe neben ihren Schiffen hochgehen zu lassen, kommt aber auch nicht so gut. Und auch wenn man ein treuer russischer Volksgenosse ist, möchte man doch irgendwann mal gemütlich in der Tundra auf seiner Veranda sitzen und den Enkelkindern beim Spielen zusehen. Also sind Kreativität und Mut und Schnelligkeit gefragt. Und die Bereitschaft, das eigene Leben für das Wohl der Kameraden aufs Spiel zu setzen. Denn irgendwer muss da hinein zu diesem blöden Reaktor und das Ding wieder zusammenflicken. Die Geschichte von „K-19: Showdown in der Tiefe“ beruht auf wahren Begebenheiten. Dieses Unglücksboot, das sich noch vor dem Stapellauf den Beinamen „The Widowmaker“ verdient und diesen dann mit Havarien wie der hier beschriebenen weiter einzementiert hat, gab es tatsächlich. Natürlich werden die Ereignisse von damals stark verkürzt und dramatisiert erzählt – das ist eben Hollywood. Das eigentliche Problem des ansonsten sehr passablen, aber recht routiniert abgespulten Thrillers liegt in der Besetzung. Ich kaufe weder Harrison Ford noch Liam Neeson die russischen Offiziere ab. Da können sie sich noch so sehr mit einem pseudo-russischen Akzent abmühen (der bei Ford nach keiner nachvollziehbaren Logik kommt und geht), die Diskrepanz ist einfach da und nicht wegzuwischen.

6,0
von 10 Kürbissen

Money Monster (2016)

Regie: Jodie Foster
Original-Titel: Money Monster
Erscheinungsjahr: 2016
Genre: Thriller
IMDB-Link: Money Monster

„Money – it’s a crime. Share it fairly but don’t take a slice of my pie.“ So sangen Pink Floyd im Jahr 1973, und die Prioritäten haben sich seither nicht wirklich groß geändert außer dass Geld heute noch wichtiger ist als vor 45 Jahren und die Schere zwischen jene, die haben, und jenen, die nicht haben, noch weiter auseinandergegangen ist. Das soll hier aber nun kein wirtschaftspolitischer Essay werden. Der Filmkürbis spricht immer noch über Filme und nicht über Money, Money, Money. Das tut nämlich eh schon George Clooney als TV-Börsenguru Lee Gates in Jodie Fosters „Money Monster“. Und Lee Gates hat ein kleines Problemchen (neben der Tatsache, dass seine langjährige Produzentin Patty, gespielt von Julia Roberts, gekündigt hat): Eines Tages steht während der Live-Sendung der nicht sonderlich tiefenentspannte Kyle (Jack O’Connell) mit einer geladenen Pistole und einer kleidsamen Bombe auf der Matte. Kurz zuvor haben sich 800 Millionen Börsenwert eines Unternehmens, dass Lee empfohlen hat, aufgrund eines Computerfehler, wie die Pressesprecherin so charmant ausführt, in Luft aufgelöst. Kyle ist einer der betroffenen Aktionäre, doch es geht ihm nicht allein um sein eigenes Geld, das sich auf so mysteriöse Weise pulverisiert hat, sondern um Gerechtigkeit im Allgemeinen. Und auch Lee muss feststellen, dass irgendwas an der Sache nicht ganz koscher ist. Mit seinem Sprengstoffjäckchen und seiner Produzentin Patty im Ohr versucht er nun einerseits, seinen Geiselnehmer bei Laune zu halten, um keine vorzeitige Monetarisierung seiner Lebensversicherung zu erwirken, und andererseits, den verschwundenen 800 Millionen Dollar nachzuspüren. „Money Monster“ kann vielleicht nicht unbedingt mit einer besonders plausiblen Geschichte aufwarten, aber spannend ist diese Live-Geiselnehmung im Fernsehen allemal. Zudem mag ich George Clooney als Schauspieler irgendwie. Er wirkt für mich immer wie der nette Onkel, der auf der Grillparty die schlüpfrigen Witze erzählt, bevor er in einer deutlich zu engen Badehose, die die Tanten aufseufzen und die Herren neidisch grunzen lässt, einen formvollendeten Köpfler in den Pool macht. Auch Julia Roberts, wenngleich in ihrer Rolle sichtlich unterfordert, ist eine Bank. So ist der Film eine sympathische Angelegenheit, in der die Reichen ihr Fett abbekommen oder geläutert aus der Sache herauskommen, was wiederum für ein gutes Gefühl sorgt. Kein großes Werk, aber eines, das gut unterhält und im Anschluss den Wunsch weckt, mal wieder Pink Floyds „The Dark Side of the Moon“ einzulegen. Ein Film mit Mehrwert also.

6,5
von 10 Kürbissen

Das Mörderspiel (1982)

Regie: Sidney Lumet
Original-Titel: Deathtrap
Erscheinungsjahr: 1982
Genre: Krimi, Thriller, Komödie
IMDB-Link: Deathtrap

Michael Caine spielt in Sidney Lumets Verfilmung von Ira Levins Broadway-Hit „Deathtrap“ den ehemals sehr erfolgreichen Dramatiker Sidney Bruhl, dessen letztes Stück allerdings von der Kritik völlig zerfetzt wurde. Zu seinem Unglück kommt hinzu, dass das Stück eines ehemaligen Schülers von ihm, Clifford Anderson (Christopher Reeve), das ihm dieser mit der Bitte um ein professionelles Urteil zugeschickt hat, wohl besser ist als alles, was Bruhl noch schreiben wird. Zum Entsetzen seiner hysterischen Ehefrau Myra (Dyan Cannon) schmiedet der geschmähte Autor einen sinisteren Plan, das junge Genie zu sich ins abgelegene Landhaus einzuladen und dort zu meucheln, um sich das Manuskript unter den Nagel zu reißen. Das ist der Auftakt zu einem wahnwitzigen Spiel mit doppelten, dreifachen und vierfachen Böden. „Die Schwierigkeit beim Katz-und-Maus-Spiel ist zu wissen, wer die Katze ist“. Ein wundervolles Zitat aus „Jagd aus Roter Oktober“, das perfekt auf „Deathtrap“ passt. Die Verwicklungen, die auch recht schnell eine metaphysische Ebene erreichen, machen viel Spaß und sorgen für eine spannende Dramaturgie. Um den Knoten, den mal zuweilen ins Gehirn gedreht bekommt, mal zu verdeutlichen: Sidney Bruhl ist im Film der Autor des erfolgreichsten Broadway-Stücks der Geschichte, und „Deathtrap“ ist wiederum die Verfilmung des damals tatsächlich erfolgreichsten Broadway-Stücks von Ira Levin, und das Stück, das im Film neu geschrieben wird mit dem Titel „Deathtrap“ handelt von einem Dramatiker, der gerade eine Megapleite hingelegt hat, das Manuskript eines jüngeren Schülers in die Hände bekommt und ihn in sein Landhaus einlädt, um ihn dort zu meucheln etc. Großartig, dieses Spiel mit den Ebenen, das sowohl das Stück als auch den Film als Vertreter der Postmoderne ausweist. Auch das Schauspiel weiß zu überzeugen. Über Michael Caine muss man ohnehin nicht viel sagen, der Mann weiß immer, was er tut. Aber auch Christopher Reeve ist erfreulich weit weg von seiner Superman-Rolle und gibt einen interessanten, undurchschaubaren Widerpart ab. Lediglich gegen Ende hin übertreibt es der Film ein wenig mit seinen Absurditäten und mit dem Katz-und-Maus-Spiel, da wird dann teilweise doch etwas zu dick aufgetragen – zumal man als Zuseher aus der vorangegangenen Stunde schon etwas gelernt hat und den Braten riecht. Insgesamt aber eine sehr erfreuliche Sichtung.

(Dieser Film ist als Reiseetappe # 62 Teil meiner Filmreisechallenge 2018. Mehr darüber hier.)

7,0
von 10 Kürbissen

The Darkest Minds – Die Überlebenden (2018)

Regie: Jennifer Yuh Nelson
Original-Titel: The Darkest Minds
Erscheinungsjahr: 2018
Genre: Drama
IMDB-Link: The Darkest Minds

Irgendwie blöd für die Welt, wenn plötzlich 90% der Kinder von einer seltsamen Epidemie hinweggerafft werden und die restlichen 10% ungute Fähigkeiten entwickeln, die den Erwachsenen höchst suspekt sind (wie beispielsweise Intelligenz – wie man an den letzten Wahlergebnissen weltweit sieht, wohl der schlimmste Feind der Menschheit). Ruby (Amandla Stenberg) ist eines von den übrigen Kindern. Und ihre Fähigkeit ist besonders gefürchtet – sie kann nämlich in die Köpfe der Menschen schauen und Gedanken manipulieren. Versehentlich löscht sie sich aus den Erinnerungen ihrer Eltern und wird von denen prompt den Behörden übergeben, die alle Kinder mit speziellen Fähigkeiten in eine Art KZ einsperren. So weit, so dystopisch. Aber weil wir hier im beliebten Genre der Jugend-Dystopie sind, muss man um die Protagonistin nicht groß fürchten, die auch wieder frei kommt dank der Hilfe einer Ärztin (Mandy Moore, sichtlich erwachsen geworden), als wäre das Ganze nur ein etwas nerviges Sommercamp gewesen. Auf der Flucht schließt sie sich drei weiteren Jugendlichen an, die auf der Suche nach einem sagenumwobenen Camp der Kinder sind. Und damit nimmt die Geschichte ihren routinierten Lauf. Gleich vorweg: Ich kenne die Buchvorlage zu „The Darkest Minds“ nicht und kann daher keinerlei Angaben zur Werktreue geben. Aber ein Meilenstein an Innovation und Originalität dürfte auch die Vorlage nicht gewesen sein. Denn so gut die Ausgangsidee auch ist, erst mal alle Kinder aus dem Leben rauszufegen und die wenigen Überlebenden zu kasernieren, in weiterer Folge ist genau das relativ bedeutungslos für den Fortgang der Geschichte, die sich lieber in einer platten Romanze zweier Darsteller/innen verzettelt, die keinerlei Chemie miteinander aufweisen, und dem üblichen Wir-gegen-die-Bösen-Schmarren, wobei die Ziele aller Beteiligten höchst diffus bleiben. Ein paar nette Momente hat der Film, und Stenberg als tragende Figur macht ihre Sache gut. Aber trotzdem ist alles so banal und vorhersehbar und unoriginell, dass das Ding einfach keinen Spaß macht. Ob es trotz des offenen Endes Fortsetzungen geben wird? Wenn ja, werde ich mir sie wohl nicht ansehen.

4,0
von 10 Kürbissen

Jurassic World: Das gefallene Königreich (2018)

Regie: J. A. Bayona
Original-Titel: Jurassic World: Fallen Kingdom
Erscheinungsjahr: 2018
Genre: Abenteuerfilm, Science Fiction, Thriller
IMDB-Link: Jurassic World: Fallen Kingdom

Vor 25 Jahren musste ein nervöser Versicherungsmakler mitten im Unwetter auf einer Freizeitparkinsel dringend aufs Klo. Die Entledigung seines Abendessens war seine letzte Handlung, ehe er selbst als Abendessen im Magen eines Tyrannosaurus Rex landete. The circle of life. Jedenfalls erzitterte in jenem Jahr die Welt zum ersten Mal vor der Urgewalt der Dinosaurier. „Jurassic Park“ war und ist ein Meilenstein der Filmgeschichte, und auch heute noch sehe ich den Film unheimlich gern. Es folgen zwei weitere Jurassic Park-Fortsetzungen, die recht unterhaltsam waren, aber nicht mehr auf dem Niveau des ersten Films. Im zweiten Jahrzehnt des neuen Jahrtausends beschloss Universal etwas Bahnbrechendes und Kreatives und brachte 2015 mit „Jurassic World“ ein Re-Boot heraus. Der Film war im Grunde eine Wiederholung des ersten Jurassic Park-Films, nur mit noch fieseren Dinosauriern, die man nun extra im Labor herangezüchtet hat. Drei Jahre später bekommt die Reihe nun den nächsten Aufguss. Wieder sind Chris Pratt und Bryce Dallas Howard mit dabei, die schon in „Jurassic World“ als Dino-Appetizer durch den Dschungel gerannt sind – mit zum Teil erstaunlichem Schuhwerk. Diesmal haben sie immerhin passende Schuhe an, aber dafür tun sich in „Jurassic World: Fallen Kingdom“ an anderer Stelle Logiklöcher auf, so groß, dass da locker ein Brontosaurus durchstapfen könnte. Insider-Tipp: Auf die Story besser nicht achten. Im Grunde ist die auch rasch erzählt: Dino-Insel droht zu explodieren, Rettungsmission startet, Insel explodiert, ein paar Dinos werden gerettet und toben sich später in ihrem neuen Domizil aus. Und weil das nicht reicht, mischt auch noch eine neue Laborratte mit, die noch fieser und noch tödlicher und noch teurer ist als das Viech, das im ersten Jurassic World-Film die Insel lahmgelegt hat. „Jurassic World: Fallen Kingdom“ ist natürlich Effektkino. Am besten mit Popcorn zu genießen. Und der Film hat seine guten Momente, keine Frage. Die Szene, in der die Dinosaurier panisch vor dem Vulkanausbruch flüchten und trotzdem dem Untergang geweiht sind, ist herzerweichend. Allerdings liegt darin auch das größte Manko des Films: Die Dinosaurier, die in der ursprünglichen Trilogie noch wilde, unberechenbare Reptilien waren, werden hier immer mehr vermenschlicht. Dadurch wird die ohnehin dünne Story-Suppe noch etwas weiter verdünnt, und irgendwie verlieren die mächtigen Urzeit-Tiere dadurch auch ein wenig von ihrer Exotik, die die ersten Filme noch getragen hat. Insgesamt ist „Jurassic World: Fallen Kingdom“ ein unterhaltsamer, spannender Film, hat aber unübersehbare Schwächen, die mir schon das Vergnügen ein bisschen verhagelt haben. Vielleicht sollte man das Mesozoikum auch einfach mal ruhen lassen.

5,0
von 10 Kürbissen