Drama

Other People’s Children (2022)

Regie: Rebecca Zlotowski
Original-Titel: Les enfants des autres
Erscheinungsjahr: 2022
Genre: Drama, Liebesfilm
IMDB-Link: Les enfants des autres

Rachel (Virginie Efira) ist Lehrerin, 40, unverheiratet und eigentlich ganz zufrieden mit ihrem Leben. Ihre Liaison mit dem Gitarrenlehrer und Automobiltechniker Ali (Roschdy Zem) läuft gut an – es deutet sich ein Wendepunkt an in ihrem Leben. Nun ist es so, dass Ali aus seiner früheren Beziehung eine entzückende, vier Jahre (nein, viereinhalb, das halbe Jahr ist wichtig, wie Rachel beim ersten Kennenlernen festhält) alte Tochter namens Leila hat. Patchwork-Familien sind ja heute kein großes Ding mehr, und mit der Zeit festigt sich das Beziehungsdreieck Rachel-Ali-Leila. Es könnte alles so einfach sein, ist es aber nicht – das wussten schon die Fantastischen Vier, und das weiß auch Regisseurin und Drehbuchautorin Rebecca Zlotowski. Denn Rachel fühlt, dass ihre Uhr tickt; das bestätigt auch der Gynäkologe (mit viel augenzwinkerndem Humor gespielt von Frederick Wiseman). Möchte Rachel noch eigene Kinder haben, sollte sie mal ein bisschen Gas geben. Der Mann wäre ja jetzt schon da, aber hat ein weiteres Kind in dieser Familie noch Platz? Wie fragil dieses Familiengebilde ist, erfährt Rachel immer wieder selbst am eigenen Leib, wenn beispielsweise Leila ihren Vater lautstark fragt, warum denn Rachel so oft bei ihnen wäre, sie solle doch mal wieder gehen. Es sind diese kleine Verletzungen, aus denen große Verunsicherungen entstehen, und Virginie Efira, eine Batzenschauspielerin, gelingt es, diese Verunsicherungen mit präzisem, einfühlsamem Spiel sichtbar werden zu lassen. Ihre Rachel ist eine erfolgreiche, gut aussehende, selbstbewusste Frau, die aber begreift, dass dies alles womöglich nicht ausreicht, um Herzenswünsche wahr werden zu lassen. In Efiras Gesicht spiegelt sich das Drama, das in ihrer Figur tobt – der Wunsch, den eigenen Bedürfnissen nachzukommen und die zunehmende Unsicherheit, ob dies gelingen kann, wird in Zaum gehalten von dem Versuch, sich die Würde zu bewahren und das Leben weiter positiv zu sehen. Das ist schon große Schauspielkunst. Da wir aber immer noch in einem französischen Film sitzen, geht alles mit Leichtigkeit vonstatten und wird von fröhlicher Musik untermalt. So sind sie halt, die Franzosen. Hätte man einen Ulrich Seidl auf die Thematik losgelassen, frage nicht – die Telefonseelsorge hätte nach der Sichtung Überstunden schieben müssen. Aber so kann man sich entspannt zurücklehnen in dem Wissen, dass es am Ende so etwas wie eine Katharsis gibt, wenn auch nur im Kleinen.

7,0 Kürbisse

(Foto: (c) Viennale)

Father’s Day (2022)

Regie: Kivu Ruhorahoza
Original-Titel: Father’s Day
Erscheinungsjahr: 2022
Genre: Drama
IMDB-Link: Father’s Day

Man könnte ja meinen, es gibt keine anderen Erkrankungen mehr als COVID. Doch ich kann bestätigen: Auch eine hundsordinäre Verkühlung kann einem die Viennale verhageln. Jedenfalls den Nationalfeiertag. Einen Tag später ist der Kürbis eures Vertrauens zumindest wieder fit genug, um sich Kivu Ruhorahozas (kein Finne!) Film „Father’s Day“ anzusehen. Um dann doch wieder ins Grübeln zu kommen, ob nicht alles irgendwie gerade COVID ist. Der Film spielt während der Pandemie, und eines muss man ja sagen: Was die Maskendisziplin betrifft, so kann sich der „besorgte Bürger“ hierzulange einiges abschauen von den Menschen in Ruanda, die den Fetzen sogar pflichtbewusst draußen in der Pampa tragen. Aber darum geht’s ja eigentlich nicht. Sondern um zwei Frauen, die beide großen Kummer mit sich tragen. Da wäre die Mutter Zaninka (Mediatrice Kayitesi), die ihren Sohn bei einem Unfall verloren hat und sich in ihrer Trauer von ihrem Mann distanziert. Da wäre auch die junge, reiche Mukobwa (Aline Amike), die ihrem lungenkranken Vater das Leben retten könnte, indem sie einen Teil ihrer Lunge spendet. Doch kann sie sich nicht zu diesem Entschluss durchringen. Ein dritter Erzählstrang schließlich folgt dem Kleinganoven Karara (Yves Kijyana), der ein Aggressionsproblem mit sich herumträgt und seinen kleinen Sohn wie einen Soldaten formen möchte. All diese Geschichten eint, dass – vielleicht auch verstärkt durch die Pandemie und die Umwälzungen, die diese auslöst – das althergebrachte Bild des Patriachats zu bröckeln beginnt. Die Frauen sowie die nächste Generation begehren leise auf gegen die gottgegebene Ordnung, dass nur der (starke) Mann das Sagen hat. Besonders schön ist dies zu erkennen, wenn sich der kleine Kadogo (Cedric Ishimwe mit einer intensiven Darstellung) seinem Vater widersetzt, indem er den gestohlenen Hundewelpen, nachdem er mit ihm gespielt hat, heimlich zu seinen Besitzern zurückbringt. Auf diese kleinen Momente muss man aufpassen, denn darin verbirgt sich die Geschichte, die Ruhorahoza erzählen möchte. Insgesamt ist das alles vielleicht einen Tick zu indirekt um die Ecke gedacht, und die Handlungsstränge brauchen wohl auch zu lang, um zusammenzulaufen und ein Ganzes zu ergeben. Dennoch ist „Father’s Day“ ein interessanter Blick auf die Gesellschaft von Ruanda und die subtilen Veränderungen, die sie durchläuft. (Oder ist dies ein Wunschdenken des Regisseurs?) Fazit: Durchaus sehenswert.

6,0 Kürbisse

(Foto: (c) Viennale)

Aftersun (2022)

Regie: Charlotte Wells
Original-Titel: Aftersun
Erscheinungsjahr: 2022
Genre: Drama
IMDB-Link: Aftersun

Jetzt geht der Wahnsinn wieder los. Treue Leser:innen dieses Blogs kennen meinen Hang zum Exzess, wenn es um das wichtigste Wiener Filmfestival, die Viennale, geht. Mit Schaudern erinnert man sich vielleicht an den Versuch vor einigen Jahren, mein Hirn mit über dreißig Filmen in zwei Wochen zu Matsch zu verarbeiten. Ich verspreche aber: Ich gehe es heuer ruhiger an. So wie Charlotte Wells in meinem Auftaktfilm „Aftersun“, die sehr unaufgeregt von einem Vater-Tochter-Urlaub in einem türkischen Urlaubsresort erzählt. Die Kamera ist nah an Sophie (Frankie Corio mit einer vielversprechenden Talentprobe) und Calum (Paul Mescal) dran, es passiert nicht viel. Die Geschichte findet in den Lücken statt. Immer wieder blitzt in stroboskopischem Gewitter das Gesicht der erwachsenen Sophie auf, die den Blick zurück wirft. Der Urlaub ist längst Vergangenheit und Erinnerung. So ist die Geschichte dieses Urlaubs in einem intimen Blickwinkel erzählt, passend dazu einige verwackelte Aufnahmen von einem Camcorder, wenn Sophie versucht, sich auf diese Weise ihrem Vater zu nähern. Es sind die Annäherungen und das zwischenzeitliche Scheitern daran, woran Wells interessiert ist. Familie ist kompliziert, vor allem, wenn der Vater offensichtlich im regulären Familienleben keinen festen Platz mehr hat und unbeholfen versucht, sich wieder in die Rolle einzuarbeiten. Man kann den Film unspektakulär und langweilig nennen, aber dennoch berührt er auf einer tieferen Ebene. Man merkt die Bedeutung dieser Erinnerung und spürt das Fehlen des Vaters im Leben der heutigen Charlotte. Ein poetischer, durchaus gelungener Auftakt.

6,5 Kürbisse

(Foto: (c) Viennale)

Sonne (2022)

Regie: Kurdwin Ayub
Original-Titel: Sonne
Erscheinungsjahr: 2022
Genre: Drama
IMDB-Link: Sonne

Drei Teenager-Mädels twerken im Hijab und singen dazu „Losing My Religion“ von REM. Zwei Faktoren dabei sorgen dafür, dass diese Geschichte nicht einfach an dieser Stelle aufhört, sondern eine Eigendynamik entwickelt: Faktor 1: Nur eines der Mädchen ist Kurdin und trägt tatsächlich aus religiösen Gründen Hijab, nämlich Yesmin, die zentrale Figur der Geschichte. Faktor 2: Das witzige Video, das die drei Mädchen dazu drehen, geht auf Youtube und schon bald viral. Das sorgt natürlich für allerlei Aufmerksamkeit. Wer nun aber erwartet, dass sich „Sonne“, das Regiedebüt von Kurdwin Ayub, die eigene Erfahrungen in den Film hat einfließen lassen, in Richtung eines moralisierenden Zeigefingers bewegt, der die Strenge religiöser Vorschriften anprangert und Yesmin als Gefangene ihrer Kultur darstellt, irrt gewaltig. Klar, mit der protektiven Mutter gibt es ein wenig Stress, die findet die ganze Geschichte nicht so leiwand. Aber schon der Vater ist ein gemütlicher Haberer, der die Mädchen in ihrem Tun unterstützt und sich gleich mal als größter Fan outet. Gerade diese Unaufgeregtheit, was Kultur, Religion und Herkunft betrifft, macht „Sonne“ zu einem gelungenen Beitrag zum Thema Integration und miteinander statt nebeneinander leben. Dass der Fokus des Films aber nicht einmal auf diesem Aspekt liegt, sondern mehr an der Freundschaft der drei Mädchen und den ersten Reifeprüfungen des Lebens, die diese bestehen müssen, macht den Film noch mal interessanter. Und dass schließlich „Sonne“ so genuin die Welt der Jugend von heute in den Film einwebt, durch verwackelte Handyaufnahmen, Tiktok-Videos und authentische Jugendsprache, ist das ganz große Plus. Hier hat jemand wirklich zugehört und die Jugend von heute mal einfach ihr Ding machen lassen. So alte Säcke wie ich können dabei viel lernen. „Sonne“ ist in diesem Sinne weit mehr als eine übliche Coming-of-Age-Geschichte. Der Film gewährt uns Außenstehenden einen Blick in die Jugend von heute, der nicht verstellt ist von Vorurteilen und Klischees.

7,5 Kürbisse

(Bildzitat: Quelle http://www.imdb.com)

Corsage (2022)

Regie: Marie Kreutzer
Original-Titel: Corsage
Erscheinungsjahr: 2022
Genre: Biopic, Drama, Historienfilm
IMDB-Link: Corsage

In den vergangenen Jahren ist es offenbar in Mode gekommen, heroisch verklärte Frauenfiguren aus der Geschichte zu sezieren und in ein neues (nicht immer vorteilhaftes) Licht zu rücken. Pablo Larraín hat es in dieser Kunstform zu erklärter Meisterschaft gebracht und uns originelle Filme wie Spencer beschert, und zuletzt hat Andrew Dominik aufhorchen lassen, indem er Marilyn Monroe in Blond durch die sieben Kreise der Hölle geschickt hat. Marie Kreutzer reiht sich nahtlos in diese Riege ein. Ihre Kaiserin Elisabeth, romantisch mit kiloweise rosa Kitschpulver in den Sissi-Filmen bestäubt, wird hier als sehr eigenständige, eigensinnige, vom Hofzeremoniell angeödete und des Lebens verdrossene Melancholikerin dargestellt. Die Parallelen zu Prinzessin Diana in „Spencer“ sind unübersehbar – beide Filme zielen in die gleiche Richtung: Das scheinbar glamouröse Leben der Monarchinnen wird Schicht für Schicht abgetragen, bis der innerste, verwundbare und auch schon schwer verwundete Kern der Seele übrigbleibt. Sisi- und Romy Schneider-Fans mögen Schnappatmung bei diesem Vorgang finden, und ja, Vicky Krieps bringt nichts von dieser unschuldig-zärtlichen Anmut einer Romy Schneider in die Rolle ein, aber nichtsdestotrotz (oder gerade deshalb) funktioniert sie als Kaiserin Elisabeth hervorragend – wenn man sich von dem Gedanken verabschiedet, ein klassisches Biopic zu sehen. Denn das ist „Corsage“ nicht, das will der Film auch gar nicht sein. Einsprengsel von modernen Elementen, die fast so wirken, als hätte das Produktionsteam schlicht vergessen, diese aus dem Bild zu nehmen (ein modern wirkender Traktor, ein im Gang herumstehender Wischmop aus türkisem Plastik, oder aber auch ein Song aus den 60ern, der auf einer Geige gezupft wird oder etwas gar verfrühte Filmaufnahmen), deuten auf eine Metaebene hin. Kaiserin Elisabeth ist hier sinnbildlich zu nehmen für den Kampf aller Frauen, sich von ihrem zu eng geschnürten gesellschaftlichen Korsett zu befreien. So ist der Film vielleicht etwas anstrengend und manchmal auch irritierend, bleibt aber aufgrund seiner Doppelbödigkeit stets interessant. Ich glaube, auch Romy Schneider hätte er gut gefallen.

7,0 Kürbisse

(Bildzitat: Quelle http://www.imdb.com)

Blaze (2022)

Regie: Del Kathryn Barton
Original-Titel: Blaze
Erscheinungsjahr: 2022
Genre: Drama
IMDB-Link: Blaze

SLASH Festival. Jedes Jahr ein Fixpunkt in Österreichs Filmlandschaft. Hier werden fantastische, absurde, dystopische, groteske und erschreckende Filme gezeigt, die allesamt vereint, dass sie dem Naturalismus abschwören und eigene Wege gehen, die auf verschlungenen Pfaden ins Herz der Finsternis führen. So auch „Blaze“, das Langfilmdebüt der australischen Malerin Del Kathryn Barton. Das Thema des Films ist durchaus realistisch: Die zwölfjährige Blaze wird zufällig Zeugin einer Vergewaltigung mit Totschlag und davon, was absolut nachvollziehbar ist, stark traumatisiert. Trost spendet ihr – und hier kommt nun Bartons eigener Weg zum Vorschein – eine bunte, glitzernde Drachenlady in ihrem Schlafzimmer. „Blaze“ ist ein Traumabewältigungsfilm, der sein Thema nicht auf die leichte Schulter nimmt, aber dennoch einen sehr eigenen Zugang findet. In dieser Vermengung von tragischer Realität und Fantasie erinnert er an den grandiosen Film Die Beste aller Welten, ohne aber dessen Eindringlichkeit zu erreichen. Dafür wirkt „Blaze“ verspielter, und schon bald wird klar, dass der Film auch eine Allegorie auf das Erwachsenwerden durch den Verlust der Unschuld ist. Das alles in bunten, knalligen Farben, wie man sich halt die Fantasiewelt einer Zwölfjährigen vorstellt. Gerade in der Bildkomposition zeigt sich Bartons Hintergrund als Malerin. Der Film geht visuell Wagnisse ein, die aber fast alle aufgehen. Darunter legt sich ein Soundteppich, der verschiedenste Musikgenres ineinandergreifen lässt. Man könnte nun kritisch anmerken, dass es vielleicht ein bisschen zu viel von allem ist, zu gewollt, aber der Film funktioniert dennoch. Was nicht zuletzt an der überragenden Nachwuchsdarstellerin Julia Savage liegt, die ihrer Blaze Facettenreichtum und Tiefe verleiht. Man sollte sich diesen Namen merken.

7,5 Kürbisse

(Bildzitat: Quelle http://www.imdb.com)

Blond (2022)

Regie: Andrew Dominik
Original-Titel: Blonde
Erscheinungsjahr: 2022
Genre: Biopic, Drama
IMDB-Link: Blonde

„Sie wollte blond wie eine Semmel sein, blond, blonder als der Sonnenschein …“ Dieses hochlyrische Werk haben wir Rainhard Fendrich, Säulenheiliger des Austropops, zu verdanken. Ob er beim Texten dieser tiefsinnigen Zeilen an Marilyn Monroe gedacht hat, ist nicht überliefert. Möglich wär’s. Denn die war bekanntermaßen auch keine Naturblondine, sondern hat mit viel Wasserstoff nachgeholfen. So wie Ana de Armas, die auch eher dem Typ „glutäugige Latina“ entspricht, sich aber mutig in die ikonische Rolle stürzt. Und siehe da – es funktioniert! Gelegentlich blitzt ein wenig der lateinamerikanische Akzent durch, aber geschenkt. Ana de Armas macht einen herausragenden Job, ihre Marilyn Monroe ist zutiefst ge- und verstört, verletzlich, fast schon mythisch, jedenfalls ätherisch. Aber hoppla – wo bleiben die guten Seiten der Frau, die als Norma Jeane Mortenson geboren wurde, ehe sie zur Legende ihrer Zeit aufstieg? Ist dieses Biopic von Andrew Dominik nicht etwas einseitig, gar entwürdigend geworden? Ganz ehrlich – jeder Ulrich Seidl-Film erscheint dagegen wie ein Feelgood-Movie. Man muss jedoch erst einmal mit einem Missverständnis ausräumen. Andrew Dominik hat nämlich kein Biopic gedreht, auch wenn das Label draufsteht. „Blond“ ist vielmehr eine episodenhafte, kunstvoll verspielte und horrorartige Abrechnung mit dem Publikum selbst. Der Film greift alle Gerüchte und Klischees auf, die man von Marilyn Monroe zu kennen glaubt, und verzerrt sie ins Groteske. Das ist schmerzhaft anzusehen, denn der Film hält uns einen Spiegel vor. „Ihr wolltet in den Abgrund starren? Doch passt auf, der Abgrund starrt auf euch zurück“, ruft uns der Film zu, und Nietzsche kichert leise im Hintergrund, während sich Freud besorgt die Brille aufsetzt. Man muss schon viel Geduld mitbringen, denn „Blond“ ist gegen jede Sehgewohnheit gebürstet und auch mit seiner Länge von 166 Minuten nichts, was man mal nebenbei konsumiert. Ich könnte allerdings nicht einmal mit gutem Gewissen behaupten, dass der Film die volle Konzentration der Zuseher:innen erfordert, denn mehr als auf einer intellektuellen Ebene spielt er sich auf der Ebene der Sinne ab. Es ist ein Film, in den man sich einfach fallen lassen muss. Gelingt das, ist er großartig. Gelingt das nicht, ist er Mist und Zeitverschwendung. Und so kann ich auch die vielen negativen Stimmen nachvollziehen, aber mich hat er – nach einigen Startschwierigkeiten, bis ich mich eingefunden habe in diese ganz spezielle Stimmung, die es für die Sichtung braucht – dann trotz seiner Länge(n) gepackt.

8,0 Kürbisse

(Bildzitat: Foto von Matt Kennedy/Matt Kennedy/NETFLIX – © 2022 © NETFLIX, Quelle http://www.imdb.com)

Falling Leaves (1912)

Regie: Alice Guy
Original-Titel: Falling Leaves
Erscheinungsjahr: 1912
Genre: Kurzfilm, Drama
IMDB-Link: Falling Leaves

Basierend auf einer Kurzgeschichte von O Henry, der selbst auch das Drehbuch zu diesem Kurzfilm geschrieben hat, erzählt Filmpionierin Alice Guy-Blaché von dem jungen Mädchen Trixie, das die Hiobsbotschaft, ihre Schwester würde an Tuberkulose versterben, wenn das letzte Blatt vom Baum gefallen ist, nicht hinnehmen möchte. Also macht sie sich auf den Weg, um ihre Schwester zu retten. „Falling Leaves“ ist sicherlich ein Rührstück und im Vergleich zu O Henrys Geschichte auch arg verkürzt, aber darüber sieht man gerne hinweg, finden sich doch in diesen etwa 12 Minuten genug schöne Momente, die zeigen, warum Alice Guy-Blaché ein solch hohes Ansehen unter Filmfans genießt. Es sind diese fast beiläufigen Dinge, wie zum Beispiel, als sich die Mutter, vor Schmerz gekrümmt, kurz wegdreht, als die kranke Winifred am Piano zu spielen beginnt, die den Film interessant machen. Auch der Versuch der kleinen Trixie, die herabgefallenen Blätter wieder am Baum zu befestigen, um ihrer Schwester Zeit zu verschaffen, ist einfühlsam in Szene gesetzt. Und auch die Darsteller:innen machen durch die Bank einen guten Job. Diese 12 Minuten Zeit kann man durchaus einmal investieren, wie ich finde.

6,5 Kürbisse

(Bildzitat: Quelle http://www.imdb.com)

Das Licht, aus dem die Träume sind (2021)

Regie: Pan Nalin
Original-Titel: Last Film Show
Erscheinungsjahr: 2021
Genre: Drama
IMDB-Link: Last Film Show

Von Pan Nalin habe ich vorher noch nie gehört, und so lag es an meinem Film-Buddy Der Filmgenuss, dass mir a) diese filmische Lücke bewusst wurde und ich b) sie sogleich schließen konnte. Bei Pan Nalin handelt es sich um einen renommierten indischen Filmemacher, der sich weit abseits kitschiger Bollywood-Filme bewegt. In „Last Film Show“ (auf Deutsch etwas schwülstig „Das Licht, aus dem die Träume sind“) lässt er den Sohn eines mittellosen Teeverkäufers aus der Provinz die Liebe zum Kino entdecken. Nachdem er aus einer Kinovorführung rausgeworfen wird, da er sich kein Ticket leisten konnte, freundet sich der junge Samay mit dem Vorführer Fazal an, der ihn die Geheimnisse lehrt, wie man das Licht fängt und daraus bewegte, tanzende Bilder entstehen lässt. Das klingt alles nach „Cinema Paradiso“ von Giuseppe Tornatore, ist aber dann doch etwas sehr Eigenes. Denn Pan Nalin würdigt nicht nur die Magie des Films, sondern gleichermaßen die analoge Technik, die dahintersteckt. Sein Samay (grandios gespielt von Nachwuchsdarsteller Bhavin Rabari) zeichnet den Weg des Films von Anfang an nach, als wäre er der 100 Jahre zu spät und auf dem falschen Kontinent geborene dritte Bruder Lumière. Mit Witz und Kreativität bauen er und seine Freunde schon bald die Apparate nach, die für eine solche Verzauberung sorgen. „Last Film Show“ ist ein sinnlicher Film, was nicht nur an der Weise liegt, wie Pan Nalin selbst das Licht einfängt und kunstvolle Tableaus kreiert, sondern auch daran, dass wirklich alle Sinne berührt werden – durch die Musik, die die Bilder perfekt untermalt, durch das fast schon erotische Zubereiten der dampfenden Speisen durch Samays Mutter, deren Düfte man förmlich durch die Leinwand riechen kann, durch die Hitze des indischen Subkontinents, die man auf der Haut zu spüren meint. Ein rundum schönes Erlebnis, eine Hommage an das Kino (mit gewitzt eingebauten Zitaten, die sich beispielsweise vor Stanley Kubrick oder Andrei Tarkowski verbeugen) und einer jener Filme, die nicht nur die Leinwand, auf der sie zu sehen sind, würdigen, sondern diese gar brauchen.

7,5 Kürbisse

(Bildzitat: Quelle http://www.imdb.com)

Der Engländer, der in den Bus stieg und bis ans Ende der Welt fuhr (2021)

Regie: Gillies MacKinnon
Original-Titel: The Last Bus
Erscheinungsjahr: 2021
Genre: Drama, Roadmovie
IMDB-Link: The Last Bus

Hach, ich hab’s hier ja schon öfter geschrieben, aber diese deutschen Titel … Was im englischen Original kurz und knackig „The Last Bus“ heißt, wird bei uns als „Der Engländer, der in den Bus stieg und bis ans Ende der Welt fuhr“ vermarktet. Demnächst im Kino zu sehen: „Die Polynesierin, die beim Krabbenessen die Antwort auf die Frage nach dem Leben, dem Universum und dem ganzen Rest fand, nach New York zog, wo sie eine bedeutende Wissenschaftlerin wurde, ehe sie in ihr Heimatdorf zurückkehrte und dort den Stammesvorsitz übernahm“ oder auch „Der Mistelbacher, der den Zug nahm, um in die große Stadt zu seiner Arbeitsstätte zu fahren, wo er den Tag bis zum Abend verbrachte und wieder nach Hause fuhr“. Diese Titel blähen einen Text einfach unnötig auf. Ihr merkt es selbst – so viele Zeilen und noch kein einziges Wort zu Gillies MacKinnons Roadmovie der entschleunigten Art. Darin macht sich ein über 90jähriger Rentner auf den Weg vom äußersten Zipfel Schottlands zum äußersten Zipfels Südengland, und das mit dem Bus. Man möchte meinen, Zeit hat der alte Knabe ja genug, aber genau die wird ihm knapp, was natürlich für Stress sorgt, wenn die Dinge nicht nach Fahrplan laufen. Aber immerhin gibt es dadurch ausreichend Möglichkeiten für zwischenmenschliche Begegnungen. Genau die entpuppen sich aber als größter Schwachpunkt des gutgemeinten, aber mäßig ausgeführten Rührstücks. Denn diese Begegnungen wirken beliebig, klischeeüberladen und tragen zur Entwicklung der Figur von Tom, dem reisenden Rentner, nichts bei. Er ist am Ende der Reise der gleiche wie zu Beginn. Immerhin erlauben es diese Szenen Timothy Spall, sein ganzes Können zu zeigen. Der Mitte 60jährige spielt den über 90 Jahre alten, gebrechlichen Tom mit Leib und Seele. In keinem Moment zweifelt man an, dass in der Rolle ein knapp 30 Jahre jüngerer Schauspieler steckt. Wobei, so eine große Kunst ist das vielleicht auch nicht. Nach einer Stunde Badminton nach längerer Pause schaue ich 40jähriger auch aus wie Mitte 70. Vielleicht war das Spalls Geheimnis, um in diese Rolle zu schlüpfen. Jedenfalls macht er seine Sache gut, und seine Darstellung hätte ein ebenbürtiges Drehbuch verdient gehabt.

5,5 Kürbisse

(Bildzitat: Foto von Scott Garfield – © 2022 CTMG, Quelle http://www.imdb.com)