Drama

Knives and Skin (2019)

Regie: Jennifer Reeder
Original-Titel: Knives and Skin
Erscheinungsjahr: 2019
Genre: Thriller, Drama, Fantasy
IMDB-Link: Knives and Skin

Der Film beginnt damit, dass ein Teenager-Mädel von ihrem Boyfriend nächtens ins Gemüse an einen beschaulichen See gekarrt wird. Dort findet man rasch zueinander, doch auf das Drängen des jungen Beaus, der sichtlich mehr will, reagiert die junge Dame nicht so positiv. Das wiederum lässt der hormongesteuerte Heißsporn nicht auf sich sitzen. Er stößt das Mädchen weg, das sich den Kopf blutig schlägt, und rast panisch davon. Und das ist das letzte Mal, dass Carolyn Harper lebendig gesehen wurde. Was Jennifer Reeder in „Knives and Skin“ dann aus dieser Prämisse macht, ist außergewöhnlich. Denn sie wählt nicht die einfachen, naheliegenden Verarbeitungsmöglichkeiten im Rahmen eines Verlust-Dramas oder eines Thrillers, sondern sie mischt die Zutaten dieser Genres wild zusammen mit Coming of Age-Themen, mit Popkultur, Mystery-Elementen und 80er-Chic. Eine derart arg zusammengewürfelte Melange kann auch rasch schiefgehen, zumal es hier keine klar definierten Hauptfiguren gibt. Eine groß aufspielende Marika Engelhardt als Mutter der Vermissten, die die Tragödie nicht so recht wahrhaben, geschweige denn verarbeiten kann, ist vielleicht noch das emotionale Zentrum des Films. Aber Reeder geht es um andere Aspekte: Um Beziehungsgeflechte, um das alte Thema des Erwachsenwerdens, um Emanzipation und Liebe, um Lust, um das ständige Beobachtenwerden in der Kleinstadt. Und wie die Balance ins Wanken gerät, wenn von außen eine Tragödie in die fragilen Beziehungen getragen wird. Das alles ist recht plakativ und zuweilen schrill in Szene gesetzt – und das ist vielleicht nichts für jedermann oder jederfrau. Mir hat „Knives and Skin“ aber gefallen. Jennifer Reeder versucht mit dem Film, sehr eigene und persönliche Wege zu gehen, und auch wenn der Film zuweilen ein bisschen wirkt, als wären die einzelnen Teile darin interessant, während das große Ganze aber undifferenziert und vage bleibt, als wäre es nicht ganz zu Ende gedacht worden, so bin ich diese Reise sehr gerne mitgegangen.

7,0
von 10 Kürbissen

(Foto: Viennale)

Ein leichtes Mädchen (2019)

Regie: Rebecca Zlotowski
Original-Titel: Une fille facile
Erscheinungsjahr: 2019
Genre: Drama, Erotik
IMDB-Link: Une fille facile

Eine der offenen Fragen der Menschheit: Wieviel wiegt so ein leichtes Mädchen eigentlich? Rebecca Zlotowski gibt darauf in ihrem neuen Film auch keine Antwort. Immerhin ist ihr mit der Besetzung ein Coup gelungen, der dafür sorgt, dass der Film ins Gespräch kommt, auch wenn er keine Antworten auf die schwerwiegenden Fragen geben kann: Mit Zahia Dehar verpflichtete die Regisseurin jene junge Dame, die vor einigen Jahren als minderjährige Prostituierte mit ein paar französischen Fußball-Stars unter die Bettdecke gehüpft ist. Sie spielt nun jenes leichte Mädchen, das sich in Cannes von älteren Herren auf Luxusyachten aushalten lässt. Als Kontrapunkt: Newcomerin Mina Farid als 15jährige Kusine, die als Anhängsel der lebensfrohen jungen Frau einen Sommer lang ebenfalls die Luft von Reich & Schön schnuppern darf, während sie die Entscheidung, welche Richtung ihr Leben nehmen soll, auf die lange Bank schiebt. Wäre der Film von einem Mann gedreht worden, hätte der erste empörte Hinweis auf einen „male gaze“ in Anbetracht der Inszenierung von Frau Dehars üppiger Oberweite nicht lange auf sich warten lassen. Auch eine der Grundprämissen des Films, nämlich dass Freiheit und Luxus durch Sex erlangt werden (können), wäre wohl heftiger diskutiert worden. Und dann schrammt der Film auch noch knapp an einem Lolita-Revival vorbei, denn die 15jährige Naima entwickelt ein Interesse am etwa fünfzigjährigen Philippe (Benoit Magimel), dem Mitarbeiter des Lebemannes und Yacht-Besitzers Andres Monteiro (Nuno Lopes), der die schöne Kusine vernaschen darf und sie dafür mit viel Blingbling in Form von sündteuren Handtaschen und Uhren entlohnt. Wie gesagt, wäre der Film von einem fünfzigjährigen Mann gedreht worden, hätte man erotische Gelüste hinein interpretieren können (ob nun zurecht oder nicht). Da der Film aber von einer Frau geschrieben und inszeniert wurde, scheint sich diese Diskussion zu erübrigen. Das macht den Film schon mal per se interessant. Allerdings schützt es ihn nicht davor, in einige wirklich unangenehme Klischee-Fallen zu tappen. Die Handlung ist so vorhersehbar wie das Ergebnis, wenn man sich zwei Stunden lang ohne Sonnenschutz an den Strand der Cote d’Azur setzt. Man hat das Gefühl, den Film bereits bei der ersten Sichtung mitsprechen zu können. Zwei- oder dreimal gelingt es der Regisseurin, kurz aus den bekannten Mustern auszubrechen, aber das reicht nicht aus, um den Film wirklich sehenswert zu machen. Am Ende ist es eine 08/15-Story mit prallen Brüsten und hübschen Booten.

5,0
von 10 Kürbissen

(Foto: Viennale)

Nachmittag (2007)

Regie: Angela Schanelec
Original-Titel: Nachmittag
Erscheinungsjahr: 2007
Genre: Drama
IMDB-Link: Nachmittag

Noch einmal Angela Schanelec. Gleich im Anschluss zu ihrem Marseille zeigte die Viennale im Rahmen der Monografie den Film „Nachmittag“ aus dem Jahr 2007. Lose basierend auf Motiven von Tschechows „Die Möwe“ erzählt Schanelec von sechs Menschen, die in einem Ferienhaus am See voneinander wegdriften. Da wäre einmal die Theaterschauspielerin Irene, gespielt von Angela Schanelec selbst, die mit ihrem neuen Freund Max (Mark Waschke) ihren älteren Bruder Alex (Fritz Schediwy) besucht. Ihr Sohn Konstantin (Jirka Zett), ein Schriftsteller, wohnt bei ihm. Dazu kommt noch Konstantins Nachbarin und Freundin Agnes (Miriam Horwitz) und deren junge Schwester Mimmi (Agnes Schanelec), die irgendwie als Bindeglied zwischen den Figuren herhalten muss. Man trifft sich auf der Terrasse, schaut den im Wind wogenden Blättern zu und rezitiert Sätze, die so gestochen sind, dass selbst Tschechow Ewigkeiten an ihnen gefeilt hätte. Da ist sie wieder, die Schanelec’sche Lebensbühne. Anders als in „Marseille“ geht hier die Rechnung aber nicht auf. Denn eingesperrt in diesen kleinen Raum mit fast keinem Bewegungsradius und auch kaum einer Möglichkeit, Emotionen in die scharfkantigen Sätze zu legen, bemühen sich die Schauspielerinnen und Schauspieler zwar nach Kräften, das Werk am Laufen zu halten, werden aber vom Drehbuch erdrückt, das ein bisschen mehr sein will als es letztlich ist. Vielleicht gehen die Verletzungen, die sich die Figuren zufügen, einfach nicht tief genug, sind vielleicht zu banal, als dass der Film das Ende, auf das er letztlich zusteuert, rechtfertigen könnte.  Vielleicht liegt es auch daran, dass alle Figuren den gleichen Schwermut in sich tragen und somit undifferenziert bleiben. Auch wenn ich die künstlerische Intention hinter dem Film erkennen kann, ist „Nachmittag“ leider nur in seltenen Fällen interessant.

4,5
von 10 Kürbissen

(Foto: Viennale)

Marseille (2004)

Regie: Angela Schanelec
Original-Titel: Marseille
Erscheinungsjahr: 2004
Genre: Drama
IMDB-Link: Marseille

Die Berliner Schule. Zusammengefasst kann man die so beschreiben: Menschen gehen in Bars oder stehen am Fenster, schweigen sich minutenlang an, um dann einen höchst philosophischen Satz von sich zu geben, der von ihrem Gegenüber (in der Bar oder auf dem Nachbarbalkon) eine vielsagende Replik erfährt. Dann wird wieder geschwiegen, und gelegentlich rauscht der Wind durch die Blätter. Am Ende fährt jemand mit dem Auto. Angela Schanelec ist im besten wie im schlimmsten Sinne eine würdige Vertreterin dieser Filmströmung. Mal funktioniert das Konzept für mich (siehe Orly), mal nicht (siehe Mein langsames Leben). „Marseille“ aus dem Jahr 2004 gehört zu den Filmen, die mich interessiert haben und mein Interesse halten konnte, auch wenn 1,5 Stunden lang nichts passiert. Die Berliner Fotografin Sophie (Maren Eggert) fährt für zwei Wochen nach Marseille, weil sie mit einer Marseillerin die Wohnung getauscht hat. Sie trifft auf den charmanten Mechaniker Pierre (Alexis Loret) und spaziert durch die Stadt. Eine bloße Existenz ohne Verpflichtungen, aber auch ohne Antrieb. Schnitt. Zurück in Berlin schlägt sie sich mit dem Alltag herum, mit den Beziehungsproblemen ihrer besten Freundin (Marie-Lou Sellem) mit ihrem Freund (Devid Striesow). Der Alltag besteht aus Missverständnissen und Nichtigkeiten. Eine Sehnsucht schleicht sich auf leisen Füßen in die Szenerie. Und das wäre dann auch schon der ganze Film. Inszeniert ist das alles – wie für Schanelec üblich – in den Dialogen höchst artifiziell. Das Leben als Theater. Wenn man sich darauf einlassen kann, entdeckt man in den Zwischenräumen das, worauf Angela Schanelec (vielleicht) hinauswollte: Die Schwierigkeit, Kontakt zu anderen Menschen aufzunehmen und diesen zu halten, denn überall lauert das Missverständnis, die Nichtigkeit, der Alltag eben. Wenn man sich aber nicht darauf einlassen kann, wird so ein Film allerdings zu einer extrem mühsamen Angelegenheit.

6,0
von 10 Kürbissen

(Foto: Viennale)

Nona. If they soak me, I’ll burn them (2019)

Regie: Camila José Donoso
Original-Titel: Nona. Si me mojan, yo los quemo
Erscheinungsjahr: 2019
Genre: Drama
IMDB-Link: Nona. Si me mojan, yo los quemo

Wenn eine originelle und amüsante Prämisse, nämlich dass sich eine lebenslustige Mittsechzigerin ihres Frusts auf den Exmann mittels eines Molotow-Cocktails entledigt, in ein eher mühsames und sperriges Etwas von Film mündet, dann weiß man: Es ist Viennale-Zeit. Camila José Donosos „Nona. Si me mojan, yo los quemos“ ist ein typischer Festival-Film. Das heißt: Er hat seine starken Momente und ganz klar auch Qualitäten, die hervorstechen und für einen individuellen Zugang zum Medium Film der Schaffenden zeugen, aber Herrgottsakrament, wo ist die verdammte Geschichte? Und so sympathisch die schlitzohrige Nona, gespielt von Josefina Ramírez auch ist, so interessant stellenweise das Vermischen von dokumentarischen Aufnahmen mit Fiktion auch sein mag, am Ende ist das alles weder Fisch noch Fleisch. Was ja angesichts des Zugangs der Regisseurin durchaus so gewollt sein könnte. Denn auch die Formate werden wild vermischt – ob digitale Aufnahmen, 16 mm, in unterschiedlichen Formaten mit unterschiedlichen Farbgebungen, auch die Szenen selbst hängen kaum zusammen und auf Chronologie pfeift Donoso schon mal ganz. Eigentlich ein wilder (Molotow?)-Cocktail, den die Regisseurin da mixt, aber wenn man Tequila, Apfelsaft, Milch, Rotwein und Tee zusammenmischt, besteht die Gefahr, dass die ganze Suppe am Ende wieder hochkommt. Ganz so schlimm ergeht es Donoso hier nicht – dazu ist ihre Nona zu entzückend in ihrer mit Lebensweisheit gespickten Selbstfindung, und viele Bilder sind wirklich sehr schön anzusehen, aber allzu lange im Gedächtnis bleiben wird dieser Film wohl eher nicht. Als persönlicher Festival-Auftakt ist er aber ideal – nun bin ich in der Stimmung für sperriges Zeug.

5,0
von 10 Kürbissen

(Foto: Viennale)

No Turning Back (2013)

Regie: Steven Knight
Original-Titel: Locke
Erscheinungsjahr: 2013
Genre: Drama, Roadmovie
IMDB-Link: Locke

Tom Hardy fährt als Bauleiter Ivan Locke am Vorabend eines wichtigen Betongusses in seinem BMW von Birmingham nach London und telefoniert – verkehrssicherheitstechnisch vorbildlich – per Freisprechanlage mit verschiedenen Leuten. Das ist dann auch schon die ganze Handlung des Films „No Turning Back“ (im Original: „Locke“) von Steven Knight, der auch für das Drehbuch verantwortlich zeichnet. Dass die ganze Sache dennoch interessant ist, liegt an zwei Dingen: Tom Hardy selbst, der mit minimalen Mitteln des Ausdrucks einen vielschichten und komplexen Charakter zum Leben erweckt, und dem schon angesprochenen Drehbuch. Denn Ivan Locke hat einen guten Grund, sich ins Auto zu setzen und den vielleicht wichtigsten Job seiner Karriere aufs Spiel zu setzen: Er wird Vater. Dummerweise ist nicht seine Ehefrau die Mutter. Und nun hat er alle Hände voll zu tun (das natürlich nur metaphorisch gemeint, denn die Flossen behält er anständig am Steuer), ausschließlich per Telefon seine Karriere, den gigantischen Betonguss am nächsten Morgen und seine Ehe zu retten, während er, selbst ein uneheliches und vom Vater nicht anerkanntes Kind, versucht, das Richtige zu tun, indem er bei der Geburt dabei ist. Anhand der Telefonate mit seinem Angestellten, seiner Ehefrau, der hysterischen Affäre im Krankenhaus, seinen Söhnen, seinem Chef, die im Übrigen allesamt nur mit ihrer Stimme in Erscheinung treten, entwickelt sich ein spannungsgeladener Wettlauf gegen die Zeit, der aus dem Drama fast einen Thriller werden lässt. Die anderen Schauspielerinnen und Schauspieler am Telefon hatten hörbar Spaß dabei, einmal ausschließlich mit ihren Stimmen zu arbeiten. Und dafür hat man auch einige Kapazunder begeistern können: Olivia Colman als schwangere Affäre, Tom Holland als verunsicherter Sohn, Ruth Wilson als betrogene Ehefrau und der heimliche Star des Films: Andrew Scott, bekannt vor allem für seinen Moriarty in der BBC-Serie „Sherlock“, dessen Angestellter Donal für die besten Momente des Films sorgt. „No Turning Back“ zeigt eines: Dass man nicht viele Mittel braucht, um einen spannenden und guten Film zu machen. Manchmal genügen einfach ein Auto und ein verdammt guter Schauspieler.

8,0
von 10 Kürbissen

Joker (2019)

Regie: Todd Phillips
Original-Titel: Joker
Erscheinungsjahr: 2019
Genre: Thriller, Drama
IMDB-Link: Joker

Wenn der Goldene Löwe in Venedig an einen Film über eine Comic-Figur geht, ist das schon mal eine Ansage. Wenn der Film ausgerechnet die Genese des Oberschurken im DC-Universum zum Thema hat, auch. Und wenn der Oberschurke noch dazu von einem der großartigsten Charakterdarsteller unserer Zeit, Joaquin Phoenix, gespielt wird, steigert sich die Erwartungshaltung fast ins Unermessliche. Doch ist der Hype gerechtfertigt? Großer Spoiler: JA! Denn „Joker“ von Todd Phillips steht abseits der üblichen Comic-Verfilmungen, ist ein ganz eigenes Ding, erinnert in seiner Düsternis an Nolans Dark Knight-Trilogie, für mich immer noch die Benchmark für intelligentes und forderndes Unterhaltungskino, ist aber ausschließlich eine Charakterstudie und hat nichts gemein mit dem üblichen Actionfeuerwerk, das von einer Comic-Verfilmung zu erwarten wäre. Die Geschichte von Arthur Fleck, dem erfolglosen Clown-Darsteller und Comedian, der vom Leben so viele Faustschläge in die Magengrube erhält, bis etwas Essentielles, der Glaube an die Menschheit, in ihm unrettbar zerbricht, ist fesselnd erzählt und vielleicht das glaubhafteste Psychogramm, das ich in den letzten Jahren im Kino sehen konnte. Das liegt an einem intelligenten und in jeder Hinsicht stimmigen Drehbuch, an einer handwerklich großartigen Inszenierung (man achte auf das düstere, flackernde Licht, an die Farbgestaltung, die hervorragende Kameraarbeit) und vor allem an Joaquin Phoenix. Dessen Joker ist eine Offenbarung. Jede Bewegung passt, jede Geste, alles an ihm stimmt zu diesem vom Leben gebeutelten Clown. Weil es immer wieder Diskussionen im Netz gibt, wer nun der bessere Joker sei – Heath Ledger oder Joaquin Phoenix: Ich sage, die beiden ergänzen sich. Der Wahnsinn, den Heath Ledger so gut zum Ausdruck brachte, bekommt durch Joaquin Phoenix‘ Darstellung ein Fundament. Ich ziehe meinen Hut vor Phoenix – und möglicherweise sehen wir schon bald einen zweiten Oscar für die Darstellung desselben Comic-Bösewichts.

9,0
von 10 Kürbissen

Lillian (2019)

Regie: Andreas Horvath
Original-Titel: Lillian
Erscheinungsjahr: 2019
Genre: Roadmovie, Drama
IMDB-Link: Lillian

Lillian (Patrycja Planik) möchte in New York Pornodarstellerin werden, aber ihr Visum ist abgelaufen und außerdem spricht sie kein Englisch. Der Produzent rät ihr, zurück nach Russland zu gehen – denn dort gäbe es Geld und Chancen für Mädchen wie sie. Das nimmt sie dann etwas zu wörtlich, denn sie macht sich zu Fuß auf den Weg von New York zur Beringstraße in Alaska, um dort nach Russland überzusetzen. Eine solche Geschichte hat sich tatsächlich zugetragen: In den 1920er ging Lillian Alling den ganzen Weg von der Ostküste bis nach Alaska. Ob sie Sibirien tatsächlich erreichte, ist nicht klar – am Yukon verlor sich ihre Spur. Diese irre Geschichte übertrug Andreas Horvath in die heutige Zeit. Die Geschichte von Lillian bekommt dadurch interessante Ebenen hinzugefügt, an denen Horvath mehr interessiert ist als an Lillian selbst: Zum Einen wird aufgeworfen, wie anachronistisch diese natürliche Art der Fortbewegung heutzutage gilt. So wird Lillian beispielsweise unterwegs von einem Sheriff aufgegriffen, da es einfach nicht sein kann, dass eine junge Frau meilenweit einen Highway entlang geht. (Diese kurze Episode mit dem Sheriff überrascht im Übrigen dadurch, dass sämtliche Klischees, die zu erwarten wären, aufgegriffen und gleichzeitig unterwandert werden.) Eine weitere zusätzliche Ebene ist ein Blick auf die USA von heute, auf die Menschen abseits der großen Städte. Andreas Horvath macht hierbei nicht viel mehr, als die Kamera auf Gesichter zu halten und im Hintergrund Radiosprecher das Wetter und andere alltägliche Dinge kommentieren zu lassen. Durch diese respektvollen Porträts kommt man den Menschen, die gezeigt werden, vielleicht nicht unbedingt näher, aber man entwickelt eine Art von Verständnis dafür, woher sie kommen und was sie formt. Ein gelungener Kunstgriff ist es, Lillian den ganzen Film über schweigen zu lassen. Dadurch wird sie zur reinen Projektionsfläche, und die Interaktionen mit ihr (gefilmt in einem semidokumentarischen Ansatz mit Personen, die man unterwegs getroffen hat) werden zu einer Spiegelung. Patrycja Planik hat dabei die Mammutaufgabe zu bewältigen, den ganzen Film mit ihrer Mimik tragen zu müssen. Doch diese Aufgabe meistert sie bravourös. Jede ihrer Bewegungen ist interessant und signifikant. Man sieht hier eine beharrliche, trotzige Frau, die dem Leben den Mittelfinger zeigt und wortwörtlich ihren eigenen Weg geht. Und dieser führt sie durch atemberaubend schöne Landschaften, die allein es schon wert sind, den Film zu sehen. Allerdings braucht man schon gehörig Sitzfleisch für „Lillian“. Es passiert nicht viel mehr als dass eine Frau durch größtenteils einsame Landschaften geht. Und das zieht sich bei einer Laufzeit von deutlich über zwei Stunden zuweilen schon recht hin.

7,0
von 10 Kürbissen

(Foto: Stadtkino Filmverleih)

Elegy oder die Kunst zu lieben (2008)

Regie: Isabel Coixet
Original-Titel: Elegy
Erscheinungsjahr: 2008
Genre: Drama, Liebesfilm
IMDB-Link: Elegy

Alte Collegeprofessoren, die Affären mit jungen Studentinnen haben – willkommen in der Welt von Philip Roth. Kaum ein anderer Schriftsteller hat dieses Topos so kultiviert wie der ewige Beinahe-Nobelpreisträger. Spannend ist, dass sich mit Isabel Coixet eine Regisseurin um die Umsetzung einer seiner Romane bemüht hat. Und ihr ist mit „Elegy“ ein sehr feinfühliger, melancholischer Film gelungen, der Ben Kingsley – und in einer Nebenrolle Dennis Hopper – über das Altern, die Liebe und den Tod sinnieren lässt, uralte Themen, die schon vielfach filmisch umgesetzt wurden, aber dennoch immer wieder faszinieren, da sie an unseren ursprünglichsten Ängsten und Bedürfnissen rütteln. Und wenn man dann noch Penélope Cruz und ihre perfekt geformten Brüste zu Gesicht bekommt, kann eigentlich fast nichts mehr schief gehen. Vielleicht ist „Elegy“, diese Studie über den alternden Mann, der erst zu lieben lernen muss, ein wenig zu lang geraten. Vielleicht setzt der Film ein klein bisschen zu viel auf die Melodramatik sanft gespielter Klaviertöne als Hintergrundbegleitung. Vielleicht sind die Dialoge etwas zu geschliffen, um wahr zu sein. Allerdings wirkt „Elegy“ in seinen besten Momenten wie ein Traum, oder vielmehr wie der Zustand zwischen Schlaf und dem Aufwachen. Kennt ihr das, wenn ihr in jenen Momenten, die vielleicht nicht länger als ein paar Millisekunden lang andauern, plötzlich die ganze Welt begreift? Doch bevor ihr diese Erkenntnisse festhalten könnt, verblassen sie auch schon wieder und werden von der Realität des Erwachens beiseite gedrückt. So in etwa wirkt „Elegy“. Als Film hat das Werk seine unübersehbaren Schwächen, aber dennoch blieb ich gerne zwei Stunden lang in dieser leisen, melancholischen Welt voller Liebe und Tod.

6,5
von 10 Kürbissen

Ad Astra – Zu den Sternen (2019)

Regie: James Gray
Original-Titel: Ad Astra
Erscheinungsjahr: 2019
Genre: Drama, Science Fiction, Thriller
IMDB-Link: Ad Astra

Es gibt Filme, für die sich eine IMAX-Leinwand definitiv auszahlt. „Ad Astra“ von James Gray gehört zu diesen Filmen. Wenn man mit Brad Pitt durch die unendliche Weite des Weltraums schwebt, möchte man das nicht auf einem unscharfen Röhrenfernseherbild aus den 80ern tun. Das Weltall ist ein furchteinflößend leerer Ort, das darf man als Zuseher auch spüren. Die Geschichte von „Ad Astra“ ist relativ simpel aufgebaut: Der stoische Weltraumtechniker Roy McBride (Brad Pitt) wird auf eine streng geheime Mission via Mond zum Mars geschickt, um eine Botschaft an seinen lang verschollen geglaubten Vater (Tommy Lee Jones) zu schicken. Dieser hockt mutmaßlich auf dem Neptun herum, Jahre, nachdem der Kontakt zur Mission, die er geleitet hat, abgebrochen ist. Und nun gehen vom Neptun Energiewellen aus, die die ganze Galaxis bedrohen. Was nach einem Michael Bay-Actionfilm mit viel Tschimmbumm und mächtigen Explosionen klingt, stellt sich als sehr leises, langsames Drama im All heraus. Denn James Gray ist nicht so sehr an Weltraumabenteuern interessiert, sondern an dieser gefühlskalten, gut funktionierenden Figur Roy McBride. Dessen glatte Oberfläche, an der alle Katastrophen abzuperlen scheinen, bekommt allmählich Risse. Es schält sich ein Mensch heraus, der vom Schatten des Vaters schier erdrückt wird. Was wir in „Ad Astra“ sehen, ist die filmische Bearbeitung der vielleicht ältesten Fragen überhaupt: Wer sind wir? Worüber definieren wir uns? Action gibt es dennoch, allerdings ist sie sparsam und prägnant umgesetzt. Was James Gray mit „Ad Astra“ beispielsweise richtig gut macht und in dieser Form bislang auch kaum im Kino zu sehen war: Katastrophen bahnen sich nicht mit großem Gedöns an. Sie passieren einfach. Gerade noch war die Welt in Ordnung, doch plötzlich ist alles Chaos, alles konfus, man versucht zu funktionieren und irgendwie einen Ausweg zu finden, und erst am Ende, wenn man diese Katastrophe tatsächlich überlebt hat, kann man rekonstruieren, was eigentlich passiert ist. Diese Erfahrung setzt James Gray brillant um. Und apropos Brillanz: Brad Pitt ist gesondert zu erwähnen. Der liefert einmal mehr eine mehr als tadellose Leistung ab. Seine Darstellung des Roy McBride ist ein Meisterstück an kontrollierten Emotionen. „Ad Astra“ ist ein ungewöhnlicher Film, der eine gewöhnliche, aber universell adaptierbare Geschichte erzählt. Wenn man sich darauf einlässt, versetzt einen der Film fast in Trance.

8,0
von 10 Kürbissen