Fern von uns (2019)

Regie: Laura Bierbrauer und Verena Kuri
Original-Titel: Fern von uns
Erscheinungsjahr: 2019
Genre: Drama
IMDB-Link: –

Laura Bierbrauer. Welchem Österreicher geht bei diesem Namen nicht das Herz auf? Gemeinsam mit Verena Kuri hat Bierbrauer einen Film gedreht, der in der deutschsprachigen Community Argentiniens spielt. Das Deutsch ist manchmal schon ein bisschen eingerostet, und die Sprache eine Mischung aus Deutsch und Spanisch, aber familiäre Probleme sind ja universell und zeitlos. In diesem Fall geht es um die junge Ramira, die nach längerer Zeit wieder auf die heimatliche Farm zurückkehrt. Dort zieht ihre Mutter mittlerweile Ramiras dreijährigen Sohn auf, der auch glaubt, dass Ramira nur eine Tante ist. Dem Vater geht es indessen finanziell nicht so gut, die Kühe sind krank, und er überlegt, die Farm zu verkaufen. Das übergeordnete Thema des Films könnte „Wurzeln und Entwurzelung“ lauten. Jedenfalls scheint Ramira entwurzelt zu sein, sie passt auch nicht so recht auf die Farm und in die Gemeinschaft. Auch ein altes Thema, das cineastisch bearbeitet wird, seit die Bilder zu laufen gelernt haben. Allerdings fügt „Fern von uns“ diesem Thema abgesehen vom hierzulande eher unbekannten Setting der deutschsprachigen Farmer in Südamerika wenig Neues hinzu. Vieles wird nur angedeutet, vieles muss man in langen Einstellungen von Menschen, die auf Bäume starren, zu interpretieren versuchen. Ein langsames Drama, das ein wenig ziellos vor sich her mäandert. Und damit ein klassischer Festival-Film: ungewöhnliches Setting, fade G’schicht. Wenn man nach dem Abspann den Kinosaal verlässt, zuckt man mit den Schultern und hofft darauf, dass der nächste Film einen bleibenden Eindruck hinterlässt.

5,0
von 10 Kürbissen

Fukuoka (2019)

Regie: Lu Zhang
Original-Titel: Fukuoka
Erscheinungsjahr: 2019
Genre: Drama, Komödie
IMDB-Link: Fukuoka

Tja, die Liebe. Sie ist ein seltsames Spiel, sie kommt und geht von einem zum anderen. Das wusste schon die Schlagersängerin Connie Francis, und wer würde es wagen, ihr zu widersprechen? Im Fall des südkoreanischen Films „Fukuoka“ ist die Liebe von Soon-yi vor 28 Jahren von Hae-hyo zu Jea-moon gegangen und dann ganz, weshalb die beiden Jugendfreunde immer noch einen Wickel miteinander haben. Hae-hyo hat sich nach Japan in die Stadt Fukuoka abgesetzt, wo er nun eine Bar besitzt. Und Jea-moon hat neben seinem Second Hand-Buchladen in Korea noch eine nervige junge Nachbarin namens So-dam (nicht zu verwechseln mit einem ehemaligen irakischen Diktator), die ihn dazu nötigt, auf Urlaub nach Fukuoka zu fliegen, wo sie natürlich genau die Bar findet, in der Hae-hyo vor sich hin schmollt. Aber 28 Jahre sind eine lange Zeit, und irgendwann kann man es auch mal gut sein lassen. So finden die beiden Dickköpfe nach anfänglichen Schwierigkeiten dann doch nach und nach zu einer kultivierten Gesprächsbasis, So-dam sei Dank. Diese Annäherung ist zeitweise durchaus komisch anzusehen und gespickt mit allerlei surrealistischen Momenten rund um So-dam. Während die Geister der Erinnerung heraufbeschworen werden, stellt sich durchaus auch mal die Frage, ob das die einzigen Geister sind, die in diesem Film zu finden sind. Am Ende schlägt „Fukuoka“ vielleicht die eine Kapriole zu viel für meinen Geschmack, und auch nicht jede Szene ist per se wirklich zwingend, aber der Film ist im Gesamten dann doch eine positive Erfahrung. Kann man sich durchaus mal ansehen.

6,5
von 10 Kürbissen

(Foto: Lu Film)

Das Wunder im Meer von Sargasso (2019)

Regie: Syllas Tzoumerkas
Original-Titel: To thávma tis thállassas ton Sargassón
Erscheinungsjahr: 2019
Genre: Drama, Krimi
IMDB-Link: To thávma tis thállassas ton Sargassón

„Das Wunder im Meer von Sargasso“ – nein, das ist kein Mash-Up von „Fluch der Karibik“ und „Das Wunder von Manhattan“, auch wenn ich wirklich gerne mal Captain Jack Sparrow als Weihnachtsmann sehen würde. Darauf müssen wir aber alle noch etwas länger warten. (So schnell enttäuscht man die Leserschaft.) Vielmehr handelt es sich bei Syllas Tzoumerkas‘ Film um eine Art griechischer Film Noir-Krimi, nur mit etwas besserem Wetter als im Film Noir üblich. Die Heldin, die zwangsversetzte Polizeiinspektorin Elisabeth (die wunderbare Angeliki Papoulia, die ich schon in mehreren Filmen von Giorgos Lanthimos bewundern durfte), ist eine klassische Antiheldin. Unterwegs im Streifenwagen zieht sie sich neben dem strebsamen Jungpolizisten schon mal eine Line des frisch beschlagnahmten Kokains hinein, um fit für die Ermittlungen zu sein. Und ganz selbstverständlich schläft sie mit dem verheirateten Arzt der Kleinstadt, in die sie versetzt wurde – sehr zum Missfallen ihres Teenager-Sohnes. Nebenbei träumt sie davon, irgendwann aus diesem öden Nest an der Küste wieder zurück nach Athen zu kommen – nur wie? Der Mord an einem lokal berühmten Sänger, der eines Morgens aufgeknüpft neben dem Strand aufgefunden wird, scheint da plötzlich einen Ausweg zu bieten. Nur ist alles ein wenig undurchsichtig, und, wie in solchen Filmen üblich, tun sich schon bald Abgründe in der verschlafenen Kleinstadt auf. So weit, so gut. Wie gut Thriller in der südlichen Hitze funktionieren können, haben schon einige Filme unter Beweis gestellt. Der spanische Thriller „Marshland“ fällt mir hierzu ein, dessen Setting sehr stark an „Das Wunder im Meer von Sargasso“ erinnert. Der Unterschied zwischen den beiden Filmen ist der: „Marshland“ ist tatsächlich ein packender, düsterer Thriller. „Das Wunder im Meer von Sargasso“ ist ein symbolhaft aufgeladenes Ding (inklusive einer modernen Krippenszene am Strand mit Besuch der Heiligen Drei Könige samt Ghettoblaster – WTF?), das viel mehr sein möchte, als es ist, und das zudem das Problem hat, dass trotz einer engagiert spielenden Angeliki Papoulia, der man keinen Vorwurf machen kann, kaum eine Figur wirklich glaubhaft wirkt. Wenn jeder ständig Scheiß macht, nur damit die Figur widersprüchlich wirkt, ist das irgendwann nicht mehr authentisch, sondern nur noch lächerlich. So hat der Film zwar gute Anlagen, wurde aber inszenatorisch eiskalt versenkt. Ob im Meer von Sargasso oder anderswo – untergegangen ist er jedenfalls.

4,5
von 10 Kürbissen

(Foto: Kiki Papadopoulou)

Die Kinder der Toten (2018)

Regie: Kelly Copper und Pavol Liska
Original-Titel: Die Kinder der Toten
Erscheinungsjahr: 2018
Genre: Satire, Horror, Experimentalfilm, Fantasy, Heimatfilm
IMDB-Link: Die Kinder der Toten

Es ist schon ein paar Donnerstage her, dass ich Elfriede Jelineks Roman „Die Kinder der Toten“ gelesen habe. Woran ich mich noch erinnere: Dass mir das Buch außerordentlich gut gefallen hat, so sperrig es auch war. Woran ich mich nicht mehr erinnere: Den allergrößten Teil des Inhalts. Insofern erspare ich mir an dieser Stelle die Einschätzung, ob die filmische Adaption nah dran ist an der Buchvorlage. Ein paar augenfällige Freiheiten hat sich das Regieduo Kelly Copper und Pavol Liska schon genommen, wenn beispielsweise eine Gruppe syrischer Poeten vor dem Kirchenportal verhungert. Und damit wären wir auch schon mitten drin in der Besprechung von „Die Kinder der Toten“. Denn Subtilität gehört nicht zu den Stärken dieser Heimatgroteske. Dafür hat der Film ganz andere Stärken. Jene der Überzeichnung beispielsweise. Gefilmt auf körnigem Super 8 als Farb-Stummfilm mit völlig überzogener Geräuschkulisse (ich ziehe meinen Hut vor den Foley Artists und Sounddesignern, die einen grandiosen Job hingelegt haben) erzählt der Film, wie nach einem Autounfall die Heldin Karin (Andrea Maier) durch die Wälder rund um ein steirisches Dorf irrt, halb im Diesseits, halb im Jenseits. Währenddessen geht man im Dorf den üblichen Beschäftigungen nach: Saufen, fressen, schmusen. Irgendwann stolpert Karin in eine cineastische Séance, in der in einer Filmvorführung Bilder von Verstorbenen gezeigt und betrauert werden. Die Veranstalterin bittet Karin, die Zugang zu beiden Welten hat, ihren geliebten Mann zurückzubringen, der sich selbst das Leben genommen hat. Damit öffnet Karin aber das Tor zur Unterwelt, und schon marschieren sie in einer fröhlichen Parade auf, die Untoten, und bald schon tanzen Nazis mit Juden beschwingt im Dorfgasthaus, vögeln die Lebenden mit ihren verblichenen Geliebten auf dem Tisch und kochen verhungerte Syrer in der Küche Halal-Gerichte. Subtil ist das nicht, aber dieser bissig-zynische Kommentar auf die Nazis, die wir noch immer im Keller haben, und die typisch österreichische Ignoranz macht einen Riesenspaß – sofern man einen Zugang zu diesem derben Humor findet und sich an der filmischen Umsetzung der Ideen mit (sichtbar) geringsten Mitteln anfreunden kann. Ich konnte es. Insgesamt aber mit Sicherheit ein Film, der polarisiert. Ob man eineinhalb Stunden fröhlich vor sich hin gluckst oder so intensiv den Kopf schüttelt, dass man ein Schleudertrauma davon trägt, liegt in diesem Fall ganz klar am eigenen Humorempfinden. Insofern eine Empfehlung mit Vorwarnung. Nur eines kann ich sagen: Nazis werden mit dem Film fix keine Freude haben.

8,0
von 10 Kürbissen

(Foto: Ulrich Seidl Filmproduktion)

Daniel (2018)

Regie: Marine Atlan
Original-Titel: Daniel fait face
Erscheinungsjahr: 2018
Genre: Drama
IMDB-Link: Daniel fait face

Daniel ist ein stiller, introvertierter Schüler, der gern allein durch das Schulgebäude streift. Als in einem Saal plötzlich eine Tür zuschlägt, flüchtet er panisch in den Umkleideraum. Dort ist seine Mitschülerin Marthe, die ihn nicht bemerkt. Sie zieht sich gerade für eine Theaterprobe um. Und Daniel versteckt sich, beobachtet sie, die Halbnackte: der erste Blick auf einen Mädchenkörper. Irgendwann treibt ihn das Schuldgefühl hoch, er zeigt sich ihr. Sie, geschockt, rennt davon. Dann die Probe. Daniel ist immer noch ziemlich aus dem Konzept. Und Marthe fand die Episode in der Umkleide gar nicht lustig, was Daniel schon bald zu spüren bekommt. „Daniel“, der erste Langfilm von Marine Atlan, ist sehr knapp und präzise gehalten. Dieser Film hat kein Gramm Fett. Mit wenigen Federstrichen sind die Figuren eingeführt und lebendig. Einzelne Andeutungen reichen aus, um dem Zuseher begreifbar zu machen, worum es in diesem Film geht: Nämlich nicht weniger als den Verlust der kindlichen Unschuld. Und wenn dann die Sirenen losheulen, um eine Terrorübung an der Schule anzukündigen, fühlt man den Bruch in Daniels Leben, der durch sein Spannen zu einem sexuellen Wesen geworden ist. Plötzlich hat das, was man tut, Konsequenzen, die man vielleicht sogar das ganze Leben mit sich schleppen muss. Die vage, kaum greifbare Atmosphäre der Bedrohung, die zu Beginn über dem Schulgebäude liegt und Türen und Fenster knallen lässt, entpuppt sich als Pforte ins Erwachsenenleben, und bedroht ist die Kindheit, die Unschuld. Nichts wird danach mehr so sein wie früher. „Daniel“ ist ein wunderbar konsequenter Film, der sich zunächst sehr unspektakulär anfühlt, aber dann doch lange nachhallt. Ein erstes Highlight meiner diesjährigen Berlinale.

8,0
von 10 Kürbissen

(Foto: bathysphere)

Leakage (2019)

Regie: Suzan Iravanian
Original-Titel: Nasht
Erscheinungsjahr: 2019
Genre: Drama
IMDB-Link: Nasht

Iran. Eine 58jährige Frau, deren Mann vor kurzem verschollen ist (Hat er sich ins Ausland abgesetzt? Ist er von der Ölgesellschaft, für die er gearbeitet hat, beseitigt worden? Hatte er einen Unfall?), entdeckt bei sich eine etwas ungewöhnliche körperliche Beschwerde: Aus ihr rinnt Öl. Dickes, schwarzes Erdöl. Abgesehen davon, dass das die Betten schmutzig macht, ist so ein Öl-Leck auch gesellschaftlich eher eine ungünstige Sache und erst mal mit Stress verbunden. Vor ihrer Familie (ihrer Schwester, ihrer Tochter, dem Enkelsohn und dem illegalen afghanischen Immigranten, der als Seelchen den Haushalt schmeißt) lässt sich das nicht lange verbergen. Der Afghane hat eine Idee: Raus aufs Land mit ihr zu seinem Cousin, und dann weiter überlegen. Dort ist man aber skeptisch. Denn ist diese Frau nicht ein böses Omen? Währenddessen schmieden sowohl die Frau als auch ihre Tochter Pläne für die Auswanderung. Denn für die Ölproduzentin ist klar: Im Iran ist sie mit dieser Begabung verloren. Im Ausland wird sie vielleicht in Ruhe gelassen. Und die Tochter wollte ohnehin längst weg, ab nach Deutschland in das Land, in dem Milch und Honig fließen. „Nasht“ von Suzan Iravanian ist ein hochpolitischer Film, der die Politik im Privaten zeigt. Die Unterdrückung der Frau in der iranischen Gesellschaft wird hier auf subtile Weise gezeigt, indem sie eben nicht explizit gezeigt wird, sondern in den Überlegungen der Hauptprotagonistin, erst einmal flüchten zu müssen als sich und ihr ungewöhnliches Problem sichtbar zu machen. Das Ende ist bitter und konsequent. Der Weg dahin allerdings lang. Denn ein Actionreißer ist dieser Film definitiv nicht. Man muss schon etwas Geduld und Sitzfleisch aufbringen. Und manchmal verzettelt sich der Film auch zu sehr im Kleinen, während größere, für mich vielleicht interessantere Fragen ausgespart werden. Dennoch eine Sichtung, die sich durchaus gelohnt hat, auch wenn sie anstrengend war.

6,0
von 10 Kürbissen

(Foto: Europe Media Nest)

MS Slavic 7 (2019)

Regie: Sofia Bohdanowicz und Deragh Campbell
Original-Titel: MS Slavic 7
Erscheinungsjahr: 2019
Genre: Drama
IMDB-Link: MS Slavic 7

MS Slavic 7: Was nach einem ausgemustertem Ausflugsschiff der Donaudampfschifffahrtsgesellschaft klingt, ist in Wahrheit jenes Verzeichnis, unter dem sich in einer Bibliothek der Harvard Universität der Briefverkehr zwischen den polnisch-stämmigen Dichtern Zofia Bohdanowiczowa und Józef Wittlin befindet. Und ja, ihr könnt die beiden googeln – die gab es wirklich. Bohdanowiczowa lebte im Exil in Toronto, Wittlin in New York. Und beide waren einander sehr zugeneigt. Jahrzehnte später wühlt sich Audrey (Deragh Campbell), eine Enkeltochter der Dichterin, durch das Archiv und den Briefnachlass. Warum sie das tut, wird nicht wirklich ausreichend erklärt. Die eigene Familie und Vergangenheit zu verstehen, ist aber sicherlich ein wichtiger Grund. Überhaupt wirkt die junge Frau eher verschlossen und abgewandt von der Welt. Beim Versuch, in einem Interview ihre Gedanken zu den Briefen (die für sie zunächst einmal vom Inhalt losgelöste Objekte sind) mitzuteilen, gerät sie ins Stocken. Sie sucht nach Worten und Formulierungen, findet sie aber nicht. Irgendwann muss sie beschämt abbrechen und wischt die Stille mit einem kräftigen Schluck Bier weg. Erst der Mann, der die Briefe und Gedichte ihrer Großmutter vom Polnischen ins Englische übersetzt hat, ermöglicht ihr eine Interaktion auf Augenhöhe. Das Interessanteste an „MS Slavic 7“ ist das Verweben von biografischem Material mit Fiktion. Denn Zofia Bohdanowiczowa war die Großmutter von Sofia Bohdanowicz, die diesen Film gedreht hat. Die Briefe gibt es wirklich, und man kann davon ausgehen, dass sich Sofia Bohdanowicz, so wie auch ihre Audrey im Film, durch das Archiv gewühlt hat und diese Gedanken formuliert hat, die sie nun Deragh Campbell in der Rolle der Audrey sprechen lässt. Die Vermischung von dokumentarischem Anstrich und dem Spielfilm geht so weit, dass die Szene, in der Audrey auf einer Familienfeier teilnimmt, nicht gestellt ist. Vielmehr tanzt da Sofia Bohdanowicz‘ Familie fröhlich durchs Bild, diese Feier fand tatsächlich statt. Doch so authentisch der Film damit wirkt, gut wird er dadurch noch nicht. Zu beliebig wirken viele Szenen, zu wenig zwingend, und auch dass man Audrey nicht wirklich näher kommt, trägt nicht zum Genuss bei. Am Ende denkt man sich: „So what?“ Immerhin dauert das ganze Drama gerade mal eine Stunde. Schnell gesehen und schnell wieder vergessen.

4,0
von 10 Kürbissen

(Foto: Lisa Pictures)

Marighella (2019)

Regie: Wagner Moura
Original-Titel: Marighella
Erscheinungsjahr: 2019
Genre: Action, Thriller, Politfilm, Biopic, Drama
IMDB-Link: Marighella

Eines sei gleich vorweg gesagt: „Marighella“ von Wagner Moura verlangt dem Zuseher einiges ab. Denn der Film über den brasilianischen Dichter, Essayist und Revolutionär Carlos Marighella (Seu Jorge mit einer Wahnsinnspräsenz), der ab 1964 nach dem Militärputsch in Brasilien zum bewaffneten Widerstand aufgerufen hat, bis er 1969 getötet wurde, nimmt sich 155 Minuten Zeit. Und apropos Zeit: Gerade zu Anfang wird da gerne auch mal zwischen den Zeiten umher gesprungen, was sich aber nach einer Weile legt zu Gunsten einer chronologischen Erzählung. Um die Figuren einzuführen, Carlos Marighella selbst und seine Mitstreiter, erfüllt dieses Hüpfen seinen Zweck allerdings. Man muss allerdings in der richtigen Stimmung sein, um zweieinhalb Stunden lang einem Widerstandskämpfer und seinen Kumpanen dabei zuzusehen, wie sie sich organisieren, wie sie immer größere Coups planen und dann doch langsam, aber unerbittlich von der Staatsgewalt (verkörpert von Bruno Gagliasso, der seinen Bösen etwas zu böse anlegt) auseinandergenommen werden. Das geht mitunter auch sehr gewalttätig vonstatten, und mehr als einmal dachte ich mir beim Sichten: ‚Puh, also das hat jetzt wirklich weh getan, selbst wenn es nur gespielt war‘. Worüber man auch hinwegsehen muss, ist die Tatsache, dass Wagner Moura mit diesem Film so etwas wie Heldenverehrung betreibt. Und ohne die historische Figur des Carlos Marighella wirklich einschätzen zu können (dafür bin ich einfach nicht brasilianisch genug, auch wenn meine Arbeitskollegen fest die These vertreten, dass ich während meines Brasilien-Urlaubs 2017 in Rio eine Sambaschule gegründet habe), so bleibt doch ein eher unguter Beigeschmack haften, wenn ein bewaffneter Widerstandskämpfer, so gerecht sein Kampf auch gewesen sein mag, so unkritisch betrachtet wird. Aber gut, da geht es mir bei Che Guevara nicht anders. Was mir allerdings hier eindeutig fehlte, waren mehr Hintergründe, wie Carlos Marighella zu dem Mann geworden ist, als der er gezeigt wird. Vielleicht wäre dann das Bauchgrummeln etwas leiser gewesen. Dennoch lohnt sich „Marighella“, denn der Film ist spannend erzählt (und kann die Spannung tatsächlich über die ganze Laufzeit hoch halten), handwerklich gut gemacht und mit exzellenten Schauspielern besetzt.

7,0
von 10 Kürbissen

(Foto: O2 Filmes)

Der Nachtportier (1974)

Regie: Liliana Cavani
Original-Titel: Il Portiere di Notte
Erscheinungsjahr: 1974
Genre: Drama, Thriller
IMDB-Link: Il Portiere di Notte

Tja, so kann’s gehen, wenn man ein verpeiltes Filmgemüse ist. Da holt man sich einfach ein Ticket für den Charlotte Rampling Hommage-Film „Der Nachtportier“, weil er zeitlich gerade gut reinpasst, im Berlinale Palast gezeigt wird und man dorthin nicht weit hat und er interessant klingt – und stolpert unversehens via roten Teppich und Blitzlichtgewitter der Fotografen in die Verleihung des Goldenen Ehrenbären der Berlinale an Charlotte Rampling, die vor dem Screening des Films in einer Galaveranstaltung durchgeführt wird. (Die deutsche Staatsministerin für Kultur, die zeitgleich mit mir eingetroffen ist, habe ich übrigens auf dem roten Teppich knallhart ausgebremst.) Und damit nicht genug – der Kürbis eures Vertrauens sitzt dabei nur etwa zehn Meter Luftlinie von der großen Charlotte Rampling entfernt, nur etwas weiter links und eine Reihe nach hinten versetzt. Somit habe ich Charlotte Rampling gesehen. Ob Charlotte Rampling auch mich gesehen hat, wage ich allerdings nicht zu bezeugen. Was wir beide aber unzweifelhaft gesehen haben, ist eben „Der Nachtportier“ von Liliana Cavani aus dem Jahr 1974. Damals verursachte der Film die eine oder andere Schnappatmung. Denn die Geschichte des Wiedersehens eines ehemaligen SS-Offiziers, der in einem Wiener Hotel als Nachtportier arbeitet, mit der früheren KZ-Gefangenen Lucia, zu der er ein sadomasochistisches Verhältnis pflegte, hat es durchaus in sich. Ausgerechnet Lucia checkt mit ihrem Mann, einem Dirigenten, nämlich im Hotel ein, Lucia, die einzige Überlebende des SS-Mannes, der damals die Aufsicht hatte. Der plagt sich gerade mit weiteren Problemen herum: In einem Prozess soll er als Mitläufer hingestellt und von aller Schuld freigesprochen werden. Seine ehemaligen SS-Spezis, die das schon hinter sich haben, sollen dafür sorgen. Da ist natürlich die Ankunft der einzigen Zeugin, die ihn wirklich belasten kann, allen ein Dorn im Auge – zumal der Offizier die zart-harten Liebesbande von damals wieder aufnehmen will. Klingt provokant? Ist es auch. Liliana Cavani weiß in „Der Nachtportier“ genau, was sie tut. Und regt damit wohl mehr zu Diskussionen über Schuld, Vergebung und Sühne an, als es jedes moralingetränkte Werk tun könnte. Der Film hat seine Längen, und manche Szenen verlieren in ihrer Groteske etwas an Kraft – da wäre manches Mal ein subtilerer Zugang wünschenswert gewesen. Dennoch ist „Der Nachtportier“ ein Film, der hängenbleibt und auch 45 Jahre nach seiner Entstehung seine Kraft entfaltet. Was nicht zuletzt an der gelungenen Darstellung von Charlotte Rampling liegt, um den Bogen wieder zurückzuspannen. Das hätte ich ihr nach dem Film vielleicht sagen können – nur war sie da schon weg. Vielleicht hat sie mich ja doch nicht gesehen.

7,0
von 10 Kürbissen

Lampenfieber (2019)

Regie: Alice Agneskirchner
Original-Titel: Lampenfieber
Erscheinungsjahr: 2019
Genre: Dokumentation
IMDB-Link: Lampenfieber

Der Friedrichstadt-Palast in Berlin ist die Heimat des größten Jugendtheaters Europas. Einmal im Jahr findet die große Aufführung vor 1.800 Menschen im Publikum statt. Alice Agneskirchner folgt mit ihrer Kamera einigen Kindern und Jugendlichen zwischen 9 und 16 Jahren, die es geschafft haben, ins Ensemble aufgenommen zu werden, ein Jahr lang – von den Aufnahmeprüfungen bis zum großen Auftritt. Sie konzentriert sich dabei nicht ausschließlich auf die Proben und das Geschehen im Theater selbst, auch wenn diese natürlich einen großen Raum einnehmen, sondern folgt den Kindern auch nach Hause und stellt sie und ihre Lebensumstände den Zusehern vor. Und diese sind manchmal nicht einfach. Da gibt es frühe Krebstode von Eltern zu verkraften oder auch aktuelle Krebserkrankungen, da gibt es die syrische Migrantenfamilie, wo die Großeltern noch in Syrien leben und nur per Skype präsent sind, da gibt es Dreifachbelastungen durch Schule, Theater und weitere zeitaufwändige Tätigkeiten wie das Schauspiel oder Mode-Bloggen nebenbei. Schnell wird sichtbar, welchen Belastungen Kinder und Jugendliche heutzutage ausgesetzt sein können, ohne dass mit dem Finger auf Verantwortliche gezeigt oder auf die Tränendrüse gedrückt wird. Alice Agneskirchner hält einfach (und unprätentiös) fest: Das ist das Leben. Manches davon suchen wir uns selbst aus (und auch das kann belastend sein), manches kommt auf uns niedergeprasselt. Und manchmal ist es auch einfach zu viel. So zeigt Agneskirchner nicht nur den Erfolg der Kinder bei der Theaterproduktion, sondern auch den Misserfolg, das Scheitern, wenn ein Kind aufgrund der zu großen Belastungen dann doch aus dem Ensemble genommen wird, um es nicht noch mehr zu beanspruchen. Insgesamt ist „Lampenfieber“ eine erfrischende und sympathische Produktion, handwerklich solide und konventionell gemacht. Kein Meilenstein, aber auch kein Film, der mehr sein will als er ist – und damit eine Atempause zwischen all den symbolisch aufgeladenen dramatischen Filmen, die man auf der Berlinale sonst so serviert bekommt.