Drama

Sieben Jahre in Tibet (1997)

Regie: Jean-Jacques Annaud
Original-Titel: Seven Years in Tibet
Erscheinungsjahr: 1997
Genre: Drama, Abenteuerfilm, Biopic
IMDB-Link: Seven Years in Tibet

Das Wandern ist des Harrers Lust … Und weil das so ist und weil die Nazis ein paar Erfolgsmeldungen brauchen können, wird eben jener (Brad Pitt) zusammen mit einigen anderen erfahrenen Bergsteigern, darunter Peter Aufschnaiter (David Thewlis), zum Nanga Parbat geschickt, um den „Schicksalsberg“ der Deutschen ein für alle Mal in die Knie zu zwingen. Nun kommt ihnen eine Kleinigkeit dazwischen, ein Weltkrieg nämlich. Und die Briten, die ebenfalls gerade in der Gegend der Welt herumturnen, sacken die deutsch-österreichische Expedition gleich mal fröhlich ein und kerkern sie in Britisch-Indien ein. Nach Jahren können Heinrich Harrer und Peter Aufschnaiter flüchten und schlagen sich über den Himalaya bis ins ferne Tibet durch. Dort wurde gerade ein junges Bürschli (Jamyang Jamtsho Wangchuk) zum neuen Dalai Lama erkoren – eben jener, dessen Lebensweisheiten heute auf allen Zitate-Kalendern zu finden sind. Und weil das Leben manchmal die besten Geschichten schreibt, erfährt der arrogante Pimpf Harrer dort am Dach der Welt seine Läuterung, die in einer tiefen Freundschaft zum Dalai Lama mündet, die bis ans Lebensende von Harrer gehalten hat. Doch das Leben ist eben nicht nur bunter Fernsehkitsch, und die Spannungen zwischen China und dem friedliebenden, buddhistischen Tibet nehmen zu. Der Rest ist Geschichte, wie man so schön sagt, und die zeigt Jean-Jacques Annaud in seinem Monumentalepos auch in aller Brutalität. Insgesamt kann man am Film durchaus seine Einseitigkeit und Parteinahme kritisieren, auch seine Verkürzung der komplexen Historie, aber wirkungsvoll ist er, keine Frage. Etwas schmerzhafter ist wohl eher der österreichische Akzent, um den sich Brad Pitt und David Thewlis bemühen. Ab dem Zeitpunkt, an dem sie nicht mehr versuchen, auf „Deutsch“ zu parlieren, wird’s besser. Ein weiterer Kritikpunkt ist, dass mit Harrers opportunistischer Einstellung zum NS-Regime etwas zu salopp umgegangen bzw. diese schlicht negiert wird. Und natürlich trieft zeitweise der Kitsch in diesem Film von den Bergwänden herunter. Aber gut, das waren halt die 90er, und damit ist Annaud ausreichend entschuldigt. Unterm Strich bleibt ein Film, der sein zentrales Thema, Freundschaft und Kameradschaft, mit eindrucksvollen Bildern zu untermalen weiß.

6,5
von 10 Kürbissen

(Bildzitat: Photo by Archive Photos/Getty Images – © 2012 Getty Images, Quelle http://www.imdb.com)

Marie Curie – Elemente des Lebens (2019)

Regie: Marjane Satrapi
Original-Titel: Radioactive
Erscheinungsjahr: 2019
Genre: Biopic, Drama, Historienfilm
IMDB-Link: Radioactive

Biopics gehen immer. Man kennt die Namen, vielleicht die grundlegenden Errungenschaften der Person, aber in der Regel nicht den Hintergrund, nicht die private Seite, nicht die Niederlagen und Tiefschläge, die diese Person auf dem Weg zum ewigen Ruhm einstecken musste. Gleichzeitig sind Biopics oft sehr formelhaft angelegt. Junge Jahre, erste Erfolge, gröbere Misserfolge und dann schließlich der Durchbruch, der Sieg, die Anerkennung – das Ganze vielleicht vom Ausgangspunkt des Lebensendes aus erzählt als Reflexion über das gelebte Leben. „Radioactive“, so der eingängigere Originaltitel, von Marjane Satrapi (ein Film, der übrigens auf einer Graphic Novel beruht) ist diesbezüglich keine Ausnahme. Die Formelhaftigkeit des Films über die bedeutende Wissenschaftlerin Marie Curie, die zusammen mit ihrem Mann Pierre unter Anderem die Radioaktivität entdeckte, kann man diesem durchaus anlasten. Gleichzeitig kann Marjane Satrapi auf die Fähigkeiten ihrer beiden Hauptdarsteller vertrauen. Rosamund Pike und Sam Riley spielen das Ehepaar Curie mit Verve und vielschichtig angelegt. Auch zündet (bei mir zumindest) der Regieeinfall, die Konsequenzen der Forschung der Curies, die Errungenschaften, die daraus entstanden sind, in einer Art Vorblende in den Film einzubauen. So verweist das Biopic über das Leben der Hauptfigur hinaus – etwas, was die Formelhaftigkeit des Films dann auch wieder ein wenig durchbricht. Das muss man nicht mögen, und ich kann jegliche Kritik daran nachvollziehen. Aber für mich hat diese Idee gut gepasst und (neben den Leistungen von Pike und Riley) dabei geholfen, den Film über den üblichen Durchschnitt hinwegzuheben. Und liebe Schüler der Zukunft, die diesen Film mit Sicherheit im Unterricht sehen müsst: Ja, der Film ist lang und ja, es gibt hier herzlich wenige Explosionen und blutige Aliens zu sehen, aber das ist doch immer noch besser, als Formeln von der Tafel abzuschreiben, oder?

7,0
von 10 Kürbissen

(Bildzitat: Quelle http://www.imdb.com)

Brügge sehen… und sterben? (2008)

Regie: Martin McDonagh
Original-Titel: In Bruges
Erscheinungsjahr: 2008
Genre: Drama
IMDB-Link: In Bruges

Colin Farrell kann großartig sein, wenn man ihm die richtigen Rollen gibt. Wenn man das nicht tut, kommt so etwas wie „Alexander“ heraus, aber Schwamm drüber, das ist auch schon wieder 16 Jahre her. Bei Brendan Gleeson muss man sich hingegen im Vorfeld kaum Gedanken machen, ob das passen könnte. Es passt einfach immer. Und da Colin Farrell in Martin McDonaghs Slow-Motion-Thriller „In Bruges“ ebenfalls passt, und zudem auch noch Ralph Fiennes, Clémence Poésy und Peter Dinklage-Lookalike Jordan Prentice den Cast veredeln und ihre Sache gut machen, kann man sich getrost zurücklehnen und es genießen, zwei leicht depressiven Auftragskillern auf einer Sightseeing-Tour durch Brügge zuzusehen, während sie auf den Anruf ihres Bosses warten. Tempo und Handlung sind in diesem Film sehr gedrosselt. Man muss sich auf diese sperrige Erzählweise auch einlassen können. Aber dann liest man recht schnell zwischen den Zeilen die großen existentialistischen Fragen heraus: Wer bin ich? Was ist mein Leben wert? Was ist ein Leben im Generellen wert? Wie begleiche ich vergangene Schuld? Ist das überhaupt möglich? Und wie lebe ich mit meiner Schuld weiter? Colin Farrells von Gewissensbissen geplagter und etwas einfältiger Auftragskiller Ray ist hierbei das emotionale Zentrum des Geschehens, Brendon Gleesons Ken so etwas wie sein Anker, der ihn im Leben hält. Als Thriller mag der Film für viele nur mäßig funktionieren, dazu ist sein Tempo zu stark gedrosselt, aber wenn man sich auf die dramatischen Aspekte und den gelegentlichen schwarzen Humor konzentriert, gehört „In Bruges“ zu den besten Filmen, die Colin Farrell jemals gedreht hat.

8,0
von 10 Kürbissen

(Bildzitat: Quelle http://www.imdb.com)

The Assistant (2019)

Regie: Kitty Green
Original-Titel: The Assistant
Erscheinungsjahr: 2019
Genre: Drama
IMDB-Link: The Assistant

Gleich mal vorweg: Der Trailer zu Kitty Greens „The Assistant“ kann durchaus in die Irre führen. Was sich beim schnellen Zusammenschnitt anfühlt wie ein spannender Bürothriller rund um dunkle Machenschaften ist – beim genauen Hinsehen – eben genau das. Nur ganz anders als erwartet. Nämlich sehr subtil gestrickt und mit Schweinereien, die weniger mit Bankkonten und sinisteren Geschäften gemein haben, sondern mit Ausbeutung und Sexismus. Julia Garner spielt Jane, die Assistentin eines einflussreichen Filmmoguls. Dieser wird den ganzen Film über nicht gezeigt und auch nicht namentlich erwähnt, aber man braucht nicht viel Fantasie, um hier einen realen Namen einsetzen zu können. Dieser Filmmogul ist schwer beschäftigt, lässt die Angestellten nach seiner erratischen Pfeife tanzen, und am Abend, wenn die Lichter ausgehen, bleibt er gerne noch etwas länger im Büro – vorwiegend in Gesellschaft junger, hübscher, hoffnungsvoller Schauspielerinnen. Die eigentliche Schweinerei aber ist, dass Jane, seit zwei Monaten in dieser Stelle tätig, bei ihren Versuchen, die Machenschaften des Chefs aufzuzeigen, auf eine Wand des Schweigens und Vertuschens stößt. Jeder weiß, was los ist, keiner sagt etwas. Zu mächtig sind die Mächtigen, zu schmächtig die Untergebenen. Genau auf dieses strukturelle Problem hat es Kitty Green mit ihrem Film abgesehen. Wer sich einen schnellen, spannungsgeladenen Thriller erwartet, ist hier falsch, aber als hintersinniges Drama über die moralischen Zustände unter den oberen Zehntausend ist der Film absolut gelungen, gerade durch seinen bitteren Realismus und seiner Weigerung, die Handlung hollywoodmäßig dramatisch zuzuspitzen.

7,5
von 10 Kürbissen

(Foto: Polyfilm Verleih)

Tragic Jungle (2020)

Regie: Yulene Olaizola
Original-Titel: Selva trágica
Erscheinungsjahr: 2020
Genre: Drama
IMDB-Link: Selva trágica

Der letzte Viennale-Film in diesem Jahr, und ich hätte mir keinen besseren Film dafür aussuchen können als „Tragic Jungle“ von Yulene Olaizola, entführt dieser doch in eine fremde, mysteriöse Welt, die man vorrangig auf Filmfestivals abseits des Mainstreams kennenlernen kann. Der Dschungel ist dicht und voller Gefahren. Vor allem für Agnes (Indira Rubie Andrewin), die gerade noch dem britischen Großgrundbesitzer entkommen ist, der sie heiraten wollte und nach der Abweisung nun Jagd auf sie macht. Verletzt wird sie von spanischen und mexikanischen Arbeitern gefunden, die durch die Ernte und den Verkauf von Kautschuk den großen Reibach machen möchten. Es sind die 1920er Jahre im Dschungel von Mexiko, das Leben ist hart und entbehrlich. Das Auftauchen der jungen und attraktiven Frau bringt die Dynamik im Camp der Arbeiter gehörig durcheinander. Doch bald stellt sich die Frage: Wer oder was ist die eigentliche Bedrohung hier? „Tragic Jungle“ ist ein Spiel mit Mythen, mit menschlichen Abgründen, Begehrlichkeiten, Fantasien und Träumen und der Suche nach Reichtum, die alles Andere zu überschatten droht. Ein sinnlicher Film, indem der Dschungel so undurchdringlich ist wie Agnes‘ Miene. Yulene Olaizola würzt den Film mit einer gehörigen Portion Spannung, die in dem fremdartigen Setting gut zur Geltung kommt. Das sind die Filme, für die sich Kino wirklich lohnt, ermöglicht die große Leinwand schließlich das komplette Eintauchen in eine Welt voller Magie und Rätsel. Dass der Film mit dem Jurypreis der Standard-Publikumsjury ausgezeichnet wurde, ist gut nachvollziehbar und verdient.

7,5
von 10 Kürbissen

(Foto: (c) Viennale)

Genus Pan (2020)

Regie: Lav Diaz
Original-Titel: Lahi, Hayop
Erscheinungsjahr: 2020
Genre: Krimi, Drama
IMDB-Link: Lahi, Hayop

Für seine Verhältnisse hat Lav Diaz mit „Genus Pan“ (im Original: „Lahi, Hayop“) einen Kurzfilm gedreht. In flotten 157 Minuten ist man durch. Seine Filme können auch schon mal die 8-Stunden-Marke überschreiten. Bei einem achtstündigen „Lahi, Hayop“ wäre ich allerdings ausgestiegen, hat der Film ja auch jetzt schon seine Längen. Die Geschichte kann nämlich recht einfach zusammengefasst werden: Drei Minenarbeiter schlagen sich von der Insel, auf der sie arbeiten und ausgebeutet wurden, durch den Dschungel in ihr Heimatdorf durch. Einer von ihnen ist finanziell besonders gebeutelt, denn das wenige Geld, das ihm bleibt, reicht nicht aus, um die Medikamente der kranken Schwester zu bezahlen. Nach einem langen, beschwerlichen Weg kommt nur er im Dorf an. Was ist passiert? Dass er den Dorfbewohnern von seinem Geld nichts abgeben möchte, macht die Menschen noch misstrauischer. „Lahi, Hayop“ bringt unter allen Figuren das Schlechteste hervor. Man ist nicht besser als der vom Instinkt geleitete „Pan“, also Menschenaffe. Es gibt wenig Hoffnung auf Läuterung – trotz eines starken Beginns, der den beschwerlichen Weg der drei Männer minutiös nachzeichnet und die drei ungleichen Typen auch zueinanderfinden lässt. Aber was bleibt davon übrig im Angesicht der Not? „Lahi, Hayop“ ist eine finstere Reise an die dunkelsten Stellen der Herzen. Allerdings fällt der Film nach einer starken ersten Hälfte stark ab, wird mühsam und zieht sich wie ein alter Kaugummi. Erst das bittere Ende lässt den Zuseher wieder mitfiebern und rettet den Film über die letzte Kurve. Die 157 Minuten Laufzeit sind aber mehr als üppig bemessen für den Inhalt, der damit trotz der kürzeren Laufzeit deutlich mühsamer zu sehen ist als der grandiose The Woman Who Left aus dem Jahr 2016. Wie schon gesagt: Acht Stunden lang hätte ich hier nicht durchgehalten. 

6,0
von 10 Kürbissen

(Foto: (c) Viennale)

Die Frau, die rannte (2020)

Regie: Hong Sang-soo
Original-Titel: Domangchin yeoja
Erscheinungsjahr: 2020
Genre: Drama
IMDB-Link: Domangchin yeoja

Gam-hee (Kim Min-hee) ist seit fünf Jahren verheiratet. Eine Geschäftsreise ihres Ehemanns ermöglicht es ihr, einige alte Freundinnen und Bekannte zu besuchen. Die hat sie seit Jahren nicht mehr gesehen, denn, wie sie allen erzählt, war sie im Laufe ihrer fünfjährigen Ehe bislang keinen einzigen Tag von ihrem Ehemann getrennt. Er sei der Meinung, dass ein Paar, das sich liebt, eben stets zusammen sein müsse. In dieser Aussage schwingen schon viele unausgesprochene Probleme und unerfüllte Sehnsüchte mit. Denn Gam-hee scheint nichts Anderes mehr zu sein als die Ehefrau, die noch nie von ihrem Mann getrennt war. Für das alltägliche Leben ihrer Freundinnen bringt sie Bewunderung auf, Beziehungen und das Liebesleben kommentiert sie ehrfürchtig und fast verschämt. Man merkt: Diese Frau ist gefangen, in ihrer Beziehung, in sich selbst, in der Gesellschaft. Ausgesprochen wird dies aber nie. Hong Sang-soos neuer Film ist still, fast meditativ, und enorm handlungsarm. Die Gespräche drehen sich meist um Beiläufigkeiten und kommen über die Qualität von Smalltalk selten hinaus. Trotzdem wird im Laufe des Films Gam-hees Einsamkeit und Suche nach sich selbst immer spürbarer. Dies so erlebbar zu machen, hat große Qualität. Allerdings ist „Die Frau, die rannte“ ein Film, für den man Geduld und zumindest ansatzweise die Antenne für Ungesagtes mitbringen muss. Und man muss wertschätzen können, dass das Leben hauptsächlich aus Kleinigkeiten besteht wie zum Beispiel das Schälen eines Apfels. Der Film fordert die Geduld der Zuseher heraus, ist aber trotz seiner Passivität an der Oberfläche lohnenswert.

6,5
von 10 Kürbissen

(Foto: (c) Viennale)

Mainstream (2020)

Regie: Gia Coppola
Original-Titel: Mainstream
Erscheinungsjahr: 2020
Genre: Drama, Komödie, Satire
IMDB-Link: Mainstream

Wenn du Coppola heißt, dann wirst du nicht Zuckerbäckerin oder Rauchfangkehrer. Dann gehst du ins Filmbusiness. Basta. So ist nun auch Francis Ford Coppola-Enkelin Gia endgültig auf den Filmfestivals dieser Welt angekommen. Ihr zweiter Langfilm „Mainstream“ fühlt sich ein bisschen wie ein Debüt an: Voller Energie und aberwitziger Regieeinfälle (manche davon gelungen, manche weniger), ein bisschen chaotisch, aber sympathisch, mit einer Botschaft, die dann doch wieder verwässert wird. Die Kellnerin Frankie (Maya Hawke, die Tochter von Uma Thurman und Ethan Hawke, wo wir bei der nächsten cineastisch beschlagenen Familie wären) trifft auf den jungen Spinner und Smartphone-Verweigerer Link (Andrew Garfield), der sich mit Gelegenheitsjobs über Wasser hält und in den Tag hineinlebt. Fasziniert von seinen Spompernadeln lässt sie alles liegen und stehen und schließt sich seinem Joie de vivre an. Gemeinsam mit ihrem Kumpel Jake (Nat Wolff) erfinden sie die Kunstfigur No One Special, die uns Smombies den Spiegel vorhalten soll. Ein Musikvideo geht viral, und von da an nimmt das Projekt eine Dynamik auf, die Frankie, Link und Jake bald nicht mehr steuern können – vor allem, als der dubiose Agent Mark Schwartz (Jason Schwartzman) hinzustößt. Man sieht: Das ist alles ein bisschen plump und plakativ. Alle vorstellbaren Klischees und Topoi werden brav abgearbeitet. Und die eigentliche Botschaft des Films wird durch die weitere Storyline korrumpiert. Wie Frankie im Film verliert auch Gia Coppola zunehmend die Kontrolle. Ihre energiegeladene Inszenierung sorgt dennoch dafür, dass der Film kurzweilig und unterhaltsam bleibt, aber wie viel mehr hätte man da noch rausholen können!

5,5
von 10 Kürbissen

(Foto: (c) Viennale)

Nomadland (2020)

Regie: Chloé Zhao
Original-Titel: Nomadland
Erscheinungsjahr: 2020
Genre: Drama, Roadmovie
IMDB-Link: Nomadland

Chloé Zhao ist mir schon mit ihrem Vorgängerfilm The Rider sehr positiv aufgefallen. Den Ansatz, die Geschichten echter Menschen von ihnen selbst dargestellt fiktionalisiert auf den großen Screen zu bringen, setzt sie mit „Nomadland“ fort – diesmal mit Unterstützung einer wie immer herausragenden Frances McDormand in der Hauptrolle und David Strathairn an ihrer Seite. Der Rest des Casts ist aber direkt von den Straßen, auf denen sie mit ihren Wohnwagen von Job zu Job pilgern, für den Film gecastet worden. Sie berichten aus ihrem eigenen Leben, von ihren persönlichen Schicksalen. Wie auch in „The Rider“ vermeidet Choé Zhao Rührseligkeit und Schuldzuweisungen. Das Leben in den USA kann hart und bitter sein, wenn man nicht auf der wirtschaftlich begünstigten Butterseite gelandet ist. Träume lösen sich in Schall und Rauch auf, ein festes Heim kann sich nicht jeder leisten, und so zieht man nomadengleich von Stadt zu Stadt, um in den Versandzentren von Amazon oder bei der Rübenernte ein paar Dollar zu machen. Man scheißt in Eimer, weil es kein fließendes Wasser gibt, und hilft sich gegenseitig mit Werkzeug und einer gelegentlichen Umarmung aus. Es ist ein Leben am Rand bzw. im Dazwischen – nicht ganz am untersten Ende der Obdachlosigkeit, aber eben auch noch nicht der Working Class zugehörig. „Nomadland“ gibt diesen Menschen im Dazwischen eine Stimme und erzählt fast beiläufig dazu noch eine Geschichte über Familie und Zusammenhalt. Einer der großen Filme der diesjährigen Viennale – was den Publikumszuspruch wie die Qualität gleichermaßen betrifft.

8,0
von 10 Kürbissen

(Foto: (c) Viennale)

The Trouble with Being Born (2020)

Regie: Sandra Wollner
Original-Titel: The Trouble with Being Born
Erscheinungsjahr: 2020
Genre: Drama, Science Fiction
IMDB-Link: The Trouble with Being Born

Wozu brauchen wir Roboter? Nun, sie erleichtern uns die Arbeit oder nehmen uns Arbeit ab. Sie ermöglichen uns die Erschaffung von Dingen und Konzepten, die ohne automatisierter Hilfe undenkbar scheinen. Aber können sie auch zwischenmenschliche Interaktion ersetzen? Diese Frage stellt sich Sandra Wollner in ihrem Film „The Trouble with Being Born“. Der Roboter Elli (Lena Watson) ist nach dem Ebenbild der verschwundenen Tochter von Georg (Dominik Warta) erschaffen und hat ihre Erinnerungen einprogrammiert. So wird die Illusion der Vater-Tochter-Beziehung aufrechtgehalten. Einige sehr ungesunde Features sind hinzugekommen – praktisch, dass Roboter keine Gefühle haben. Dieser Aspekt führte auch gleich mal zu einer kontrovers diskutierten Ausladung vom Filmfestival in Melbourne, wie die Regisseurin im anschließenden Q&A erzählte. Ein weiteres Beispiel für Political Correctness, die zu weit geht. Jedenfalls spart der Film ungute Betrachtungen zu menschlichen Bedürfnissen und Trieben nicht aus. Das mit Gedanken zur künstlicher Intelligenz zu verbinden, ist ein geschickter Zug, der moralische Fragen aufwirft, die sich nicht einfach wegwischen lassen. Zunächst einmal ist der Science Fiction-Film „The Trouble with Being Born“ eine arg anstrengende Angelegenheit. Der Zuseher wird mit dem zähen Beginn lange Zeit im Dunkeln gelassen (und das im doppelten Sinne – die Bildgestaltung führt oft in den dunklen Wald und die Nacht hinein), muss sich den Inhalt selbst erarbeiten. Aber mit der Zeit nimmt der Film spürbar an Fahrt auf. Das Ende ist dann packend und hallt länger nach. Der Weg dahin ist halt etwas mühsam.

6,0
von 10 Kürbissen

(Foto: (c) Viennale)